SALTO AL VACÍO

GÓLGOTA PICNIC. El nuevo montaje de Rodrigo García.

2010-12-30T10:41:00.001+01:00

Cada pieza teatral es una manifestación más de vivir. Por vivir entiendo muchos accidentes, recuerdos, pero también olvidos, cosas que olvidamos por miedo o vergüenza. Hacemos cosas vergonzosas y juramos que nunca hemos hecho nada humillante, lo borramos intencionadamente de nuestra memoria. Luego esas cosas afloran en las obras, disfrazadas, ni nosotros nos damos cuenta de que esos miedos y esos oprobios están ahí. Por esto la materia del artista es la expectación, la fragilidad y sus vergüenzas, y con todo eso, y a pesar de todo esto, debe hacer, no estarse quieto.

La Biblia es la fábula más fascinante, por la calidad del lenguaje y por la imaginería desbordante: ángeles que suben y caen, llamas por todas partes, cielos que se abren, milagros, demonios, muertes y torturas inimaginables, teorías sobre el amor impracticables...

Pero la obra luego despega hacia otros asuntos, relacionados siempre con la muerte. La muerte como ir a comer el menú del día, no la muerte como el fin del mundo. El fin de nuestra percepción del mundo, nuestro final biológico, no afecta en nada al fin del mundo. Morirse es algo sencillo y no debería tomar por sorpresa ni apesadumbrar a nadie.

La música es lo único que se asemeja a la divinidad en esta obra. Por eso intento que ocurra poco y nada en escena cuando Marino toca.

Si pensamos en la noción de «espectáculo», es idiota por mi parte pedirle al público que escuche una obra compuesta de movimientos lentos y que invita al recogimiento. Pedirle eso a este público, gente como yo, que vive como yo, en una realidad de terror y de absurdo, en metrópolis absurdas y crueles, plagadas de imágenes vacuas, de sonidos brutales, víctimas todos del papel moneda, es una temeridad. Pero ¿cómo no hacer la prueba, cómo no proponer a la gente Haydn tocado cada noche en un gran piano por un intérprete como Marino Formenti?

Como creador, uno no tiene elección, uno no hace ni lo que dicta la moda, ni lo que demanda el mercado; uno hace lo que puede hacer y nada más que lo que puede hacer. Si se hace a fondo y saltándose los límites expresivos que quieren imponernos, resulta que al final coincide lo que uno puede hacer con lo que uno debe hacer. Y nace la ética.

A veces debemos hacer algo que mucha gente nos aconseja que no hagamos. Es el conflicto inevitable para que algo se mueva.

Rodrigo García

Teatro María Guerrero. Madrid.

7 de enero a 6 de febrero de 2011

Martes a sábados: 20.30 horas.

Domingos: 19.30 horas

AVISO: PONEMOS EN CONOCIMIENTO DEL PÚBLICO QUE, ALGUNOS CONCEPTOS RELIGIOSOS O IMÁGENES, PUEDEN HERIR SU SENSIBILIDAD

El cartel del FESTIVAL VEO 2011

2010-11-30T17:07:00.000+01:00

El pasado miércoles, 24 de noviembre de 2010, en el taller de trabajo de la compañía de títeres valenciana, Bambalina, se presentaron a la prensa la producción, las dos coproducciones y el cartel de la novena edición del Festival VEO. El contenido y la filosofía del cartel recogen el lema de este año, el objeto, a través de una mano biónica desmembrada por el antebrazo que deja ver parte de su estructura. (tomado del blog del Festival, seguir leyendo aquí)

EL ALMA SE SERENA, de Lluisa Cunillé y Paco Zarzoso. Picanya, 28-nov.

2010-11-01T18:32:00.002+01:00

El próximo 28 de noviembre, a las 19'00 horas, en el Teatre Centre Cultural de Picanya, podremos ver EL ALMA SE SERENA, el último montaje de Hongaresa Teatre, escrita por Lluisa Cunillé (Premio Nacional de Teatro 2010) y Paco Zarzoso.

"Aquesta comèdia es situa en la València actual, a l'històric Barri del Cabanyal. El seus protagonistes són els darrers habitants d'una finca a punt de ser derruïda i que intenten salvar de l'especulació inmobiliària entre sorolls de grues, traques i motors de Fórmula 1. Tres personatges a punt de ser desnonats, víctimes de les polítiques d'una ciutat que finalment ha donat l'esquena als seus ciutadans més desprotegits."

Como epílogo de este montaje, está prevista la representación del fragmento de la obra ZERO RESPONSABLES que Paco Zarzoso escribió.

RUSSAFA ESCÈNICA 2011. Del 5 al 10 de abril de 2011.

2010-10-25T23:44:00.001+02:00

L’objectiu de Russafa Escènica 2011 és fer de la ciutat de València, més concretament del barri de Russafa, un aparador de referència estatal on els artistes relacionats amb les arts escèniques de la nostra comunitat puguen mostrar, ara i en el futur, els seus espectacles i propostes en espais no convencionals; en esta edició, galeries d’art i tallers d’artistes.
Un festival que, amb el consens i el recolzament de totes les plataformes veïnals de Russafa, naix amb la finalitat de potenciar i dinamitzar un dels barris amb major nombre de professionals relacionats amb les indústries culturals.
En esta primera edició set artistes escènics/companyies de teatre units per una generació, sense un espai propi on poder presentar els seus treballs, i amb el desig i ganes de voler experimentar i mostrar; ocupen en russafa escènica 2011 els espais privats de set artistes plàstics.
Set tallers i galeries d’art situades a russafa, set espais que són una xicoteta selecció dels quasi trenta estudis existents en el barri on, després de mesos de treball en conjunt, l’artista plàstic i l’escènic es fonen en una direcció i mostren, dins del marc del festival, el resultat de la seua convivència.
Una setmana on el barri de Russafa es transformarà en un autèntic aparador de les arts escèniques valencianes fusionades amb les arts plàstiques.
Una setmana on poder veure set propostes dins la programació oficial i una producció pròpia del festival.
Producció pròpia que compta amb la participació de prop de vint creadors amb una més que solvent i acreditada trajectòria creativa que naix amb el desig de sumar al sector teatral valencià.
Noms propis de l’escena valenciana que amb la seua participació, treball i generositat, aporten al festival solidesa, rigor i qualitat.
Un total de huit propostes d’entre quaranta-cinc minuts i una hora amb les que poder gaudir d’un festival de nous llenguatges escènics presentats en espais no convencionals.
Huit llavors, que amb el treball, il•lusió i esforç d’un gran equip de professionals, han germinat donant pas a les huit propostes que vos presentem.
Huit propostes que prenen forma i creixen des de la necessitat de mostrar el treball dels professionals valencians en una societat on no sempre les circumstàncies alienes al fet artístic juguen al seu favor.

CENIZAS ESCOGIDAS. OBRAS 1986-2009. Rodrigo García

2010-07-08T15:53:00.000+02:00

Ayer me compré el volumen CENIZAS ESCOGIDAS. OBRAS 1986-2009 que ha editado La Uña Rota. Recoge casi todos los textos que Rodrigo García ha escrito en los últimos 25 años. Como nos dice el mismo Rodrigo García en el prólogo, estos "textos son infortunados residuos de mis montajes teatrales".

"Las palabras de este libro son despojos; cobran sentido si atendemos al universo que propuso en su día cada montaje teatral y, descontextualizadas, se presentan carentes de estructura dramática, y hasta resultan torpes para la lectura corriente"

Si tienes nueve años y vives en Lisboa, vas al McDonald’s todos los domingos.
Si tienes nueve años y vives en Cuba, vas a chuparle la polla a un turista italiano.
Si tienes nueve años y vives en Bruselas, vas al McDonald’s los domingos.
Si vives en Bolivia, vas a la mina para los gringos.
Si tienes nueve años y vives en Nueva York, vas al McDonald’s los domingos.
Si tienes nueve años y vives en Tailandia, tienes que dejar que te dé por el culo un australiano.
Después dos aviones se llevan por delante dos rascacielos y la gente se asombra.
Las causas religiosas son otra mentira más.
Os creéis la propaganda política igual que os creéis la publicidad de Danone.
Una nación cree que puede desollar Hirosima y quedar impune.
Que puede destrozar económicamente Argentina y quedar impune.
Que puede bombardear cualquier pedazo de tierra y quedar impune.
Y hace propaganda del discurso opuesto: dicen que son un pueblo herido.
Tropas de soldados, tropas de Donuts, tropas de Big Macs, tropas de Levis, tropas de Philips, tropas de Hollywood…
¡Qué cabrones!

“La Historia de Ronald, el payaso de McDonald’s”

Rodrigo García

ZERO RESPONSABLES. Un montaje sobre la responsabilidad.

2010-07-05T23:20:00.000+02:00

Más de 40 profesionales del Teatro valenciano en una propuesta escénica sin igual para denunciar la falta de responsables con respecto al accidente de metro del 3 de julio de 2006 en Valencia.

LAS LEYES DEL MOVIMIENTO. Jacques Lecoq

2010-06-20T12:30:00.000+02:00

Las leyes del movimiento en el juego teatral:

1. No hay acción sin reacción.
2. El movimiento es continuo, avanza sin cesar.
3. El movimiento proviene siempre de un desequilibrio a la búsqueda del equilibrio.
4. El equilibrio mismo está en movimiento.
5. No hay movimiento sin un punto fijo.
6. El movimiento pone en evidencia el punto fijo.
7. El punto fijo también está en movimiento.

Jacques Lecoq

(fotografía: Compagnie dernière minut)

I FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO SOCIAL. Del 15 al 23 de mayo 2010

2010-04-17T12:22:00.000+02:00

La Fundación por la Justicia de la Comunidad Valenciana, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo (AECID) presenta el 1er Festival Internacional de Teatro Social: “ReACT´´.

El objetivo principal que persigue el Festival Internacional de Teatro Social ReACT, es convertirse en punto de encuentro para los diversos grupos teatrales invitados con la finalidad última de sensibilizar a la sociedad de la Comunidad Valenciana sobre las violaciones de Derechos Humanos y el acontecer de una convivencia social concienciada.

ReACT tendrá lugar del 15 al 23 de Mayo de 2010, con actuaciones y actividades diarias. Todas las actividades estarán abiertas al público y serán totalmente gratuitas, con el objetivo de hacer llegar la muestra de teatro al mayor número posible de ciudadanos y hacerles participes de la misma, entendiendo la aplicación del teatro como un medio de intervención, transformación de la realidad y conciencia social.

Entre las diversas actividades que se llevarán a cabo durante el Festival, encontraremos muestras de obras teatrales de 8 compañías de 5 países diferentes, dirigidas en general a toda la sociedad Valenciana y en especial a Centros de Bachillerato, colectivos de inmigrantes, educadores y a los presos del Centro Penitenciario de Picassent. Encontraremos además como actividades paralelas, teatro para niños en las instalaciones del IVAM, realizado por DAMA (Ruanda); teatro en la calle por la Escuela de Teatro y Cine OFF VALENCIA; realización de talleres de teatro con niños discapacitados y educadores a cargo del grupo aSOMBRAS (Madrid, España); charlas sobre la situación de los Derechos Humanos en los diferentes países; y una exposición fotográfica titulada “Ojo de Reconocimiento´´, imágenes de Palestina de la artista Mahdis Azarmandi (Irán/Alemania).

Durante el Festival ReACT se presentarán obras de las siguientes compañías teatrales:

RAJATABLA (Caracas, Venezuela), ASHTAR THEATRE (Ramallah, Palestina), CHAPAO (Valencia, España), Compañía ENNIO TRINELLI (Málaga, España), LOS MANANTIALES (Valencia, España), Escuela de Teatro y Cine OFF (Valencia, España), FREIE BÜHNE NEUWIED (Neuwied, Alemania), y DelMUNDO PRODUCTIONS (Nueva York, Estados Unidos).

La Pre-inauguración será el sábado 15 de mayo a las 22:00 en el IVAM, con una muestra de video arte, proyectada en la fachada del museo, de la artista Laia Cabrera.

La Gala Inaugural del 1er Festival Internacional de Teatro Social ‘ReACT’ será el domingo 16 de Mayo a las 20:00 en la Escuela de Teatro y Cine Off de Valencia, donde tendrá lugar la representación de la obra “Tu país está feliz” del grupo RAJATABLA de Venezuela.

La Gala de Clausura será el domingo 23 de mayo a las 20:00 en el Teatro de los Manantiales de Valencia, donde se realizará la obra “Ground Zero” de la misma compañía LOS MANANTIALES.

Para más información: www.fundacionporlajusticia.org, o contactando telefónicamente, al 96.381.37.33.

MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2010

2010-03-27T13:41:00.001+01:00

El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una miríada de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar.

El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos.

JUDI DENCH

I CONGRÉS SOBRE LA DRAMATÚRGIA EUROPEA: Del 24 al 26 de febrer de 2010. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

2010-02-08T21:55:00.001+01:00

El teatre en l’espai europeu, un altre debat imprescindible

El I Congrés sobre la dramatúrgia europea té com a objectiu fonamental reunir un conjunt de dramaturgs amb altres professionals responsables de la cultura teatral per tractar de reflexionar sobre Europa com espai teatral. Com un àmbit plural de vivència i pervivència del nostre imaginari teatral, un espai de pluralitat lingüística i cultural, més enllà de les unitats estrictament econòmiques o polítiques que la configuren. Al seu si, les minories no estatals hi tenen un dinamisme teatral propi que pot aportar molts elements de riquesa i vida al conjunt de l’imaginari i la realitat europeus.

És possible pensar un teatre europeu més enllà de les actuals demarcacions territorials i polítiques? Cal renunciar a les especificitats? Cal augmentar els contactes i els fòrums d’intercanvi a més del sistema d’edicions i/o produccions actuals? Com s’insereixen les cultures minoritàries i minoritzades en aquest espai de cultures i llengües algunes de les quals actuen com a minoritzadores per raons extralingüístiques? Cal tenir en compte únicament les llengües amb representació al Parlament Europeu o abraçar la diversitat molt més rica i plural de la realitat? Com aconseguir que el diàleg siga operatiu més enllà dels mecanismes estrictament oficials sancionats per les institucions estatals?

Organitzat per l’Octubre Centre de Cultura Contemporània de València, el Congrés es nuclearitza al voltant de cinc sessions dedicades a diverses dramatúrgies d’àmbits i realitats teatrals ben vives: les de llengua alemanya (Alemanya, Àustria, Suïssa), anglesa (Anglaterra, Escòcia, Irlanda), francesa (França, Bèlgica, Suïssa), italiana (Itàlia, Suïssa) i catalana (País Valencià, Illes, Catalunya...). Aquestes sessions tenen un disseny gairebé simètric i autònom: una exposició historicocrítica seguida de la intervenció d’un dramaturg que analitza quins són, al seu criteri, els problemes bàsics de l’escriptura i la difusió teatrals al seu àmbit. Després, aquesta visió personal es complementa amb una taula rodona amb dos dramaturgs més i un responsable cultural, els quals ens en poden donar una informació molt més àmplia i plural. A la fi, es produeix un debat, obert al públic, amb els membres d’aquesta taula rodona més el dramaturg anterior.

El primer congrés naix, en definitiva, amb la convicció ferma que la construcció de l’espai europeu reclama un diàleg i una activitat permanents al més viu, directe i personalitzat possible, des dels diferents agents socials i teatrals perquè la diversitat de pobles i cultures intercanvien els seus somnis, realitats, dèficits i expectatives. Per això, per contribuir a l’intercanvi d’imaginaris i expectatives així com al coneixement entre iguals, posa en pràctica el debat i la reflexió sobre el teatre en l’espai europeu: un altre debat imprescindible. Perquè Europa és molt més que un espai econòmic o polític i es mereix de noves mirades i consideracions.

Per portar-lo a cap es contarà amb la presència de més de vint-i-cinc especialistes, estudiosos, actors i professionals, dels diferents àmbits lingüístico-teatrals. Tot ells ens mostraran un ampli ventall de realitats i pràctiques artístiques, històriques i de política cultural teatral que van des de l’estudi més rigorós i científic al debat més viu sobre les diferents tendències i propostes: un congrés que no deixarà indiferent a ningú i on, per primera vegada, València serà la capital del teatre europeu.

Idea: Manuel Molins.
Coordinació: Francesc Foguet i Manuel Molins.
Comissió Organitzadora: Olga Celda, Francesc Foguet, Manuel Molins, Ramon Rosselló i Núria Santamaria.
Comitè Científic: Jordi Auseller (UVic), Francesc Foguet (UAB), Brigitte Jirku (UV), Domingo Pujante (UV), Maria Josep Ragué – Àrias (UB), Ramon Rosselló (UV), Biel Sansano (UA), Núria Santamaria (UAB), Mercè Saumell (INST. TEATRE), Josep Ll. Sirera (UV), Jesús Tronch (UV) i Loreto Vilar (UB).

Programa

Dimecres 24 de febrer 2010

11.00h. Acreditacions.

11.30h. Benvinguda.

12.00h. Ponència inaugural: “El teatre europeu en la nova Europa o l'imaginari teatral europeu a debat. Hi ha una Europa més enllà (o més ençà) de l'espai econòmic i/o polític que tant es pregona?”, a càrrec de Lluís Pasqual, director i productor teatral, fundador del Teatre Lliure.

Sessió I: el teatre alemany

Presenta: Jordi Auseller (Universitat de Vic).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre alemany des de finals del s. XX a l'actualitat. Brigitte Jirku (UV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs escriptors alemanys. Marion Victor (Verlag der Autoren de Frankfurt/Main).

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre alemany actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l'anterior (Henning Fangauf i Sabine Wang), més un responsable cultural (Eva Brenner, directora del Fleischerei) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Loreto Vilar (UB).

Dijous 25 de febrer 2010

Presenta: Mercè Saumell (Institut del Teatre).

Sessió II: el teatre anglès

10.00h. Panorama del teatre anglès des de finals del s. XX a l'actualitat. Jen Harvie (Universitat de Londres).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs anglesos. David Edgar.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre anglès actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l’anterior (Stella Feehily i Max Stafford-Clark) més un responsable cultural (Phil George, President Fundador del Teatre Nacional de Gal·les), seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Olga Celda, dramaturga.

Sessió III: el teatre italià

Presenta: Pau Marqués (professor i traductor).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre italià des de finals del s. XX a l'actualitat. Paolo Puppa (Universitat de Venècia).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs italians. Gianni Clementi.

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre italià actual amb dos dramaturgs diferents de l'anterior (Giampiero Rappa i Renata Ciaravino) més un responsable cultural (Monica Gattini, Teatre Litta Milano) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Ramon Rosselló (UV).

20.00 a 21.30h. Lectura dramatitzada de textos breus dels dramaturgs que intervenen en el congrés. Direcció: Albert Mestres. Interpretat per:
Vicent Grande, Nacho Diago i Pilar Martínez.

Divendres 26 de febrer 2010

Presenta: Evelio Miñano (UV).

Sessió IV: el teatre francès

10.00h. Panorama del teatre francès des de finals del s. XX a l'actualitat. Michel Corvin (Sorbonne nouvelle).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs francesos. Victor Haïm.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre francès actual amb dos dramaturgs diferents de l’anterior (Louise Doutreligne i Serge Kribus) més un responsable cultural (Irène Sadowska, crítica i animadora cultural) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Domingo Pujante (UV).

Sessió V: el teatre català (i espanyol)

Presenta: Núria Santamaria (UB).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre català des de finals del s. XX a l'actualitat. Francesc Massip (URV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs en llengua catalana. Joan Cavallé.

18.30 a 19.30h. Taula rodona sobre la projecció del teatre català i castellà des de finals del s. XX a l'actualitat amb Rodolf Sirera (País Valencià), Joan Casas (Principat), Patxo Telleria (Euskadi), i Ignacio del Moral (Madrid). Modera: Maria José Ragué-Àrias (UB).

19.30 a 21.00h. Debat sobre la situació del nostre teatre amb diferents responsables de la gestió teatral, professionals i polítics. Alfred Mayordomo (cap de producció de TGV), Jordi Coca (CoNCA), Josep P. Cerdà (Delegat d'Arts Escèniques del Consell Balear), Alberto García Vidal (Red de Teatros Alternativos) i Salvador Sunyer (director del Festival Temporada Alta, Girona). Modera: Francesc Foguet (UAB).

CONVALIDABLE PER 2 CRÈDITS DE LLIURE OPCIÓ (Universitat de València)

IMPORT DE LA MATRÍCULA
a) Estudiants de la Universitat de València (amb 2 crèdits): 30€
b) Públic en general: 10€
c) Socis d'ACPV: 5€

Per poder assistir al cicle s'ha de reomplir i enviar el formulari que apareix dessota a més de fer el pagament corresponent, amb data límit 22 de febrer, a l'entitat bancària Caixa Catalunya nº de compte 2013/0430/83/0200308768. Al rebut bancari heu d'escriure en l'apartat concepte "Congrés Dramatúrgia" i en nom del beneficiari Fundació Ramon Muntaner.

Important: Els rebuts els heu de fer arribar a l'OCCC, C/ Sant Ferran, 12. 46001 València a l'atenció de Sumsi Palau. O bé enviar-los a l'e-mail: spalau@octubre.cat o al fax 96 315 51 65.

Per als alumnes de la Universitat de valència la matrícula inclou els drets d'inscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània. L'assistència al curs és convalidable per dos crèdits de lliure configuració (el preu inclou les taxes de tramitació).

Per al públic en general la matrícula inclou els drets d'nscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània.

AGRAïMENTS
Goethe Institut de Barcelona
Consulat de Suïssa a Barcelona
Institut Français de València.

Les obres curtes han estat traduïdes per Olga Celda (Anglès), Mónica Fernández Arizmendi (Alemany), Maria Bayarri i Pau Marqués (Italià), Enric Martínez Català (Francès), Evelio Miñano (Francès), Manuel Molins (Anglès, Francès i Castellà) i Domingo Pujante (Francès).

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA. Daniel Fermani

2010-02-06T21:37:00.000+01:00

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA

Por Daniel Fermani

En un instante es posible saber lo que sucede en las antípodas del mundo o puede enviarse un mensaje que llegará pocos segundos después a cualquier lugar del planeta, o también se puede localizar a una persona en donde se encuentre, a través del teléfono celular. El sistema consumista nos ha convencido de que vivimos en la “era de las comunicaciones”. Este axioma implicaría tácita y no tan tácitamente que nunca estaremos solos, que el silencio puede ser nada más que una elección, que podemos estar junto a todos nuestros seres queridos solamente apretando algunos botones. Y en un cierto sentido todo esto es cierto (de la superación de la soledad a la felicidad debería haber sólo un paso, por lo tanto sáquense las debidas conclusiones acerca del poder de las herramientas con que el mercado maneja nuestras convicciones). Lo que no revela el sistema deshumanizante en el cual vivimos, es que toda esta tecnología no nos está comunicando verdaderamente, sino que nos está aislando ulteriormente, convirtiendo al hombre en un ser que habla sólo por máquinas y a través de máquinas. El ser humano ya no necesita la presencia física de otro ser humano para intercambiar información, para trabajar o para expresar lo que siente. El abrazo, el beso, la cercanía física, el roce entre dos cuerpos que se comunican también a través de su proximidad, van perdiendo vigencia en nuestra sociedad a tal punto que llegará un día en que todos éstos serán gestos que provoquen desconfianza, y de allí pasarán a ser de mal gusto e incluso inmorales. Este sistema cómodo e impersonal impuesto por la tecnología producirá paulatinamente una repugnancia hacia la verdadera comunicación, la comunicación que requiere la presencia en cuerpo y alma de dos o más personas, en un tiempo y espacio determinados. Porque esta tecnología de la comunicación ha roto también el paradigma del tiempo, y un mensaje escrito la semana pasada puede llegar hoy a nuestro teléfono celular, con su contenido actualizado por este error del sistema, y por lo tanto influirá en el instante de su arribo sobre nuestra existencia con un retraso que se actualiza casi mecánicamente. Y viceversa, la velocidad de llegada de nuestros mensajes tecnológicos (pretendidamente humanos) hace que cuerpo, mente y espíritu se debatan en la vorágine de una fuerza centrípeta en la que ya no pueden mantenerse unidos sino a costa de esfuerzos enormes y de “carreras contra el tiempo”. Porque el tiempo tradicional también ha sido manipulado por la tecnología de la “era de las comunicaciones”, a tal punto que no sólo podemos resolver numerosos compromisos sociales y laborales a través de Internet y del celular, sino también que el trabajo que antes precisaba horas para ser llevado a cabo, ahora requerirá minutos, por lo tanto la explotación del hombre se ve inmensamente favorecida por esta mencionada tecnología.
¿Pero qué tiene que ver esto con el teatro?
El hombre actual se aleja cada vez más de cualquier tipo de comunicación que implique la presencia física -al menos de la verdadera comunicación, la que significa intercambio de ideas, discusión y debate generadores de reflexión y pensamiento- y por lo tanto un hecho artístico que lo obligue a una interacción con y entre personas de carne y hueso, le causará cada vez mayor repugnancia. El teatro vuelve la presencia física de espectador y actor un hecho obligatorio, y se trata de una presencia no sólo física, sino de una actitud, predisposición y desnudez espirituales que llevan a ambos protagonistas del hecho teatral antes que nada a un compromiso humano. El espectador teatral baja las defensas, deja de lado su desconfianza y sus prejuicios, para dejarse atravesar por alguien que está cabalgando sobre defensas, desconfianza y prejuicios: el actor. Y ese compromiso mutuo cuesta cada vez más. Es un esfuerzo que de tan humano empieza a resultar inhumano. Y de tan inhumano se vuelve ciclópeo para el hombre común, que habla con Japón dos veces por día, escribe a amigos de todo el país en su celular, y chatea con los europeos cada vez que puede o “tiene tiempo”. Pero ninguna de estas actividades “comunicativas” le requiere lo que una obra de teatro: poner su cuerpo en una butaca, abrir su mente y disponer su espíritu para que sean penetrados por el arte vivo, ése que encarnan otras personas de carne y hueso arriba del escenario.
Se vive un mundo en el cual la cercanía física de las personas no implica comunicación, ni mucho menos intercambio, solidaridad o tolerancia, y a su vez la comunicación prescinde cada vez más de la cercanía física. Paradójicamente pareciera que el ser humano –humano quiere decir miembro partícipe de una comunidad que construye y sostiene su andamiaje cultural- se dirige hacia el aislamiento absoluto. Un aislamiento lleno de palabras, palabras que salen de pantallas y auriculares.
¿Podría esta explicación dar razón de la ausencia de espectadores en el teatro, de la reticencia a presenciar obras de contenido, de la demolición imparable de los lugares de teatro en nuestras comunidades, de la amnesia gubernamental acerca de todo lo referido al arte teatral?(1) Tal vez no, tal vez se trata de una especulación demasiado forzada, y los problemas del teatro actual se deban sencillamente a su natural decadencia como forma artística, y a la forzosa difusión y profundización de la ignorancia en la población, que ya no entiende ni se interesa por este tipo de manifestación del arte.
Sin embargo, la fuerza que mueve al teatro es intrínseca y sigue generando material, como un agujero blanco que tuviese la forma de un escenario y dejara escapar actores, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores, tramoyistas. La cuestión es qué hacer con esta energía y con esta pequeña comunidad de exiliados en un mundo que hace arcadas frente al arte vivo.
Si como afirmaba Hamlet, el teatro es capaz de hacer confesar al criminal su crimen, deberíamos obligar a toda la población a asistir a las representaciones teatrales para individualizar en ellas a los asesinos ocultos del teatro. No es casual que políticos, demagogos, cómplices y sicarios del sistema nunca asistan al teatro.
Pero el anatema sigue incólume, y podemos observar fenómenos sorprendentes, como lo son el brote y la difusión exitosa de manifestaciones populares como el teatro comunitario, sin que este hecho influya, renueve ni impulse en absoluto la actividad teatral tradicional y su incidencia en la sociedad. Probablemente la cuestión es resultado de una intrincada red de factores que tienen en lo político y lo económico su base, en lo tecnológico su estructura, en lo cultural su motivación y en lo social su justificación. Probablemente las razones de la existencia del teatro, ésas que siguen contaminando a muchas personas para llevarlas a trabajar toda su vida en este arte, hayan quedado aplastadas para el resto de la sociedad a causa de algunos de estos factores o de una combinación letal de todos ellos. La negación de la importancia del teatro para el mantenimiento de la salud social, y la banalización permanente de este arte, considerado suntuario y de entretenimiento desde muchos ámbitos, no sólo el oficial, se explica a la luz de una sociedad incapaz de decodificar, de construir significados nuevos, de imaginar, de crear y por lo tanto de rebelarse.
Ya no podemos decir que nuestra sociedad “sufre” tal o cual mal, sino que debemos acostumbrarnos a decir que nuestra sociedad “es” de este modo, lo cual ya sería un síntoma de madurez que nos ayudaría a aceptar más sinceramente nuestro tiempo y nuestras características. Sobre esta base deberemos entonces preguntarnos si es lícito insistir en preservar valores y gustos procedentes de un pasado ya remoto, o si será necesario idear nuevos caminos, nuevos modos de expresión que condigan armoniosamente con la sociedad en que vivimos. Pero si acabamos de decir que somos incapaces de crear, construir e imaginar, entonces nos encontramos en un callejón sin salida que nos conducirá única e inevitablemente hacia los modelos, vendidos por buenos, de la televisión y los medios de comunicación masiva. La sorprendente tozudez de los artistas teatrales en su empeño por seguir remando contra una corriente que ya no es corriente sino la marea que mueve los océanos, puede ser solamente un síntoma de enfermedad, un gen recesivo que trae a la superficie una tara ya masivamente superada en el resto de la humanidad.
El teatro posiblemente sea entonces uno de estos genes recesivos, el más recesivo y el más urticante de todos, porque sigue discutiendo en carne y hueso con personas de carne y hueso, mientras que el resto de las disciplinas artísticas tienen la ventaja de soportar insultos y alabanzas en silencio, sin la disgustosa presencia del artista. Habría que intentar la supresión total de este tipo de manifestaciones teatrales y de quienes las realizan, para comprobar sus efectos en la sociedad a corto, mediano y largo plazo. Un mundo sin teatro ni teatristas no es un imposible, ya fue intentado por algunos regímenes totalitarios, y como es evidente la humanidad ha seguido en pie. Si la salud de nuestra sociedad se mide por el grado de productividad, pero sobre todo de consumismo, como demuestran diariamente los índices oficiales de gastos y consumo de la población, sería muy recomendable dar este golpe y perpetrar de una vez esta eliminación, que sin duda va a generar un saludable aumento del citado consumismo. Obligar a un normal ciudadano a presenciar la actuación de otra persona viva, de carne y hueso, en un momento y un lugar –un aquí y un ahora- puede ser una tortura inútil como aquélla a la que fue sometido el protagonista de “La naranja mecánica”, y sus resultados, como en el caso de esa célebre novela, distarán mucho de ser los esperados. Mantener los ojos abiertos con pinzas para obligar a ver lo que debiera o no debiera ser, no funciona. El orden del mundo también es una construcción derivada de un pensamiento, y es hora de reconocer que nuestro mundo actual no es la construcción que tenían los griegos del S. V a C., ni los ingleses que propulsaban el teatro en la época Isabelina.
Por lo tanto, ¿existe un modo de adecuar el teatro a este mundo y a esta época, o seguiremos insistiendo en un arte que parece perimido en esta estructura socio-político-económico-cultural? Naturalmente, la respuesta de todos los que aman el teatro (que no deben llenar una provincia argentina los verdaderamente enamorados, en este amplio y vasto mundo) sería que se debe seguir adelante contra viento y marea. Es una respuesta más estúpida que suicida, si bien algunos podrían aducir que adecuar el teatro a estos tiempos es tan sacrílego como dejar de hacer teatro.
Quién sabe si la experimentación teatral pueda ser un camino, si pueda brindar una opción de supervivencia legítima al arte teatral ante la “era de las comunicaciones”, o si muy por el contrario, esta experimentación y sus muy discutidos resultados no hacen más que complejizar el problema, colocando el arte teatral en un plano de incomprensibilidad que lo enrarece y lo vuelve aún más repugnante al hombre tecno-consumista.

(1) Hablamos naturalmente de teatro underground, independiente, el teatro de búsqueda y de contenido, incluso en el género llamado cómico. No hay tanto olvido oficial en el momento de ofrecer salas y cachet a las compañías comerciales o a las “estrellas” salidas de los escenarios televisivos.

(Tomado de LA VORÁGINE Revista Independiente de TEATRO. Nº 23. Noviembre 2009)

GUERRA Y TEATRO

2010-01-31T13:53:00.005+01:00

VIERNES 19 DE FEBRERO DE 2010
19'30 h.
OCTUBRE CENTRE DE CULTURA CONTEMPORÁNEA.

"Quan el teatre podia ser una arma política (1936-1939)"
Conferència a càrrec de Francesc Foguet.

FRANCESC FOGUET (Linyola, Pla d'Urgell, 1971) és professor de literatura catalana de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat Autònoma de Barcelona, doctor en Filologia Catalana per aquesta universitat i diplomat en Teoria i Crítica del Teatre per l'Institut del Teatre i en El Segle XX a Debat per la Universitat de Barcelona. És coordinador també del Grup de Recerca en Arts Escèniques de la UAB. Pertany al Centre d'Estudis sobre les Èpoques Franquista i Democràtica (CEFID-UAB). Foguet és especialista en teatre català modern i contemporani, ha publicat diversos llibres sobre el període de la guerra i la revolució de 1936-1939. Ha format part del consell de redacció d'El Pou de Lletres i El Contemporani, i ha escrit diversos articles sobre història del teatre català a Serra d’Or, Revista de Catalunya, Els Marges, L'Avenç, Assaig de Teatre, Catalan Review i Pausa, entre d'altres. Actualment, exerceix de crític teatral al Quadern del diari El País.

La conferència anirà seguida de la representació de la peça teatral Un vol de coloms, a les 20.30h.

Un vol de coloms
Peça breu d'agitprop de Manuel Molins.

Intèrprets: Rosana Pastor, Pilar Martínez, Vicent Genovés, Pasqual Rodrigo i Vicent Grande.
Direcció: Manuel Molins

Sinopsi: Barcelona, abril de 1937. Un mes abans de l'esclat de la "revolució" que George Orwell va narrar en Homenatge a Catalunya. Natàlia, la Colometa, es passeja per la Plaça de Sant Jaume intentant vendre els darrers coloms que li queden per a sobreviure. Es troba amb la seua amiga Teresa Goday, vídua de Rovira i de Valldaura, que amb el seu amant, va al teatre Romea. Quan es queda sola, se li acosta un quintacolumnista contrari a la República. Colometa es defensa com pot i és ajudada per un foraster, Orwell, que ha vingut a Barcelona amb l'esperança d'assistir al triomf d'una autèntica revolució obrera.

Aquesta activitat forma part del seguit d'activitats paral·leles a l'exposició La Derrota, que es desenvolupen al llarg del mes de febrer.

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (en Sporting Club)

2010-01-28T21:10:00.002+01:00

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (historias de un educador perdido en unos servicios sociales entre Extremadura y Alaska) es un espectáculo que pone en escena el blog del mismo título:
http://eleducadorsocialenalaska.blogspot.com, de gran éxito en Internet.
El blog cuenta el día a día de Quique, un educador social, a partir de una herramienta esencial de su oficio: la entrevista.
En la elaboración del espectáculo los internautas pudieron escoger algunos de los /post/ que aparecen en la obra.
Educador social en Alaska es un espectáculo sin límites espaciales, directo, donde se toca, se saborea y se escucha.

Dirigido por Nuria Inglada y Rafa Sánchez e interpretado por Rafa Sánchez.

Sábado 30 y domingo 31 de enero
20'00 h.
Sporting Club Russafa.

Precio: 6€

LECTURA DRAMATIZADA: "Les habitacions tancades" de Samuel Sebastian

2010-01-24T20:12:00.004+01:00

Dissabte 6 de febrer de 2010, 19'00 h.
a l'Octubre Centre de Cultura Contemporània

Interpretada per Maribel Bravo i Ángel Figols
Dirigida per Isabel Caballero

L'argumen de l'obra gira al voltant d'un pare que abusa sexualment de la seva filla de catorze anys i descriu el moment en el qual ella es rebel·la.
La història está escrita en temps real, entre el moment en el qual el pare acaba d'abusar de la seva filla i fins el moment de dinar de diumenge.

Más de 20 artistas reflexionan sobre el maltrato en una producción escénica colaborativa

2010-01-18T21:29:00.002+01:00

Más de 20 artistas, entre actrices, fotógrafos, pintores, dibujantes y poetas coordinados por la directora y dramaturga valenciana Sefa Bernet han colaborado en una producción escénica independiente contra la violencia de género y el patriarcado que llega a Valencia este sábado y domingo en el marco del Sporting Club de Russafa (Calle Sevilla-Valencia) a las 20:00. Tras la representación, el sábado, se abrirá una charla-coloquio con el público asistente sobre Arte, poesía y patriarcado.

Bajo el título-acertijo ‘(una nada asombrosa pero) EXACTA PALABRA (que te nombra)’ – verso extraído de un poema de Matías Escalera -, el guión está formado a partir de una quincena de poemas de autores y autoras españolas y latinoamericanas, entre los que se encuentran la ganadora del Premio Nacional de Poesía de Tijuana, Claudia Berrueto, Germán Machado, Matías Escalera o la poeta gallega y croata, Déborah Vukusik.

Las poetas han cedido generosamente sus textos. El montaje representa la escala piramidal de violencia desde el maltrato invisible y asumido por la sociedad del consumo hasta la violencia contra la mujer auspiciada y tolerada por Gobiernos y leyes. Una idea que ha servido como base de reflexión para que 4 artistas visuales valencianos desarrollen una propuesta creativa en forma de pinturas, fotografías, fotopoemas y poemas visuales, cuyas obras además formarán parte de una exposición itinerante.

Se trata de Román PC (poeta y fotógrafo), Mario Borrás (pintor), Jenni Arnau (fotopoeta) y Eddie (J.Bermúdez), poeta visual. Además el vestuario ha sido diseñado, también de forma altruista por miembros del Cómic Sketch Group de El Dorado-Espacio MAE. Las actrices son la sevillana Lola Escudero (Leda) y la valenciana Alicia Martínez. La banda sonora es el tema Plegarias a la Venus del gran Poder de Miguel Ángel García Argüez.

Este montaje de Arte Colaborativo y de concienciación social es una producción independiente en colaboración con la Asociación Poética Caudal. También ha participado la asociación Cien Escritores contra el Maltrato, de Gijón, con un montaje audiovisual sobre la violencia sexista y la publicidad.

Para más información, pincha aquí.

Sniff!! Otro teatro que cierra en Valencia.

2010-01-07T20:26:00.003+01:00

Queridos amig@s de EL TEATRO DE CAMPANAR, por fin algunas noticias….

Para empezar, comunicaros que nuestro teatro tal y como lo conocemos, ubicado en el barrio de Campanar, cierra sus puertas definitivamente. Después de los acontecimientos del pasado mes de octubre, tras consultar con un abogado, tras reuniones con compañeros del gremio, y con políticos, etc. hemos decidido cerrar un teatro y con ello una etapa y una situación. Tal vez no nos concierna sólo a nosotros explicar al gran público la situación de la cultura valenciana y en especial del teatro independiente, que vive casi del aire y se sostiene con alambres… ¡siempre todo nos queda muy interesante y apañado a pesar de vientos y mareas! Esta ciudad todavía tiene pendiente una lucha por su cultura independiente, pero estamos andando el camino, aunque sea difícil aunar energías y opiniones al respecto entre nosotros mismos, aunque se generen tensiones y contradictorios intereses… pero estamos andando el camino… o al menos creemos, desde el teatro de Campanar que se ha comenzado a dar algún empujón un poco más efectivo… (aunque eso es sólo una esperanza).

Nosotros cerramos este espacio, pero no desaparecemos. Recibiréis noticias nuestras, nos oiréis la voz, os llegará nuestro eco, pues todo esto no ha hecho más que fortalecer nuestra pasión por el teatro, acrecentar nuestra necesidad vital de crear más y más, y consolidar nuestro lugar en la lucha por una cultura libre, y no acomodada, ni por el tiempo ni por el dinero.

De momento sólo podemos ofrecer nuestro último mes de programación en Campanar, al más puro espíritu de nuestra compañía, representativo de nosotros y de nuestra manera de entender el teatro y las artes escénicas…

ENTRADA GRATUITA
Del 8 al 24 de Enero
Viernes y Sábados a las 21h.
Domingos a las 19h
parPARIAdos

Parpariados (el encierro de la conciencia) adaptación de la obra “Pariah”

La obra propone inmiscuirse en la conciencia de un personaje cuya única misión existencial parece ser el autoconvencimiento acerca del proceder del ser humano ante sus actos. Como un vestigio arqueológico los actos cometidos en otro tiempo se presentan en forma de conciencia desdoblada; en forma de un espacio enjaulado donde los objetos testimonian la ambigüedad de lo que es realidad o ficción. Adaptación de PARIA de AUGUST STRINDBERG Cía.: La Línea Continua Dirección e interpretación: Jorge Affranchino Escenografía: Taller L’Alambre Vestuario: Sälem Jeru Iluminación: Julián Affranchino Maquillaje: Tonín

Sábado 30 y Domingo 31 a las 19h
Entrada 6€
ELMA SAMBEAT CUARTETO
Presentando su nuevo espectáculo de folclore y jazz en directo.
Concierto basado en el nuevo disco de Elma Sambeat con arreglos de Alberto Palau.
Entre el jazz y el folclore latinoamericano, brasileño, portugués y español. Este repertorio se basa fundamentalmente en el folclore en español y portugués, donde los ritmos cobran especial relevancia y los orígenes se respetan y se ensalzan. Todo ello se plantea como un ejercicio de libertad creativa donde el lenguaje más cercano al jazz ofrece las infinitas posibilidades. Los diversos folclores son una fuente ilimitada de canciones con fuerza y profundidad. Elma Sambeat, voz Alberto Palau, piano Alessandro Cesarini, contrabajo Miquel Asensio, batería

Domingo 31 después del concierto nos despedimos oficialmente de EL TEATRO DE CAMPANAR

PARA INFORMACIÓN Y RESERVAS:

ELMA SAMBEAT y JORGE AFFRANCHINO
La línea continua Compañía de Teatro

EL TEATRO DE CAMPANAR
C/ Mosen Rausell 34
46015 Valencia
Telf: 635 15 47 55

e-mail: catarastrofeatro@elteatrodecampanar.com

http://www.myspace.com/elteatrodecampanar

http://www.myspace.com/elmasambeat

…y con esto no nos queda más que decir un HASTA SIEMPRE… y agradecer vuestra presencia a lo largo de los tiempos…

MUCHAS GRACIAS
JORGE AFFRANCHINO
actor y director de la compañía de teatro LA LÍNEA CONTINUA
Codirector del Espacio Teatral Independiente EL TEATRO DE CAMPANAR
ELMA SAMBEAT
cantante y actriz
Codirectora del Espacio Teatral Independiente EL TEATRO DE CAMPANAR

TIERRA DE NADIE: Dries Verhoeven prepara un montaje teatral con refugiados políticos en Valencia

2010-01-04T11:50:00.004+01:00

En el próximo Festival València Oberta (VEO), que se celebrará del 10 al 21 de febrero, el dramaturgo y director holandés Dries Verhoeven estrenará su espectáculo "Tierra de nadie (No man's land)". Para llevar a cabo dicho espectáculo ha iniciado un trabajo con un grupo de refugiados políticos que viven en Valencia, Amsterdan y Berlín.

La Embajada del Reino de los Países Bajos (Holanda) en España, el Centro de Acogida a Refugiados (CAR) de Mislata, Amnistía Internacional y la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR) han prestado su apoyo a la presentación de esta obra.

La programación de 'Tierra de nadie' ofrece al público de Valencia y a programadores españoles e internacionales la oportunidad de ver a uno de los más reconocidos directores holandeses jóvenes, especializado en el teatro de la experiencia in situ, quien además acaba de recibir el premio Montblanc al Mejor Director Joven del Festival de Salzburgo.

El Centro de Ayuda al Refugiado (CAR) de Mislata, Amnistía Internacional y la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR), están colaborando con el Festival VEO en diferentes aspectos de esta producción, como la selección de los refugiados de Valencia, la cesión de instalaciones para los procesos de ensayos, o el asesoramiento en aspectos jurídicos.

El teatro de la experiencia está viviendo una época muy intensa en los Países Bajos. Entre los directores holandeses de esta nueva eclosión del género, Verhoeven es el menos indulgente y el más comprometido. En 'Tierra de nadie', el autor invita al espectador a caminar por la calle en pos de un guía personal que no es un actor o actriz profesional, ni siquiera un aficionado, sino un refugiado político.

"En mi profesión disfruto de la intersección entre el teatro y el mundo exterior; del hecho de que un espectáculo no sea una copia del mundo, sino una ventana a través de la cual puedas literalmente mirar a la realidad en toda su imprevisibilidad", subraya el dramaturgo holandés.

El montaje incita al espectador a formularse cuestiones críticas que inciden en su responsabilidad individual al respecto de cuestiones como si realmente quiere llegar a conocer a sus vecinos, qué curiosidad le despierta la vida de los otros y si es tan hospitalario como piensa.

En su próximo montaje (aún sin título), Dries Verhoeven reflexiona sobre los vínculos que se establecen con las personas que dependen económicamente de nosotros, de cómo lugares tan distantes geográficamente irrumpen en nuestra conciencia.
(extractado de Europa Press)

FELICITACIONES DE MANANTIALES

2010-01-03T21:15:00.001+01:00

En primer lugar queremos daros las gracias a todos por vuestras innumerables muestras de apoyo y solidaridad. En las últimas semanas, un centenar de personas entraban a cada función, y muchas otras se quedaban en la calle sin entrada. Esto nos reafirma en el trabajo realizado. Hoy, día 1 de Enero y con el alma un poco más serena, queremos felicitaros el nuevo año que comienza.

Por fortuna, las administraciones públicas, nos han ingresado una parte de lo adeudado del 2009, que nos permite respirar al menos durante un breve periodo de tiempo. Y poder reflexionar y trabajar de forma calmada.

Desconocemos las intenciones de Teatres de la Generalitat para el 2010, con respecto a manantiales. En nuestro caso, la idea es la de dignificar, de una vez por todas, la creación escénica contemporánea. Nos parecen tan legítimos los trabajos de los creadores escénicos que representan sus obras en manantiales, como los que programa el Teatro Principal. Cada vez, hay más gente en el mundo, que prefiere “El año de Ricardo” de Angélica Lidell, que “El baúl de Concha Piquer” que pronto programará el Principal. NO ACEPTAREMOS LA MARGINALIDAD.

El ente público valenciano tiene una responsabilidad con respecto a la creación escénica contemporánea como recoge la ley.

Ley 7/2007, de 9 de febrero, de la Generalitat , de Ordenación del Teatro y de la Danza en el siguiente párrafo:

Artículo 5. Atención a otras disciplinas

1. Sin perjuicio de lo dispuesto en el artículo anterior, el ente público Teatres de La Generalitat también prestará atención, directa o indirectamente, al fomento de las artes multidisciplinares, concebidas éstas desde una óptica contemporánea con objeto de atender a los nuevos lenguajes escénicos teatrales o coreográficos, resultado de la investigación en materias audiovisuales, nuevas tecnologías, música, artes plásticas, artes circenses, etc., y que, según su carácter pluridisciplinar, no pertenecen propiamente ni al teatro ni a la danza.

Desearíamos llegar a un acuerdo con Teatres de la Generalitat en breve. De no ser así, NO podremos reiniciar la actividad de programación en la sala. Vamos a intentarlo. Con vuestro apoyo seguro que lo conseguimos.

PROGRAMACIÓN DE ENERO (CARME TEATRE)

2010-01-02T14:47:00.002+01:00

7 al 17 enero

jueves a domingo 20.30h

RESET y castañuela de Anna Albaladejo

CIA. LA IMPOSIBLE (Valencia)

Intérpretes Carol Linuesa, David Durán, Maribel Bravo, Luis Romaguera y Anna Albaladejo

Dirección Anna Albaladejo y David Durán

Año 2008: en un programa de la tele habla un hombre de 90 años. Estuvo en el frente de Aragón de joven, muy joven. Ganó la guerra y la ha olvidado (¡qué suerte!). Hace poco empezó a notar una molestia en un hombro: dolor, algo duro… un bulto que fue creciendo hasta quemar. En la ambulancia el hombre gritaba. Los médicos abrieron, hurgaron, extirparon: un trozo de metralla. Una bala perdida, tan perdida que ni el hombre recordaba que vivía bajo su piel. Eso es aquí, hoy: el país del reset y la castañuela.

21-22-23-24 enero 20.30h
NO SÓLO (DE NEURONAS VIVE EL CEREBRO ENAMORADO)

CIA. ERRE QUE ERRE (Barcelona)

Creación e interpretación Mª Ángeles G. Angulo y Mario G. Sáez

Música David Crespo

Dos personas con el mismo pulso, una respiración única. Un nuevo encuentro después de muchos encuentros. Buscando los lugares no comunes de la idea de amor, un análisis científico y analítico de los procesos de enamorarse y continuar junto a alguien una vez que la química ha dejado de cumplir su función. Una especie de poética científica que genera imágenes y transmite emociones a través de cuerpos en movimiento y sus relaciones.

Compañía galardonada con el Premio Max de danza 2008

CARME TEATRE
gutenberg 12. 46003 VLC
tlf. 963924271
www.carmeteatre.com

DESVARIACIONES GOLDBERG de David Fernández

2010-01-01T20:12:00.002+01:00

Gran premiere el 6 de febrero en el Centro Párraga! (Murcia)
Desvariaciones Goldberg

Texto, dramaturgia, puesta en escena y dirección: david fernández
Figurines: Rossy de palma
Producido por Julien Alair

Conde Keyserlingk: Rossy de Palma
Goldberg: david fernández
Criado: Michael Fernández
Jefe técnico: Michael Fernández
Música: Variaciones Goldberg de J.S.Bach
Fotografía: Jerónimo Álvarez
Agradecimientos: A Carole Cervera Press, a mi madre por dejarme su garaje para ensayar y a Angélica Liddell por ayudarme a bajar el clave desde un 5º sin ascensor.

El Conde Keyserlingk ha muerto, deja a Goldberg - su clavecinista particular (y esclavo sexual) - huérfano de patrono y del único oyente que tenía. Las relaciones entre arte y poder siempre han sido escabrosas. Se cuenta que Juan Sebastián Bach compuso las conocidas “variaciones Goldberg” para animar las interminables noches de insomnio del Conde Keyserlingk y que Goldberg se las interpretaba al clave durante la noche (borrado por el autor). Muy probablemente esta historia es falsa, pero es bonita. Como todo lo que tiene lugar en un teatro.

El propio autor interpreta a Goldberg y Rossy de Palma al Conde Keyserlingk. Juntos se enfrentarán a 30 variaciones sobre un mismo tema (la relación entre el arte y el poder), en una obra en la que ficción y realidad son dos caras de la misma moneda.

FESTA-PRESENTACIÓ-TROBADA AMB EL PÚBLIC DE LA FETI

2009-12-18T20:14:00.001+01:00

DILLUNS 21 DE DESEMBRE, 20,30 H

AL CAFÉ MERCEDES, CARRER SUECA, 27 (RUSSAFA)

FESTA-PRESENTACIÓ-TROBADA AMB EL PÚBLIC DE LA FETI

La Federació d'Espais Teatrals Independents de València presenta la programació de les seues sales i el nou número de la revista “Nus”

"EL ALMA SE SERENA" de Hongaresa Teatre

2009-12-09T20:45:00.002+01:00

(tomado de LEVANTE-EMV VALENCIA)

Fiel a su espíritu crítico e irónico, pero también constructivo y reflexivo, Hongaresa Teatre, la compañía que dirige el dramaturgo y actor Paco Zarzoso, ha creado ahora una especie de sainete sobre la realidad valenciana.
El espectáculo, que se estrena este viernes en Sagunt y a partir del 17 de diciembre se representará en la sala Manantiales de Valencia, lleva por título El alma se serena y ha sido escrito por Zarzoso y Luïsa Cunillé. Bajo la dirección del mismo Zarzoso, cuenta en el reparto con Lola López, Pep Ricart y la actriz Anna Cediel.
El título del espectáculo está inspirado en una locución que se hacía en Televisión Española en los años sesenta para cerrar la emisión diaria. Después del último programa, una voz grave afirmaba "el alma se serena", para después comenzar con la emisión de música clásica.
Para la compañía, el espectáculo es "una tragicomedia fallera que se sitúa en la Valencia actual y cuyos protagonistas son una azafata con vértigo, un ejecutivo en paro y una relojera cabaretera. Son los últimos habitantes de una finca a punto de ser derruida y que intentan salvar de la especulación inmobiliaria entre ruidos de grúas, tracas y motores de Fórmula 1".
Así, en el transcurso de la comedia, y a medida que la situación es más desesperada, estos tres náufragos "irán mostrando sus secretos y estrategias para resistir contra las políticas de una ciudad que definitivamente ha dado la espalda a sus ciudadanos".
El alma se serena se trata del decimoctavo espectáculo de esta compañía que desde sus orígenes, ha trabajado en tragicomedias sobre la tristeza y el desasosiego y explota este género híbrido que le ha dado un sello inconfundible. En este caso, la comedia sobre la tristeza es una estrategia para hablar de la condición humana en clave de humor.

WORK 1. Clara Barberá en l'Auditori de Torrent

2009-12-08T12:18:00.004+01:00

WORK 1. Una galería de propuestas: Danza Contemporánea Británica

WORK 1 parte de la esperanza de ser el primero de una serie de intercambios internacionales, con el fin de potenciar la universalidad de la danza y un acercamiento entre culturas.
Nació de una inquietud personal que fue surgiendo a medida que me sumergía en el mundo de la danza contemporánea durante mis primeros años en Rambert Dance Company. Recién salida del English National Ballet y con una visión relativamente limitada sobre la danza, entré en un mundo de posibilidades que despertaron en mí sensaciones totalmente nuevas e inexploradas.
A medida que mi carrera como bailarina contemporánea y coreógrafa avanzaba, los artistas con los que he tenido la oportunidad de trabajar en el camino, no solo eran una fuente constante de inspiración sino también un apoyo a nivel tanto profesional como personal, cosa que, estando en el “exilio”, tuvo un increíble impacto sobre mí, no sólo como persona si no también como artista.
El 22 de mayo de 2009 fue mi ultima actuación con el Rambert Dance Company. Desde entonces y hasta la fecha me he dedicado, entre otros proyectos profesionales, a dar forma a WORK 1 con la idea de juntar en una noche a aquellos artistas cuyo talento y pasión por esta forma de arte me han alimentado y continúan haciéndolo hoy en día.
Considero pues, que WORK 1 es una oportunidad única para nuestros espectadores de adentrarse en el mundo de la danza contemporánea británica y en especial de conocer a estos jóvenes artistas que, como yo, intentan comunicar sus inquietudes a través del lenguaje del movimiento con un vocabulario honesto, integro y enérgico.
CLARA BARBERÁ.

COREOGRAFOS:
1. RAFAEL BONACHELA ( bailarina: AMY HOLLINGSWORTH)
2. ALEX WHITLEY
3. PATRICIA OKENWA
4. RENAUD WISER
5. ANTHONY MISSEN / KEVIN TURNER
6. GEMMA NIXON / JONATHAN GODDARD
7. CLARA BARBERA

L'AUDITORI DE TORRENT
Miércoles 30 de diciembre de 2009 - 20.30 h
precio 15 € (en la taquilla del teatro o Servientrada)

BORRÓN#8 (en Carme Teatre)

2009-12-06T14:03:00.003+01:00

Borrón#8 consiste en la construcción de una pieza de danza que tiene como base los requerimientos de una orden de ayudas o subvención. Argumentando la no existencia de un espectáculo con el que justificar el dinero recibido y la necesidad del mismo, los miembros de la compañía construyen en escena, con la cooperación de los espectadores, que acaban siendo documentalmente los propios autores, todos los documentos de una obra que previamente no existía. Una de-construcción de lo que un espectáculo significa en cuanto a documentación se refiere, la construcción de lo que un espectáculo significa para la institución.

CIA.LOSQUEQUEDAN (Valencia)
Una propuesta creada por Vicente Arlandis y Sandra Gómez con la colaboración de Marc Martinez, Samuel Domingo, Cristina Maestre y Joan Mei.
Intérpretes y dirección Vicente Arlandis, Sandra Gómez.
Iluminación, Vídeo, Fotografía y Sonido Ximo Rojo

Del 17 al 20 de diciembre. 20'30 h.
CARME TEATRE
Gutemberg, 12
Valencia 46003

KARL CABARET. Muestra del Proyecto Teatral Europeo "Escena Erasmus"

2009-12-03T22:56:00.002+01:00

El Festival VEO ya tiene cartel.

2009-11-28T18:09:00.003+01:00

La propuesta elegida para el diseño de la imagen de VEO 2010, desarrollada de nuevo por el estudio de diseño Backspin, enfatiza el concepto sobre el que bascula esta edición, representación: realidad-ficción. Un mosaico de ojos de cristal conforma el cartel del festival València Escena Oberta. “El elemento escogido es un objeto real pero ficticio al mismo tiempo (es un ojo, pero no ve), resulta visualmente impactante, permite la adaptación a distintos soportes y nos ha dado juego por la similitud con la marca del festival”, justifican desde Backspin

(una nada asombrosa, pero) EXACTA PALABRA (que te nombra)

2009-11-21T17:45:00.003+01:00

SÁBADO 21 DE NOVIEMBRE a las 23:00

en
El Dorado-Espacio MAE
(C/ Alzira, 25- Valencia. ).
Entrada: 3 euros.

Happening del Montaje Poético-Teatral de Arte Colaborativo
'(una nada asombrosa pero) EXACTA PALABRA (que te nombra)'.
Una producción independiente en colaboración con la Asociación Poética Caudal.
Dirección: Sefa Bernet.
Actrices: Lola Escudero (Leda) y Alicia Es. Mar

SINOPSIS

“(una nada asombrosa, pero) EXACTA PALABRA (que te nombra) es una demostración matemática:

Hipótesis: dos seres originales, no contaminados culturalmente comienzan a recibir la información del sistema de valores que rige y perpetúa nuestra sociedad.

Estos seres, recién adiestrados, comienzan a funcionar en los roles sexuales hombre-mujer: en ellos viven los grados de microviolencia habituales y se encuentran con las contradicciones intrínsecas al sistema de valores.

Adentrándose en esos valores, se pone de manifiesto que en los mismos roles asumidos está implícita la violencia, pues en ellos uno es siempre es el dominador y el otro, el dominado.

Esa violencia puede ser maltrato cotidiano, pero también desembocar en muerte.

Muerte de la que tenemos constancia, un par de veces al mes, en este país... pero hay más países, con sus estadísticas propias. Sumando cifras se roza el escalofrío.

Pero más allá hay también países en los que la propia ley asume y acepta esa violencia: violencia institucionalizada. Porque la mujer es impura, porque la mujer es pecado... porque la mujer no es persona.

Y tras la desolación de la cadena de muertes, vividas virtualmente, teatralmente, esos dos hipotéticos seres, buscan las claves para el futuro.

Artistas colaboradores:
DISEÑO DE VESTUARIO
Diseño y dibujo. DanielTartaj Urgel. Traka;
Estampación. Lola Escudero (Leda);
Diseño y dibujo. Mario Borrás.
POETAS
Cristina Morano, Matías Escalera Cordero, Beatriz Viol, Claudia Berrueto, Buba Alarcón, Deborah Vukusic, Cristina Rivera Garza, Félix Menkar, Víktor Gómez, Mercedes Luna Fuentes, Alicia Martínez.
MONTAJE AUDIO-VISUAL
Material recopilado y cedido por Julio Obeso, Asociación Cien escritores contra el maltrato, Montaje y Producción. Alex Camuñez Pacheco, Red Lobo
FOTOGRAFÍA
Román Porras
FOTOPOEMAS
Jenni Arnau

PINTURA
Mario Borrás
MÚSICA
Miguel Ángel García Argüez. Tema: Plegaria a la Venus del Gran Poder del LP Arwez
POESÍA VISUAL
Eddie (J.Bermúdez)

Nuestro inmenso agradecimiento a todos ellos, y a todas las personas que nos han inspirado y ayudado (Angélica Liddell, Colectivo La Palabra Itinerante, Carmen Camacho, Miriam Reyes, Beatriz Ros, Uberto Stabile, Jesús Ge, Ester Cano, Radio Turia, Isaac Alonso, y un largo etcétera) sin los cuáles este montaje no podría haber sido posible.

2009-11-10T00:53:00.001+01:00

no entiendo cómo un actor puede quedarse intacto después de una función, no lo entiendo, no entiendo cómo pueden tomar cervezas en el bar, hablar del "espectáculo". esto no es un espéctáculo. no entiendo cómo lo hacen. no entiendo cómo pueden olvidarse de todo y ya está. no entiendo cómo pueden estar a gusto entre toda esa gente de teatro que hay en el bar del teatro, no lo entiendo, no lo entiendo. con toda una horda de garrapatas, trepas, y sanguijuelas. yo estoy deseando llegar a mi casa y quedarme en silencio. no sé. no lo entiendo.

para mí los actores siguen siendo un misterio

en fin, cosas mías

Angélica Liddell (de su blog Mi puta perrera)

"SI-C-à-moi" en Sporting Club Russafa

2009-11-09T21:29:00.003+01:00

El jueves 12 de noviembre de 2009 a las 20'30 h. en Sporting Club Russafa (C/ Sevilla, 5), la reposición de "SI-C-à-moi", coreografía de Raul Huaman.

SEMINARIO INTERNACIONAL SOBRE NUEVAS DRAMATURGIAS (Centro Párraga. Murcia)

2009-11-06T21:06:00.004+01:00

Podemos entender la práctica dramatúrgica como un ejercicio de interrogación y composición que tradicionalmente ha mediado la difícil relación entre escritura y acción física. El teatro fue el lugar donde institucionalmente tal práctica tuvo un mayor desarrollo. Sin embargo, en los últimos años ha proliferado la utilización del término no sólo en relación a la danza o el cine (dramaturgias del movimiento o de las imágenes), sino también en relación a otros ámbitos más alejados de lo teatral, como el espacio arquitectónico, el espacio urbano o el espacio social. Esta expansión conceptual ha sido paralela a la redefinición del término original en su relación con lo escénico. Por otra parte, la expansión de lo performatividad como modelo de organización social alternativo o complementario al de la teatralidad, y el desplazamiento de los medios de comunicación hacia lo inmaterial y lo virtual han contribuido igualmente a la transformación del concepto y de las prácticas dramatúrgicas. "Narración", "montaje", "construcción", "articulación", "agregación", "flujo", "tejido", "red" son procedimientos de composición dramatúrgica aplicables a una heterogeneidad de materiales sensibles o abstractos. No obstante, la escritura, en cuanto concepto y en cuanto práctica, sigue cumpliendo una función incuestionable en el ejercicio dramatúrgico. ¿Cómo se relaciona la escritura verbal con la acción corporal? ¿Cómo se aborda la traducción y la superposición de los códigos? ¿Cómo afrontar el enmascaramiento de lo escrito en lo verbal? ¿Cómo superar la condena a la clausura implícita en el concepto mismo de dramaturgia tanto en el espacio escénico como en el espacio social? Estas son algunas preguntas que funcionarán como estímulos para la discusión en unas jornadas durante las cuales se alternarán conferencias, diálogos, encuentros, presentaciones audiovisuales y escénicas, acciones y debates.

Destinatarios
Todos aquellos profesionales, creadores y estudiantes, vinculados o interesados por los ámbitos temáticos de la literatura, la creación escénica contemporánea, las artes visuales y la producción artística en general, así como profesionales y estudiantes de otros ámbitos (arquitectura, sociología, pedagogía, antropología) interesados por la aplicación de los conceptos escénicos a sus campos de trabajo.

La dirección del Seminario corre a cargo de José Antonio Sánchez, catedrático de la Universidad de Castilla-La Mancha, y reconocido investigador y teórico de las artes escénicas contemporáneas, en especial de la danza y las nuevas tendencias, a las que ha dedicado numerosas publicaciones, entre ellas: Dramaturgias de la Imagen (1994), La escena moderna (1999) y Prácticas de lo real en la escena contemporánea (2007). Actualmente dirige el grupo de investigación ARTEA al que está asociado el Archivo Virtual de Artes Escénicas: www.artescenicas.org

Programa Lunes, 23.
17.30. Apertura oficial
17.45. Introducción al seminario
José A. Sánchez, catedrático de Historia del Arte (UCLM), director de ARTEA.
18:30. Conferencia. "Performance of another life" ("Performance de otra vida")
Adrian Heathfield, escritor y profesor de la Universidad de Roehampton (Londres)
20.00. Cóctel de inauguración
21.00. Actuación
Rimini Protokoll: Der Zauberlehrling.

Martes, 24.
11.00-13.00. Mesa de trabajo Oscar Cornago.
17.00. Conferencia-Encuentro
Helgard Haug (Rimini Protokoll) y Roger Bernat
19.00. Conferencia: "We're not ready for the dramaturg!': some notes on dance dramaturgy" (¡No estamos preparados para el dramaturgo!: algunas notas sobre dramaturgia de la danza)
André Lepecki, profesor de la Universidad de Nueva York.
21.00. Conferencia-encuentro: "de la.. a la"
Juan Domínguez, artista, coreógrafo, director de In-presentable, Madrid-Berlin.

Miércoles, 25
11.00-13.00. Mesa de trabajo Juan Domínguez.
17.00. Conferencia-presentación. "In-side/out-side. Appunti di viaggio dalle drammaturgie visive di Motus" (Dentro/Fuera. Notas de viaje de la dramaturgia visual de Motus).
Daniela Nicolo y Enrico Casagrande, creadores escénicos, directores de Motus (Rimini, Italia)
19.00. Conferencia: "Mediaturgia: variedades de texto e imagen" (Mediaturgy: Varieties of text and Image)
Bonnie Marranca, Catedrática de Teatro en The New School/Eugene Lang College.
21.00. Actuación / Performance
Raimund Hoghe: Swan Lake

Jueves 26
11.00-13.00. Mesa de trabajo Angélica Liddell.
17.00. Conferencia-encuentro
Raimund Hoghe, coreógrafo y escritor, Düsseldorf
19.00. Conferencia: "Comedías urbanas. El espacio público como escenario dramático"
Manuel Delgado, antropólogo, profesor de la Universidad de Barcelona
21.00. Conferencia: "Dramaturgia en el colectivo: intervenciones en espacios urbanos y ' proceso colaborativo' en el Teatro da Vertigem"]
Antonio Araujo, creador escénico, Sao Paolo

Viernes 27
11.00-13.00. Mesa de trabajo Antonio Araujo.
17.00. Mesa redonda: "Prácticas dramatúrgicas"
Participan: Sara Serrano, Pablo Fidalgo, Pablo Ley.
19.00. Conferencia: "Dramaturgias para después de la historia"
Ü"scar Cornago, escritor e investigador del CSIC y ARTEA, Madrid
21.00. Actuación Atra Bilis:
La casa de la fuerza, de Angélica Liddell

Sábado 28
16.00. Proyección de vídeo: Perro muerto en tintorería: Los fuertes, de Angélica Liddell
18.30. Conferencia-encuentro
Angélica Liddell, escritora y creadora escénica, Madrid
20.00. Conferencia-encuentro
Mario Bellatín, escritor, Lima-México.
24.00. Actuación
Sergi Faustino. Zombi

Espacios
Mesas de trabajo: ESAD (escuela Superior de Arte Dramático).
Taller Escritura Mario Bellatín: Centro Párraga, ESP3.
Conferencias: COAMU (Colegio Oficial Arquitectos de Murcia).
Actuaciones: Centro Párraga, ESP0.

Coordinador del seminario: José A. Sánchez
Asesor de programación: Luisma Soriano
Comunicación: Valle Motos
Directora adjunta del CENDEAC: Yaiza Hernández
Director del Centro Párraga: Juan Nicolás

INSCRIPCIONES: www.cendeac.net/actividades

TURQUÍA de Arturo Sánchez Velasco (en Teatro de los Manantiales)

2009-11-02T20:10:00.000+01:00

BAILE DE ILUSIONES (en Centro Cultural Carolina)

2009-11-02T20:05:00.001+01:00

BAILE DE ILUSIONES

una obra de teatro dirigida por
MARCELO DÍAZ

con
SARA BARBA
JOSÉ M. BURSET
JONATAN CANTOS
CAROL CARBALLO
JOAN DARÒS
MILA FERNÁNDEZ
PAULA FOLQUÉS
RICARDO HERRERO
FRAN LATORRE
ANA LORENTE
AMADEO LLACH
DONÍS MARTÍN
XAVI NAVARRO
VERÓNICA ORTEGA
y
SILVIA VALDÉS

DEL 03/11/09 AL 15/11/09
Martes a sábado 21h.
Domingos 19h.

CENTRO CULTURAL CAROLINA
C/ Rugat 10, 46021 - Valencia.

Reservas: 963 785 794
www.atrapalo.com

LA SED en Carme Teatre

2009-10-22T00:12:00.002+02:00

22 octubre al 8 de noviembre
jueves a domingo 20.30h y 21.15h (dos pases)
(aforo reducido-CONFIRMAR RESERVA)

LA SED

Intérpretes Paula Miralles, Maribel Bravo, Carolina Linuesa/ Merce Tienda, Jesús Cisneros, JuanFran Aznar, Amador Artiga/Ricardo López Ivars, Teresa Gascó y Emilio Poveda
Bailarines Santi de la Fuente, Blanca Casterá/ Cristina Gómez, Juana Varela/ Olga Clavel
Coreografía LA COJA DANSA
Iluminación David Durán -
Espacio Sonoro David Alarcón y Petr Rímský
Videos Raúl León / Tatiana Clavel
Instalación espacio 2 Helena Sáez
Maquillaje y peluquería Quica Belda
Idea, espacio escénico y Dirección Aurelio Delgado
Ayte. dirección Marina Díaz
Producción ejecutiva Raúl Lago
PRODUCCIÓN CARME TEATRE

La sed es un montaje para transitar los diferentes espacios de la nave que alberga la sala Carme Teatre.
La sed no es un espectáculo sino un proceso de investigación
que surge como necesidad artística para saciar inquietudes y abastecer impulsos.
Un lugar para la reflexión, donde artistas de distintas áreas se aúnan en un proyecto de creación colectiva.
Un recorrido por el teatro, la danza, la performance y la instalación.
La sed es un viaje por los deseos y las aversiones.
Una metáfora del desequilibrio.
Una vivencia emocional a través de espejismos.

Información y Reservas (24h) 963924271
Entrada 9 €. Viernes día espectador 7 €
DTOS. Carnet AAPV, ESAD, AVED, UPV, grupos.

LA SEÑORITA JULIA, de August Strindberg. EL TEATRO DE CAMPANAR

2009-10-11T16:58:00.003+02:00

Estreno de "La señorita Julia" de August Strindberg.

Viernes 16 y sábado 17 de octubre, a las 21'00 h.
Domingo 18 de octubre, a las 19'00 h.
SESIONES GRATUITAS.

Reservas telefónicas: 963403105 / 635154755

Para más información, visita la página de EL TEATRO DE CAMPANAR.

IV DONESenART. Ciclo "Dramaturgas republicanas". SGAE Valencia

2009-10-11T16:25:00.006+02:00

El Festival DONESenART celebra este año su cuarta edición con un ciclo dedicado a las 'Dramaturgas republicanas'. De este modo, se desea reivindicar la memoria de las autoras teatrales de la II República española, acercando al público actual sus interesantes propuestas escénicas. El programa del festival incluye tres sesiones de lecturas dramatizadas dedicadas a las autoras Mercè Rodoreda, Halma Angélico y María Martínez Sierra, cuyas obras serán dirigidas, respectivamente, por Rosana Pastor, Anna Albaladejo y Antonia Bueno. El ciclo se completará con un documental sobre la artista plástica valenciana Manuela Ballester, de quien el pasado año se celebró el centenario de su nacimiento, realizado por Giovanna Ribes.

Lunes 26 de octubre (19'30 h.) :
AK Y LA HUMANIDAD, de Halma Angélico.
Dirección: Anna Albadalejo.
Intérpretes: Juanfran Aznar, Anna Albadalejo, Miguel Arnau, Aurelio Delgado, Maru Guiot y Carol Linuesa.

Miércoles 28 de octubre (19'30 h.) :
EL LLANTO AIRADO, de Giovanna Ribes.
Documental sobre Manuela Ballester, cartelista valenciana.

Lunes 2 de noviembre (19'30 h.) :
SORTILEGIO, de María Martínez Sierra.
Dirección: Antonia Bueno.
Intérpretes: Lucía Aibar, Antonia Bueno, Alberto G. Baño, Miguel Ángel Herrero, Ana Mª Martín y Juan Carlos Nogales.

ENTRADA GRATUITA.

Más información:
SEDE SGAE
Blanquerías, 6 - Valencia
Tlf.: 96 315 54 10

EL SILENCIO COMO FORMA DE EXPRESIÓN

2009-10-11T16:07:00.003+02:00

("Cuerpos de Luz" de Mayte Vieta)

"En esta sociedad verbalmente incontinente no hay espacios para el silencio. Así que por lo menos la cultura debería proporcionarle un lugar para expresarse."

Tres, músico y artista.

FE DE ERRATA: colectivo 96º en Manantiales

2009-10-04T20:25:00.002+02:00

Lo siento, el espectáculo que presenta el Colectivo 96º en la sala Teatro de Los Manantiales es "Después de mí, epitafios".

Aquí podéis leer la sinopsis.

DAR PATADAS PARA NO DESAPARECER. Colectivo 96o

2009-10-04T13:29:00.003+02:00

Del 16 al 18 de octubre a las 21'00 h.
en la sala Teatro de los Manantiales.
"Dar patadas para no desaparecer"
COLECTIVO 96º

Colectivo 96 busca una nueva identidad en el Centro Párraga (laopinióndemurcia.es)

Huesca premia a Sol Picó y a Colectivo 96º (el periódico de Aragón)

Crítica del espectáculo. Quim Pujol.

dar patadas para no desaparecer from lamb production on Vimeo.

TEATRO DE LOS MANANTIALES (programación primer trimestre)

2009-09-19T18:58:00.004+02:00

POSTGRADO: POÉTICA DE LOS SENTIDOS

2009-09-19T18:20:00.004+02:00

DIPLOMA DE POSTGRADO POÉTICAS DE LOS SENTIDOS. LENGUAJE SENSORIAL Y POÉTICA DEL JUEGO
(Código: 081036)
ÁMBITO HUMANIDADES Y CIENCIAS SOCIALES
Curso 2009-2010

Presentación
Enrique Vargas y la compañía Teatro de los Sentidos vienen desarrollando y aplicando desde hace más de veinte años un proceso de aprendizaje, investigación y creación alrededor del juego, la memoria del cuerpo, el lenguaje sensorial y la poética de la experiencia.

Objetivos
El objetivo general de este programa de postgrado es ofrecer conocimientos prácticos y teóricos para la formación de profesionales interesados en el lenguaje sensorial y en la memoria del cuerpo, preparándolos para que sean capaces de integrar este aprendizaje en distintos campos de intervención.
Al finalizar el postgrado, los estudiantes podrán:
1. Comprender la base conceptual del lenguaje sensorial así como su realización práctica.
2. Crear y facilitar juegos o intervenciones que puedan desencadenar imaginarios y experiencias poéticas.
3. Construir conocimiento práctico y conceptual para desarrollar sus propias intervenciones sensoriales en distintos campos de acción.
4. Comprender las experiencias y los cambios en las relaciones sociales que se producen gracias a las intervenciones que integran elementos lúdicos, míticos y corporales.
5. Reconocer la posibilidad del cuerpo como espacio de memoria, creación y transformación individual y colectiva.
6. Descubrir las posibilidades de este lenguaje en la creación artística y la intervención social en distintos campos.
7. Sistematizar los distintos elementos que componen la amalgama de recursos expresivos del lenguaje sensorial.

A quién va dirigido
Este programa de formación está abierto a personas interesadas en ampliar sus capacidades profesionales a partir demétodos intuitivos y lúdicos que puedan ponerse en práctica en distintos campos de acción.
El programa será especialmente interesante para personas provenientes de:
a) el ámbito de las artes escénicas
b) el ámbito de las artes y las humanidades
c) el ámbito educativo
d) el ámbito de la salud

Programa
Estructura general de contenidos
Memoria del cuerpo
Juego y cultura
Poéticas de la imaginación
Antropología del símbolo
Artaud – Grotowski y el concepto de celebración
Génesis teatral y catarsis
Acto creativo

Sistema de evaluación
80% de asistencia mínima obligatoria.
Realización de un proyecto final teórico y práctico.

Titulación
Diploma de Postgrado en Lenguaje Sensorial y Poética del Juego. Poéticas de los Sentidos por la Universitat de Girona.

Dirección
Enrique Vargas. Director y dramaturgo de Teatro de los Sentidos. En Michigan (EE. UU.) completa su formación como antropólogo teatral.

Duración y calendario
Diploma de Postgrado: 260 h (21 créditos).
Del 13 de noviembre de 2009 hasta el 6 de junio de 2010.
Horario: 11 fines de semana de 20 horas. Viernes de 18 a 22h., sábado de 10 a 19h. y domingo de 10 a 19h.

Presentación: 13 de noviembre de 2009
Parte presencial (obligatoria):
13, 14 y 15, y 27, 28 y 29 de noviembre,
18, 19 y 20 de diciembre de 2009,
15, 16 y 17 de enero,
5, 6 y 7, y 26, 27 y 28 de febrero,
19, 20 y 21 de marzo,
16, 17 y 18 de abril,
7, 8 y 9 de mayo de 2010.
Parte presencial (no obligatoria):
28, 29 y 30 de mayo y,
4, 5 y 6 de junio de 2010

Lugar de realización
El Polvorín, sede del Teatro de los Sentidos.
Camí del Polvorí, s/n - 08038 Barcelona.

Inscripciones
Edificio Mercadal
Plaza Jordi de Sant Jordi, 1
17001 Girona
Tel. 972 210 299
Fax 972 223 454
E-mail: info.fundacioif@udg.edu
Horario: de lunes a jueves de 9.00 a 19.00 h.
y viernes de 9.00 a 15.00 h.

Plazas
20

Precio
Diploma de postgrado: 1.480 €* (o desde 138,55 € mes**).
* Incluye un seguro de accidentes. No incluye las tasas de expedición del título de la UdG.
** Según financiación a 11 meses. Condiciones sujetas a las fluctuaciones del mercado.

Entidades colaboradoras
Institut del Teatre
SGAE

Para más información sobre el postgrado y Teatro de los Sentidos podéis consultar www.teatrodelossentidos.com y www.fundacioudg.org

Nuevo ciclo de talleres de Poética de los Sentidos e Imagen Sensorial

Los talleres de Poética de los Sentidos e Imagen Sensorial proponen a los participantes desarrollar una dramaturgia de la curiosidad generadora de preguntas; Cómo se puede contar una historia con la punta de los dedos? Existe una tiranía de lo visual? Es posible hace un poema con olores? A través de los talleres se adquieren las herramientas de investigación y creación del lenguaje sensorial y de la memoria del cuerpo.

El ciclo consta de cuatro niveles:

Introductorio: 2, 3 y 4, o 9, 10 y 11 de octubre
Introducción al lenguaje de los sentidos y memoria del cuerpo

Laboratorio: 6, 7 y 8 de noviembre
Profundización en el lenguaje sensorial y la poética del espacio y del cuerpo

Poéticas: 20, 21 y 22 de noviembre
Elaboración dramatúrgica de los procesos anteriores

Prácticas: 4, 5 y 6 de diciembre
Presentación del instrumento dramatúrgico

Talleres Monográficos
La Escuela de los Sentidos - Caixa d’Eines ofrece los nuevos talleres monográficos para profundizar en cada una de las especialidades de los integrantes de la compañía Teatro de los Sentidos.

Poética de la cata del vino:
11, 12 y 13 de diciembre por Giovanna Pezzullo
Cómo despertar el cuerpo, oliendo y descubriendo los secretos de la bebida de la Uva?

Construcción de espacios sensoriales:
5, 6 y 7 de marzo. por Gabriella Salvaterra
Una investigación en la poética del espacio que nos lleva a sentir la importancia de lo que no se ve, para dejar espacio a la imaginación.

Poéticas del olfato:
12, 13 y 14 de marzo por Giovanna Pezzullo
Una exploración a través de la nariz que conecta con los hilos olvidados de nuestra vida y de nuestra imaginación

Espacio sonoro. Cómo cargar un silencio:
9, 10 y 11 de abril. por Stephane Laidet
La construcción de un espacio a través de los sonidos y el silencio.

Transformar para crear:
23, 24 y 25 de abril por Eva Pérez
Cómo aprender a crear y conectar con una posibilidad creativa a través de la sensibilización a la sensorialidad en el cuerpo.

Memoria del Cuento:
30 de abril, 1 y 2 de mayo por Alekos de la Sierra
Aporta las herramientas esenciales de la Narración Oral, un oficio humilde y solidario. Y colorín colorado...

El sentido de habitar:
14, 15 y 16 de mayo por Patrizia Menichelli
Un itinerario a través de la experiencia de Habitar y del imaginario del hogar.

Oscuridad e Imaginario:
21, 22 y 23 de mayo por Patrizia Menichelli
Todo lo que no se ve, yace en el inconsciente e impulsa nuestar imaginación a crear. Un viaje a través de los imaginarios de lo no visto.

Información práctica
Horarios: Viernes de 16h a 20h. Sábado y domingo de 11h a 19h.
Precios: 150 € cada taller los tres primeros niveles y los monográficos, 110 € las prácticas. Descuentos: a consultar.
Para acceder a los niveles II, III i IV se deben haber superado los precedentes.
Para los monográficos se debe haber superado el ciclo completo de poética de los sentidos e imagen sensorial.

Inscripciones:
Teléfono 678751788 ó caixadeines@teatrodelossentidos.com
Los talleres se realizarán en el Polvorí, sede de la compañía Teatro de los Sentidos.
Camí del Polvorí s/n (Montaña de Montjuïc)
Más información en: www.teatrodelossntidos.com
*La Escuela se reserva el derecho a anular el ciclo por falta de inscripciones.

DAR PATADAS PARA NO DESAPARECER (Colectivo 96º)

2009-09-06T20:04:00.001+02:00

(tomado del Babelia. EL PAÍS. 05.09.09)

La que dice ser y llamarse Lidia González Zoilo, el que dice ser y llamarse David Franch y la que dice ser y llamarse Mónica Pérez te dicen que forman parte del Colectivo 96º (exacto, la graduación del alcohol etílico) y que fueron a Marsella, en febrero de 2008, para entrevistarse con Vera Waltser. Las luces de sala están encendidas, como si el espectáculo no fuera un espectáculo. Un encuentro, una charla, un juego. La sala es Versus Teatre, de Barcelona; antes se estrenó en el ciclo Radicals Lliure. El espectáculo (o encuentro o charla o juego) se llama Dar patadas para no desaparecer, gran título. Te dicen que Vera Waltser, quizás prima lejana de Robert Walser (la "t" se le cayó a Robert durante un bombardeo y nunca volvió a recuperarla), es una escritora suiza especializada en biografías. Te dicen que le han pedido que imagine las biografías de la que dice ser y llamarse Lidia González Zoilo y del que dice ser y llamarse David Franch. La frase que utilizo antes de sus nombres no es una cláusula retórica, porque a los diez minutos veremos una entrevista en la que David Franch habla de teatro en el Canal 33, y el David Franch televisivo no se parece en lo más mínimo al que está ante nosotros esta noche, de lo que se deduce que uno de los dos no es David Franch. ¿Es Franch, por cierto, un apellido judío? Lo sería plenamente con una "k" final, pero igual su padre la perdió también durante un bombardeo. David Franch (el que dice ser y etcétera) elige, a petición de Vera Waltser, una obra artística a modo de autorretrato: el busto de un soldado (judío, probablemente) que combatió contra los nazis en 1943, y que se encuentra en un parque de Marsella. Vera Waltser hace preguntas oblicuas, encarga tareas y, a partir de todo ello, escribe las biografías de L y D: posibles falsas autobiografías verdaderas que ellos recitan con la naturalidad extrema del actor no profesional, o, mejor, con la naturalidad extrema del actor profesional. Vera Waltser describe a DF describiéndose como "una montaña de historias escritas por otros, con bandas sonoras compuestas por otros. Deshumanizado, como una pieza fabricada en 1972 con las ideas, los sueños, y las actitudes de su generación, diseñada por las industrias de la música y la moda". Mientras M (o sea, Mónica Pérez) lee los textos de Vera Waltser (es decir, se convierte en Vera Waltser), L cubre el cuerpo desnudo de D con pasta de papel mojado (páginas de libros, carátulas de discos) hasta convertirlo en una estatua. La acción de VW pedía: "Describe tu cuerpo". D dijo: "Mi cuerpo es como un vertedero". L dijo: "Mi espalda está llena de marcas familiares, como un álbum de familia". Una luz/lupa amplía las imágenes de ese álbum, mientras L habla de todos ellos, su cuerpo descuartizado entre influencias familiares, los ojos del padre, las manos de la madre, la apatía, el mal genio, los sueños: "Heredé sus sueños, los sueños que tenían para mí y también los sueños que no tuvieron". Vemos los rostros familiares. ¿Ésa es realmente su familia? Y esa niña... sí, podría ser ella, desde luego. Pero no, seguro que me están engañando otra vez, aunque si vuelvo a mirar esa imagen y la comparo con el rostro de L, quizás... Querría saber más de esa familia, de esa novela familiar. ¿Por qué pienso también en una familia judía? Una familia de infelices niños prodigiosos, como los Glass o los Tanembaum. Ahora hay, magia potagia, dos espectáculos: el que sigue desarrollándose en el escenario del Versus Teatre, una noche de verano, y el que empieza a crearse en mi cabeza, en las cabezas de cada uno de nosotros. Mientras ellos bailan para Waltser y ella les construye identidades, nosotros somos un caleidoscopio gigante que las combina, descompone, reajusta o difumina, y las mezcla con las nuestras. Ése es el gran logro de Dar patadas para no desaparecer, por encima del narcisismo de eternos adolescentes (¿falso narcisismo verdadero?), de las otras ventanas que entreabren para mostrar un paisaje abortado o previsible o metafóricamente redundante (L convertida en un cuerpo ciliciado por alambre de espino, D emulando a Bruce Lee para no desaparecer), de los juegos fáciles ("Vera Waltser está esta noche entre nosotros, en el extremo de la tercera fila, junto al pasillo") paliados por los juegos ingenuos y felices: llamar a nuestros móviles, contarnos un secreto, pedirnos un adjetivo que les defina. Y en el tercio final, la filmación que vuelve a recolocar las piezas y descolocar dudas y certidumbres: el vídeo del viaje a Marsella, los lugares que creíamos imaginados, la estatua (¿real, ficticia?) en el parque, la casa de Vera, su nombre y apellido en el buzón, sube M por la vieja escalera, llama al timbre, la puerta se entreabre, una voz francesa (¿con un leve acento suizo?) la saluda desde dentro, la puerta se abre del todo, la claridad blanca ciega el objetivo, fundido en blanco, fin.

THE BLUE PLANET (Peter Greenaway / Saskia Boddeke)

2009-08-29T18:01:00.003+02:00

(tomado de Eldiariomontañes.es)

Saskia Boddeke y Peter Greenaway han creado su propio Dios y y su propio Noé que es quien contamina el planeta en el oratorio multimedia 'The Blue Planet' que hoy llega a la sala Argenta del Festival de Santander. Concebido para su presentación en la Exposición Universal de Zaragoza, 'The Blue Planet' «trata de mostrar el modo tan amenazante en que el hombre se comporta con este planeta», explicó ayer Saskia Boddeke en rueda de prensa. La autora del espectáculo junto con tres de los actores principales, Helda Davis (esposa de Noé), Hendrick Aerts (hijo) y Dory Sánchez (hija), presentaron ayer en rueda de prensa el espectáculo que hoy llega a la Sala Argenta en la recta final del Festival.
La directora de teatro y ópera holandesa Saskia Boddeke, destacó ayer que en ningún caso «se trata de dar una respuesta moral». «No tenemos una respuesta, sabemos que hay cosas que cambiar», señaló la directora teatral sino de «provocar o reflejar un estado de la mente».
'The Blue Planet' recupera el mito del diluvio y el Arca. El espectáculo, que tiene el formato de un oratorio moderno multimedia, mezcla el trabajo de los actores con el canto, la tecnología más avanzada y la música en vivo del compositor Goran Bregovic. Imágenes en alta definición reproducen aspectos de la realidad pero también a Dios y Noé que se encuentran y dialogan de un modo virtual similar a Second Life (plataforma del mundo virtual en el que la gente puede crear sus propios mundos).

La música de Bregovic
Este réquiem moderno se estructura en siete partes que van desde el luto a la celebración. Boddeke destacó el papel que juega la música de Goran Bregovic en la producción que «encaja perfectamente en la obra», señaló. Nacido en Sarajevo, Goran Brejovic es autor de la banda sonora de algunas de las películas de Emir Kusturika, un trabajo que le ha convertido en uno de los compositores de música para películas más reconocidos.
Saskia Boddeke explicó que la producción «se ha fortalecido y ahora mismo todos los actores que están sobre el escenario creo que saben mejor lo que queremos hacer». En los últimos meses la producción se ha presentado en Roma, donde, según explicó el director del FIS, José Luis Ocejo, «el público tuvo una reacción entusiasta, atrajo a mucho público joven».
La principal protagonista de este drama musical es la esposa de Noé quien no quiere dar la oportunidad de que el ser humano siga contaminando el planeta y entonces sus dos hijos le suplican que construya otro barco para que se puedan salvar las generaciones futuras.
En esta singular reconstrucción de Noé y el Diluvio Universal, una mujer, la española Pilar Pérez Aspa pone la voz a Dios. Además del castellano, en el espectáculo se habla también en francés, inglés e italiano, aunque los espectadores podrán seguir los diálogos a través de la traducción simultánea.

TEATROS EN RIESGO

2009-08-27T22:20:00.004+02:00

Doce teatros españoles están en la lista del Observatorio Internacional de Teatros en Riesgo, teatros que van a desaparecer fruto del olvido o la voracidad inmobiliaria. Para hacer frente a esta situación se creó en 2007, en Praga, este organismo. Y esta es su web. Una web en la que se pueden conocer los miembros de la plataforma o sus actividades, leer artículos, por ejemplo, de Le Corbusier, o gráficas que explican cómo Barcelona pasó de tener 153 teatros en 1975 a tan solo 99 en 1991.

(tomado de la revista TeatroMadrid. Julio-Agosto 2009)

Nota: en esta página no hablan ni de la amenaza sobre el Carme Teatre, ni de la reciente clausura de L'Altre Espai. Desde luego, aquí no nos salva nadie!!

SAGUNT A ESCENA. El Festival d'Estiu de Teatres de la Generalitat

2009-06-13T20:49:00.000+02:00

VALENCIA, 13 Jun. (EUROPA PRESS) -

El Festival d'Estiu de Teatres de la Generalitat-Sagunt a Escena, que comenzará el próximo 11 de julio y se prolongará hasta el 22 de ese mismo mes, contará con la participación de artistas como Rafael Amargo, Nacho Duato y Ainhoa Arteta, según anunció hoy en rueda de prensa la consellera de Cultura, Trini Miró.

La programación del certamen, que se desarrollará en dos escenarios principales, el Teatro Romano de Sagunto y la Nave de Altos Hornos del municipio, fue presentada hoy por Miró, en un acto al que también asistieron la directora general de Teatres de la Generalitat, Inmaculada Gil Lázaro, el primer teniente de alcalde de Sagunto, Juan Serrano, y el bailaor y coreógrafo Rafael Amargo, que abrirá la temporada con el estreno mundial de su montaje coreográfico 'La difícil sencillez'. Entre el público también se encontraba el diseñador valenciano Francis Montesinos, que participará en el vestuario de las representaciones.

Miró destacó que Sagunt a Escena es ya "el gran festival de las Artes Escénicas de la Comunitat" y ratificó el compromiso de la Generalitat con un certamen que está "a la altura de otros de Teatro Clásico celebrados en el territorio nacional, como el de Almagro o el de Mérida", dijo.

No obstante, la titular de Cultura criticó que mientras ellos reciben "una gran ayuda por parte del Gobierno", el Festival d'Estiu "está financiado íntegramente por la Generalitat, con un presupuesto de algo más de 850.000 euros".

La presente edición del Festival d'Estiu coincidirá con los festivales de Mérida y Almagro en títulos como 'Fedra', 'Los gemelos', 'La dama duende' o 'Fuenteovejuna', montajes a los que se sumarán otros espectáculos de calle que, como cada año, amenizarán las playas y zonas del casco antiguo de Sagunto.

La consellera destacó también los "grandes nombres" que este año participan en el festival, entre los que destacó el estreno mundial de 'La difícil sencillez', nuevo montaje coreográfico de Amargo, que se podrá contemplar el 11 y 12 de julio en la Nau de Sagunt. En palabras de Miró, se trata de un bailarín y coreógrafo "ecléctico, que conoce bien las esencias más puras del flamenco, pero al mismo tiempo ha asimilado otro tipo de lenguajes coreográficos".

El propio bailarín agradeció la posibilidad de bailar en el escenario de La Nau de Sagunt, un espacio que consideró "mágico y maravilloso". En relación con su montaje, explicó que se trata de una adaptación de la conferencia 'Juego y Teoría del Duende' de García Lorca, "en un soporte audiovisual muy íntimo y con personajes de gran duende".

Asimismo, elogió la iniciativa del Festival d'Estiu, que consideró "uno de los referentes nacionales", y aseguró que mientras en el resto de España "la crisis llueve para todos, incluso para la danza", en Valencia "parece que sólo chispea".

Por otro lado, se presentó el próximo espectáculo de Nacho Duato con la Compañía Nacional de Danza, que por primera vez participarán juntos en el escenario la Nau, durante los días 24 y 25 de julio, presentando las piezas 'Arenal', 'Kol Nidre' y 'Por vos muero'.

A esta programación se sumará la reconocida soprano Ainhoa Arteta con su trabajo más novedoso, 'La vida', en el que interpretará versiones de temas originales como 'La vida', de Silvio Rodríguez, 'El día que me quieras', de Carlos Gardel, 'Love me tender', de Elvis Presley, 'Tears in heaven', de Eric Clapton o 'Michelle', de The Beatles.

OBRAS DE LOPE DE VEGA Y PLAUTO

Entre las producciones previstas para el Festival d'Estiu también se encuentra la del británico Laurence Boswell, director asociado a la Royal Shakespeare Company, que vuelve a unirse a la joven compañía Rakatá, en otro proyecto escénico relacionado con Lope de Vega. Tras 'El perro del hortelano', ahora le llega el turno a 'Fuenteovejuna', una producción multitudinaria que reúne a un total de 35 actores y que estará en escena los días 18 y 19 de julio en la Nau.

Por su parte, el escenario principal del Teatro Romano acogerá la puesta en escena de cuatro clásicos muy contemporáneos. El montaje 'La viuda valenciana', del autor Lope de Vega y dirigido por Vicente Genovés, se representará el 8 de agosto. Además, la directora británica Tamzin Townsend llevará a escena 'Los gemelos', de Plauto, el día 15 y el 16 de agosto, con diez actores de alto nivel, músicos acróbatas y bailarines en directo.

Completarán la propuesta de este escenario la representación de 'La Dama duende', de Gabriel Garbisú y compañía Amara Producciones, así como la ópera flamenca de Miguel Narros, 'Fedra', basada en las 'Fedras' de Eurípides, Racine y Séneca, pero narrada con señas de identidad gitanas y música de Enrique Morente.

La nueva edición de Sagunt a Escena contará además con dos montajes para público familiar: 'Ras', de Maduixa Teatre y 'Pedra a pedra', de Teatre de l'home dibuixat. A ellas se suman cuatro compañías de teatro amateur, que encuentran su escenario en el Festival d'estiu: Calandraca, Teatro de la Baranda, Espacio negro y Agora. Finalmente, también se acogerán dos talleres escénicos, uno de danza con Arte libera y sus Gala Endanza, y otro de teatro, con la Fundación Shakespeare y su Hamlet Express.

Finalmente, se incorpora la animación de calle a cargo de Teatre de l'ull y Modelant, así como la instalación artística creada por el crítico de moda y danza Roger Salas, bajo el título 'Hombres en faldas'. Se trata de una exposición a través de la que se explorará el pasado y el futuro de esta prenda en el vestuario masculino.

INAUGURACIÓN SALA "LA BOMBONERA"

2009-06-04T22:22:00.001+02:00

Unas salas se cierran y otras se abren.
En este caso, hablamos de la inminente apertura de una nueva sala en Valencia, "La Bombonera", que está dentro de la escuela de teatro Laboratorio Escénico.

Su intención es hacer una programación los domingos por la tarde, a las 19 horas.

INAUGURACIÓN SALA LA BOMBONERA

DOMINGO 7 DE JUNIO

A LAS 19:00H.

PRESENTA:

"Manual del Perfecto Vanguardista"

¿Quién es el Vanguardista Alemán? Un enigma envuelto en un tutú. Un loco mesiánico con el proyecto claro de acercar la Vanguardia a las bodas, bautizos y comuniones. Un profesor magistral que nos demostrará que el futuro del Arte vuelve a estar, una vez más, en las manos de un idiota.

C. Blanquerías 22 bj 46003 – Valencia Tel. 963 911 377 - Móvil: 664 626 529 www.laboratorioescenico.com – correo@laboratorioescenico.com

CIERRAN L'ALTRE ESPAI

2009-05-30T19:49:00.000+02:00

El teatre l'Altre Espai, un dels quatre teatres publics de la ciutat de València, desapareix. Així que acomiadem-lo com cal!!!!

Amb un fort aplaudiment

Diumenge 31 de maig a les 20:15h. En les portes de l'Altre Espai.

Animeu-vos

Tal vegada si aplaudim molt fort, decideix tornar algun dia.

Conste que no es el primer teatre que desapareix este any i sembla ser que tampoc serà l'ultim!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

EXERCICIS D'AMOR en Teatro de los Manantiales

2009-05-20T21:07:00.002+02:00

URTAIN. Sala Olympia. Del 12 al 24 de mayo de 2009

2009-05-10T14:10:00.004+02:00

¿Me puede alguien explicar por qué una producción del Centro Dramático Nacional (dependiente del Ministerio y, por lo tanto, pagada por todos) recala en un teatro privado (pendiente todavía de una reforma como Dios manda) con precios elevados y sin posibilidad de los descuentos establecidos?
Aunque, tal y como está el patio, hemos de agradecer que, al menos, pase por Valencia.

URTAIN.
Dirección de Andrés Lima.
Coproducción Animalario y Centro Dramático Nacional.
con Roberto Álamo, Raúl Arévalo, Luis Bermejo, Luis Callejo, María Morales, Alberto San Juan, Alfonso Lara, Estefanía de los Santos, Luz Valdenebro.

Urtain fue España. España acabó con Urtain. Se suicidó. La idea de Juan Cavestany viene de la posibilidad de hablar de una época de España salida del franquismo hasta el final de su famosa transición marcada por las Olimpiadas de Barcelona 92. Y por otro lado: La historia de un hombre pequeño, peleándose de verdad con el mundo, intentando saber quién es, intentando descubrir: «¿Qué he hecho yo para que todo lo que hago sea tan sucio?», como él mismo decía.
La metáfora del boxeador y la lucha por la vida es recurrente, pero en nuestro caso, nuestra España,fue real.
Urtain fue utilizado como símbolo, como marca. La del toro, la del coñac, la España con dos cojones, la España de raza que tanto gustaba a Franco. ¡Y encima era vasco!
Necesitábamos un símbolo que saliera de la pobreza y el catetismo a base de hostias… ¡y lo encontramos!
Los políticos y la prensa se ocuparon de auparlo y cuando estaba en lo más alto del trapecio lo dejaron solo y sin red. Finales de los 70, la transición. Cada cual arrima el ascua a su sardina. Urtain ya no interesa. El alcohol, el olvido y la falta de recursos se ocupan del resto. Es paradójico que, mientras el deporte español triunfa en las olimpiadas de Barcelona 92, Urtain se suicida.
Siempre he pensado que todo el deporte, la competición, tiene algo de fascista, y en el caso de Urtain su «raza» tampoco le aseguro la pensión.

ANDRÉS LIMA

LA CASA DE BERNARDA ALBA, versión de Lluis Pasqual

2009-05-10T14:05:00.002+02:00

La casa de Bernarda Alba. Federico García Lorca.
Dirección: Lluís Pasqual.
Teatre Nacional de Catalunya. Barcelona. Hasta el 28 de junio. www.tnc.cat/.
Matadero. Madrid. Del 10 de septiembre al 25 de octubre. www.mataderomadrid.com/

EL PAÍS. Marcos Ordónez 09/05/2009

Mira que he visto veces La casa de Bernarda Alba y no me había dado cuenta de que hay un agujero capital en la red de tensiones. La matriarca encierra a sus hijas a cal y canto ("en ocho años que dure el luto no ha de entrar en esta casa el viento de la calle"), pero Angustias va a casarse con Pepe el Romano, que se aposta en su ventana noche sí y noche también. ¿Cómo se come eso, si hasta La niña de luto, de Summers, que pasaba en la Andalucía de los años sesenta, afirmaba lo contrario? O Lorca no tuvo tiempo material de corregir el gazapo, por sobredosis letal de café, o su Bernarda no es tan monolítica como parece. O ambas cosas, claro. Pero no es ése el asunto. El asunto es: ¿por qué no lo he percibido hasta ahora? Quizás haga yo de la necesidad virtud, pero a veces la percepción funciona por contaminación, y lo cierto es que el montaje de Lluís Pasqual en el TNC parece decantarse por la opción B: Bernarda (Nuria Espert) está empezando a perder su poder, a resquebrajarse. No es la Bernarda a la que nos ha acostumbrado la tradición. No es un tío con faldas, no es un leño seco, no es una vieja corrupia. Es una mujer todavía atractiva, elegante, casi una gran dama sureña, y aún lleva la sombra del deseo pintada en la cara, por así decirlo. Hay un claro antecedente, no idéntico pero cercano: la Bernarda feroz y sensual, señoraza mexicana a lo Katy Jurado, de María Jesús Valdés en el montaje de Calixto Bieito. Bernarda / Espert sigue siendo un monstruo pero un monstruo-víctima (de su educación, de sus prejuicios), en la línea de la madre del Opus que bordó Carme Elías en Camino, de Fesser. Y lo más importante: sabiamente guiada por Pasqual, la Espert rompe con otra tradición, la de que el bicho "no tiene recorrido", que Bernarda es un personaje hueso porque "no le pasa nada", porque empieza y acaba igual. Narices: al final queda destrozada, y consciente de que ella es la causa de la peste. Aquí adivinamos su pasado y su futuro. Pasado: amó a un hombre y se le cerró (o le cerraron) el corazón. Futuro: no cuesta imaginarla como María Josefa, su madre loca, anhelando un mar de espumas, abrazando a un hijo imposible. La Espert no hace una Bernarda trágica sino naturalista, como pedía Lorca ("¡realismo, realismo puro!"), muy contenida y, sobre todo, contradictoria. Vemos el broche de su dibujo en su última y espléndida escena, donde traza y condensa las emociones enfrentadas del personaje: dispara sobre Pepe el Romano como si fuera un rival amoroso y arroja la escopeta como si le quemara, y cae al suelo como una pantera herida tras la muerte de su hija, y proclama: "¡No quiero llantos!" mientras rompe a llorar. Sabe que ha perdido definitivamente la partida cuando proclama, patética, "¡ha muerto virgen!", y su petición final de silencio es, más que una orden, la constatación de su condena: todas, y ella la primera, quedarán encerradas en la casa: gran trabajo, que despliega lentamente sus capas, casi diría que sin juzgar al personaje. Poncia es Rosa María Sardá, que vuelve a la escena con un bocado al fin a la medida de su boca: el verdadero bombón de la obra, esa criatura casi shakespeariana, sierva y consejera, soberbia y humillada, que teme y desea la desgracia como una tormenta purificadora. La Sardá está graciosa, viva, compleja, a caballo entre la malicia popular y la maldad profunda. Mínima pega: gesticula demasiado, y no le hace falta. Estupenda también Teresa Lozano como la abuela, a la que Pasqual ha marcado otro doble y sugestivo perfil: capaz de alzarle la mano a Bernarda, de fulminarla con la mirada (era preciso trazar ese vínculo, esa herencia), y de vagar por la noche, conmovedora, cantándole una alucinada nana a su corderito. Y Tilda Espluga, impecable en el breve pero bien perfilado rol de la criada. Muy bien, en su punto, la Angustias de Rosa Vila, la Magdalena de Marta Marco, la Amelia de Nora Navas: contenidas también, sin declamación ni retórica. Martirio es la hija más difícil de servir, y a Rebeca Valls le falta todavía un hervor de locura, sobre todo en su enfrentamiento final con Adela. Almudena Lomba, casi una debutante, es Adela y es la sorpresa de la función. No tiene la técnica precisa pero exhala una verdad fresca y creciente, y sabe llegar a la intensidad de su escena clave, cuando proclama su decisión en la tirada más hermosa y valiente de un personaje femenino en el teatro español. Entre los logros de Pasqual, pues, destacan los reenfoques de Bernarda y María Josefa, los soberbios diálogos de la Espert y la Sardá, donde muestran una química perfecta, y la apuesta por Almudena Lomba, y el trenzado del complejísimo estallido final, cuyo preludio es esa cena casi de western, con la calma tensa que precede al ataque de los indios, pero hay algo en la función que aún no acaba de cuajar. Yo lo atribuyo a la escenografía de Paco Azorín y a la disposición en pasillo, con gradas. El blanco omnipresente se traduce en una sobredosis de azulejos que hacen pensar en un orfanato o un manicomio. O una sala de autopsias. No se siente el calor asfixiante, todo lo contrario: más bien parece que haga fresquito. Y el pasillo, para mi gusto, dispersa la tensión (como si siempre estuvieran de paso, camino a otras partes de la casa) y la proyección de la voz: con tanto giro se pierden frases y me temo que emociones. No obstante, el espectáculo fue recibido con enormes y merecidos bravos, y público puesto en pie. Estará en Barcelona hasta el 28 de junio, y se verá en el Matadero de Legazpi del 10 de septiembre al 25 de octubre. Hay otra cosa que no quisiera dejarme en el tintero. Me cuentan que no hubo ni un político del tripartito catalán, ni una "autoridad cultural", en ese estreno que era mucho más que un estreno: Lorca en el Nacional catalán, dirigido por Pasqual y con Espert/Sardá encabezando el reparto no es, diría yo, algo que se vea todos los días. Tampoco se dignaron enviar un representante a Alcalá cuando Marsé recibió el Cervantes, de lo que se podría deducir que ni Lorca ni Marsé son "de los suyos". Ya vamos sabiendo a qué atenernos. -

EL ENCUENTRO DE DESCARTES CON PASCAL JOVEN

2009-04-16T18:13:00.003+02:00

EL ENCUENTRO DE DESCARTES CON PASCAL JOVEN
de Jean-Claude Brisville

Interpretado por Josep Maria Flotats y Albert Triola
Dirigido por Josep Maria Flotats

Del 23 al 26 de abril.
TEATRO OLYMPIA (Valencia)

El encuentro de Descartes con Pascal joven, el 24 de septiembre de 1647. Escrita por Jean Claude Brisville y tiene como únicos protagonistas a dos iconos de la historia en Filosofía, Descartes y Pascal. Es una obra basada en el encuentro entre estos dos filósofos en el convento parisino de Los Mïnimos, en el que sostienen una plática y que el supuesto tema a retomar es la filosofía de la vida, la muerte y Dios, aunque en la realidad nunca se ha sabido el verdadero tema.

Brisville se imagina la conversación y la reproduce en teatros, creando un texto para darle vida a la obra. En ella aparecen dos límites del ser humano, la edad adulta representada por Descartes, quien aparece como un hombre sereno y escéptico. Por otro lado, se presenta a Pascal, un joven que todo lo vive con pasión, arrojo y cierta agresividad.

YO OS DECLARO (en Espacio Inestable)

2009-03-31T23:18:00.002+02:00

Del 9 al 19 de abril, la compañía Copia Izquierda presenta la obra YO OS DECLARO en el Espacio Inestable.
Las funciones son a las 20'00 h.

PATRICIA PARDO EN CARME TEATRE

2009-03-24T00:38:00.000+01:00

CURSO DE IMPROVISACIÓN TEATRAL

2009-02-24T22:06:00.001+01:00

SEMINARIO INTENSIVO DE IMPROVISACION TEATRAL
ORGANIZADO POR ESCUELA DE IMPRO

Un seminario donde descubrir las bases de la improvisación teatral y descubrir porque funcionan las cosas cuando no hay nada establecido de antemano, desarrollo de la escucha, la aceptación, la capacidad de propuesta y la creatividad, sin olvidar el trabajo en equipo.

Sábado 7 y domingo 8 de marzo de 2009
De 10:30 a 14:30 ambos días (total 8 horas de duración)

ARS XIKANDA
C/ Guillem de Castro, 65 - Valencia
Plazas limitadas

Podéis contactar con nosotros llamando al teléfono 628 46 88 26, preguntando por Miguel Moraga.

55 FESTIVAL DE MÉRIDA

2009-02-10T19:41:00.002+01:00

(Información extraída de El Periódico de Extremadura)

La 55 edición del Festival de Mérida llevará a Blanca Portillo, Lola Greco y la compañía Animalario al Teatro Romano entre los días 27 de junio al 30 de agosto. Obras como 'Fedra', 'Tito Andrónico', 'Edipo', 'El evangelio de San Juan', 'Medea' y 'Satiricón' destacan en la programación, presentada hoy en el 'stand' de Extremadura en FITUR.
"La principal seña de identidad del festival es su línea de teatro greco-latino", afirmó hoy Javier Alonso de la Torre, director general de promoción cultural de la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura. De la Torre subrayó "la calidad" del evento y su "internacionalización", a partir de las relaciones con otros festivales de teatro clásico, como el de Nápoles.
El director del evento, Francisco Suárez, explicó que cada año se presentan nuevos proyectos con el objetivo de "leer los clásicos como obras contemporáneas", hablando del "alma, amor, locura, dolor, alegría y guerra". "El teatro es fundamental como testimonio y testigo de los tiempos", destacó Suárez. "No estamos en una torre de marfil y el teatro está pendiente de los problemas de los ciudadanos", puntualizó, en una referencia a la crisis económica.
De la Torre advirtió que el festival actúa con "reflexión" y "uso acertado" del monumento. "El Patrimonio Cultural es tratado con absoluto rigor", aseguró. "Quiero que esta edición esté llena de salud e ilusiones", declaró Suárez.
Diversos artistas asistieron a la presentación, como la bailarina Lola Greco y el director de la compañía Animalario, Andrés Lima. Greco protagonizará 'Fedra', de Eurípedes, que contará con la dirección de Miguel Narros, coreografía de Javier Latorre y música de Enrique Morente. La obra se estrenará en junio en Nápoles y se presentará del 1 al 5 de julio en Mérida.
La gala de inauguración tendrá lugar el 27 de junio con 'El rapto de Proserpina', interpretada por la compañía castellonense Xarxa Teatre, con colaboración de noventa músicos de la Orquesta de Extremadura.

Animalario presentará del 8 al 12 de julio 'Tito Andrónico', "una de las más crueles tragedias de Shakespeare", según Suárez. Alberto Sanjuan, Javier Gutiérrez, Nathalie Poza, Elisabet Gelabert y Francesc Garrido compartirán el escenario en este montaje.
El Brujo Producciones y el Centro Dramático Nacional presentarán del 15 al 19 de julio 'El evangelio de San Juan', de Rafael Alvarez 'El Brujo', que actuará junto a cinco músicos en directo, bajo la dirección de Javier Alejano. El director rumano Silviu Purcarete ofrecerá con la compañía del Teatro Nacional Radu Stanca de Sibiu una obra del poeta Ovidio por primera vez en el festival: 'La metamorfosis" (del 23 al 25 de julio).
La comedia tendrá lugar entre el 5 y el 9 de agosto con el montaje 'Los gemelos', de Plauto, dirigida por Tamzim Townsend y con la compañía Perenquén. "Siempre hay que presentar alguna comedia para que el público respire entre tantas tragedias. Será el momento más refrescante del verano de Mérida", matizó Suárez.
'Edipo' entrará en escena en una coproducción del Teatro Español de Madrid y el Festival Grec de Barcelona, bajo la dirección de Georges Lavaudant del 12 al 16 de agosto. Por su parte, Blanca Portillo será la estrella de 'Medea', dirigida por Tomaz Pandur, junto a doce actrices-bailarinas, del 20 al 23 de agosto y del 25 al 30 de agosto.
Además de las obras, tendrán lugar actividades paralelas como la representación de 'Jasón y los argonautas', para los niños en el jardín del Teatro Romano ("para que estos tengan el teatro greco-latino como parte de su educación", subrayó Suárez); el 'pasacalles' de 'Satiricón', con la compañía Guirigai dirigida por Agustín Iglesias; y el ciclo 'Medea en el cine', en el Centro Cultural Alcazaba, donde se presentarán películas basadas en el personaje de Eurípedes de la mano de directores como Pier Paolo Pasolini, Lars Von Trier, Alejandro Amenábar, Jules Dassin, Arturo Ripstein y Theo Van Gogh.

PROGRAMACIÓN FEBRERO ATHENEIA

2009-02-08T19:59:00.000+01:00

VA DE BO! (Teatre El Musical)

2009-02-01T19:32:00.001+01:00

LA LECCIÓN de Ionesco (Teatro Círculo)

2009-01-19T19:15:00.002+01:00

Teatro Círculo presenta:

“ LA LECCIÓN ”
(Eugène Ionesco)

Una atractiva y aplicada estudiante va a recibir su primera clase particular con el nuevo profesor. No es la primera de hoy que lo visita para recibir sus lecciones. La comprobación de sus conocimientos y la enseñanza de nuevos, desencadenan una vez más en el profesor la alteración de sus modales y su delicado equilibrio psíquico.

DEL 10 DE ENERO AL 29 DE MARZO
SÁBADOS Y DOMINGOS A LAS 20.00 HRS.
ENTRADA : 10 € EN TAQUILLA , 8 € POR ATRAPALO
INFO & RESERVAS AL 96.392.20.23

CABARET VOLTAIRE (en Espai Brossa)

2009-01-13T00:03:00.002+01:00

CABARET VOLTAIRE

de Teatre Kaddish
Direcció Xavier Giménez Casas

Intèrprets Pau Bou, Isabel Nuñez-Castro, Xavier Llorens, Arnau Puig i Albert Riballo
Vetllada dadaista amb textos de Tristan Tzara, Hugo Ball i Kurt Schwitters.

Del 16 de gener al 15 de febrer de 2009

Espai Brossa

C/ Allada Vermell, 13 - 08003 Barcelona

Tel: 93 310 13 64

info@espaibrossa.com

L’espectacle “Cabaret Voltaire” posat en escena i preparat pel Teatre Kaddish, recupera algunes de les peces més destacades que Hugo Ball, Tristan Tzara, Emmy Hennings, Richard Huelsenbeck i Marcel Janco varen fer en el cabaret: actuacions, poemes fonètics, música i soroll. Realitzat a partir d’una extensa documentació, “Cabaret Voltaire” reprodueix el caos, la intensitat i l’esperit lliure que durant uns mesos es va donar en aquest petit cabaret de Zuric i que marcà una manera d’entendre la cultura, la llibertat individual i la independència de pensament com una flama que ha arribat als nostres dies.
Fa gairebé un segle Europa entrava en un dels moments més convulsos i dramàtics de la seva història. La Primera Guerra Mundial (coneguda com la Gran Guerra fins que es van haver de numerar) iniciava un període ininterromput de guerres i postguerres que varen ocupar quasi un segle. Ningú semblava quedar lliure de la guerra, no sols dels seus efectes vitals i personals, també ideològics. Molts artistes, escriptors, intel•lectuals, de l’època decidiren que era el moment de deixar de costat les seves trajectòries artístiques o literàries i posar-se al servei de la defensa de la pàtria. Però, no tots. El 5 de febrer de 1916 un grup d’emigrants polítics, desertors, agents secrets, inútils, visionaris, poetes i artistes encapçalats per Hugo Ball obriren el “Cabaret Voltaire” en el número 1 de la Spielgasse a Zuric. Aquest petit local, en un racó del món, en mig d’un barri degradat, ple de prostitució i pobresa, va ser el lloc de fundació del Dadaisme. I va insuflar, enmig d’una Europa dramàtica, plena de nacionalismes i guerres, un aire d’autèntica llibertat, un pensament i una actitud sense lligadures, que avui segueix essent un vertader referent per a aquells que encara creuen en la independència i la llibertat radical de l’individu.

ACTIVITATS PAREL·LELES

Entrada gratuita

Dimecres 21 de gener

Taula rodona: Inconformisme, incorrecció i rebel•lió entre art, teatre i escena musical. Una actitud que ha servit de fil conductor d’una sèrie d’artistes i moviments des de Dada fins a l’actualitat: els situacionistes, el punk, Warhol i la Velvet Underground, Sonic Youth...Amb David G. Torres (Comissari independent), Alfred Crespo (Director de la revista musical Ruta 66) i Antonio Ortega (artista). Presentació a càrrec de Xavier Giménez Casas.

Dimecres 28 de gener

Passi del film “Cravan vs. Cravan” d’Isaki Lacuesta, amb la presència del director. El film recrea el misteri de la vida d’Artur Cravan, poeta i boxador i un dels membres més actius del Dada francès, que va arribar a Barcelona durant la Primera Guerra Mundial.

Dimecres 4 de febrer

Xerrada de Ferran Aisa, presentació del seu llibre “Les Avanguardes. Surrealisme i revolució”. Ferran Aisa ha fet un assaig apassionant sobre la versió catalana dels grans corrents avantguardistes europeus anteriors a la Guerra Civil i els relaciona amb els moviments polítics als quals eren paral•lels.

ATHENEIA, un nuevo local en Valencia

2009-01-11T15:40:00.005+01:00

Surge un nuevo local en Valencia. Compagina la formación musical y teatral (Escuela Ars Xikanda) con la presentación de espectáculos entorno a la música y al café-teatro (Atheneia).

Para comenzar el año, nos presentan dos ciclos muy recomendables:

- los jueves de Jazz. JUEVEZZ

- los domingos, cine con música en directo.

Os dejo los carteles con la programación.

DIAS MEJORES. Teatro para la crisis.

2009-01-11T10:58:00.003+01:00

DÍAS MEJORES

de RICHARD DRESSER

dirección ÀLEX RIGOLA

TEATRE LLIURE

escenario sala fabià puigserver

Del 7 al 18 de enero

Unos jóvenes en paro queman muebles porque ni tan solo tienen calefacción en su casa. ¿Son rebeldes, indiferentes o desesperados? ¿O sólo esperan días mejores? Rigola vuelve a dirigir un texto del autor de Un cop baix, una comedia social sobre la devastación económica y sus peligrosos modelos, acorde con estos tiempos.

(ABC. MARÍA GÜELL)
BARCELONA.

El montaje que dirige Àlex Rigola y que se estrenó el pasado mes de diciembre en el Festival Temporada Alta de Girona tiene prevista una amplia gira por el territorio nacional. Estos días, y hasta el próximo 18 de enero, recala en el escenario del Lliure.
El autor Richard Dresser (Massachusetts, 1957) escribió «Better Days» (Días mejores) hace veinte años. Pero sin duda la temática no puede ser más oportuna en estos días. Por su parte, Rigola defiende que «independientemente a la crisis actual, habla mucho de la cultura del no esfuerzo; de la tónica generalizada de que todo el mundo puede hacer dinero con un mínimo esfuerzo».
El director tenía este texto in mente «desde hace diez años cuando estrené «Un golpe bajo», también de Dresser, en la Sala Beckett». Así, se declara fan de esta autor que «juega con temáticas muy contemporáneas y siempre desde un punto cómico». «Días mejores» fija la mirada en la América profunda de clase muy baja. «La acción se centra en la casa de dos de los protagonistas que están parados pero que parecen no inmutarse -destaca Rigola-; el punto de comedia radica en que estos jóvenes están flotando y están por encima de la situación».
El espectáculo en castellano viajará el próximo 22 de enero al Teatro Abadía de Madrid.

YO OS DECLARO (de Copia Izquierda)

2009-01-08T23:16:00.003+01:00

"YO OS DECLARO".

Cía. Copia Izquierda.

Dirigida por Eva Zapico.

Del 8 al 12 de enero.

20'30 h.

Sala CARME TEATRE

C/ Gutenberg. Valencia

VUELVE EL KAFRE TEATRO (Picassent)

2009-01-06T22:25:00.005+01:00

La Casa de Cultura de Picassent empieza el 2009 con la programación del Kafre Teatre, una nueva edición del festival de teatro más denodado, divertido e irreverente de todos los que se realizan.
Esta muestra de teatro rompe con aquello establecido, con la convencionalidad del presente, que busca la irreverencia, la modernidad y la diversión del futuro. Por quinto año consecutivo, la concejalía de Cultura, Juventud y Promoción Lingüística del Ayuntamiento de Picassent vuelve a poner encima del escenario uno de los festivales de comicidad más importantes de los que se realizan en la comarca de l’Horta Sud.
Del 8 al 10 de enero la quinta edición del Kafre volverá a tener encima del escenario aquellas obras sin censura, aquellos artistas que dicen lo que piensan y aquellas cosas que a nosotros nos gustan..., porque al fin y al cabo, todos tenemos un kafre dentro de nosotros. Durante 3 días podrás reír de manera desenfadada y sacar tus instintos a pasear con Tonino desde València, Guillem Albà desde Vilanova i la Geltrú, PTV Clowns desde Valencia, Che y Moche desde Rumania y Gabriela Sacauntos desde Rumania.
(más información, aquí.)

Dia 8 gener, 22’30 h. 10 €

TONINO “La Doña (el último tango de una alcaldesa)” (València)
Tonino Guitián: La Doña
Músics: Nacho Vidal (guitarres) Rafael Arcella (bandoneó)
Director: Juli Leal
Mimí: Mimí
Música. Efectes Especials. Bolleria Fina. Mascletaes. Naftalina i alcohol.

Dia 9 gener

22’30 h. 5 €

Cia Guillem Albà “Skechofrenia” (de Guillem Albà i Jango Edwards) (Vilanova i la Geltrú)
Direcció: JANGO EDWARDS

Autors: JANGO EDWARDS I GUILLEM ALBÁ

Actor/Clown: GUILLEM ALBÁ

24 h. Al Musical

PTV Clowns “Adivinaguas (versió kafre)” (València)

Intèrprets: PIOJO (Eduardo Zamanillo) i HULA (Amparo Mayor) en versió nocturna i kafre.

Dia 10 gener 22’30 h. 5 €

Che y Moche “Oua Umplute (ou farcit)”Companyia Zingarozana (Zaragoza/Romania)

Nominat a millor espectacle revelació als Premis MAX 08

Actors-músics: Eugenio Arnao, Kike Lera, Teresa Polyvka i Joaquín Murillo

Direcció: Joaquín Murillo

Divertida i gamberra història musical basada en l'enterrament del iaio d'una banda de músics zíngars, un enterrament que ja dura 15 anys i del que hi porten les cendres.

AVANCES DEL 2009

2009-01-04T20:33:00.005+01:00

(fragmento extractado de El País. 4 de enero de 2009)

(...)
TEATRO
Éxitos a contracorriente
Siempre a contracorriente, mientras otros sectores viven una profunda crisis, el teatro en España atraviesa una etapa de esplendor. Tres dobles parejas de primera se suben a los escenarios madrileños en los primeros meses del año: Héctor Alterio y José Sacristán en Dos menos, una comedia dirigida por Óscar Martínez llegada de Buenos Aires; Josep Maria Flotats y Albert Triola encarnarán a Descartes y Pascal en un texto de Jean-Claude Brisville; y Carmelo Gómez y Silvia Abascal recrearán sobre las tablas Días de vino y rosas, célebre película de Blake Edwards.
En septiembre se pondrá en escena en el Matadero madrileño La casa de Bernarda Alba, de Lorca, que esta vez contará, con Nuria Espert y Rosa María Sardá y con Lluís Pasqual en la dirección. Otro acontecimiento singular será el montaje de Regreso al hogar, del recién fallecido Harold Pinter, un Nobel muy poco representado en España. Dos joyas en Barcelona, en las salas del Teatre Nacional de Catalunya: Mort de dama, la adaptación a la escena de esta novela de Llorenç Villalonga; y El inspector, de Nikolai Gogol, en versión de Jordi Galcerán.
(...)

COTILLEOS

2009-01-02T13:20:00.002+01:00

1. ¿En qué está trabajando Eva Zapico con su compañía Copia Izquierda? Parece que estrenará en breve (finales de enero) en la sala Carme Teatre "Yo te declaro", (¿la guerra? ¿marido o mujer?) ¿Qué será, será?

2. Parece que Ramón Moreno, en su Escuela Municipal de Teatre de Silla, está preparando algo sobre Bertold Bretch. Como ya nos tiene acostumbrados, nos sorprende con algo totalmente opuesto al trabajo del año anterior (recuerda, las comedias feministas de Aristófanes). Pero esto será para el final del curso.

3. Aunque ya no es ningún secreto porque están publicitados en la programación, el último trabajo de Pont Flotant se estrenará en el Festival VEO. Se llama "Exercicis d'amor" y no es dificil imaginar el tema.

4. ¿Alguien quiere aportar algún otro cotilleo en los comentarios?

VI LLIGA D’IMPROVISACIÓ D’ALDAIA 2009

2008-12-20T16:03:00.001+01:00

La Lliga d’Improvisació és un joc teatral en el qual s’enfronten dos equips fent allò que millor saben: teatre. És un muntatge teatral atractiu, simpàtic, amb sentit de l’humor, afectuós, sincer, emprenedor, participatiu i interactiu.

Direcció i organització a càrrec del col·lectiu IMPROU i de l’Escola Municipal de Teatre d’Aldaia (EMTA).
Les entrades es poden comprar a la taquilla del TAMA en l’horari habitual (dimecres i dijous d’11’30 h a 13’30 h i de 19’00 h a 21’00 h). Si no s’han venut totes les entrades, les que queden es podran comprar en el Teatre del Mercat el mateix dia de la representació.

Aforament limitat a 210 butaques.
Preu: 3 euros.

LLIGA D’IMPROVISACIÓ 2009
24 Gener
OFFIMPROFF (València) vs. IMPROU (Aldaia)

31 Gener
QUART (Quart de Poblet) vs. EL GALLINER (Picassent)

7 Febrer
IMPROU (Aldaia) vs. QUART (Quart de Poblet)

14 Febrer
OFFIMPROFF (València) vs. EL GALLINER (Picassent)

21 Febrer
QUART (Quart de Poblet) vs. OFFIMPROFF (València)

28 Febrer
EL GALLINER (Picassent) vs. IMPROU (Aldaia)

Tots els encontres a les 20.15 h. al Teatre del Mercat d’Aldaia.

8 Març 18.00 h. Gran final de Lliga al TAMA

CANTANDO BAJO LAS BALAS (Teatro Valle Inclán. Madrid)

2008-12-14T18:54:00.003+01:00

CANTANDO BAJO LAS BALAS.

de Antonio Álamo

Teatro Valle Inclán (Sala Francisco Nieva)

Pza. Lavapiés. Madrid.

Del 27 de noviembre al 21 de diciembre de 2008

Dirigida por Álvaro Lavín, narra el primer acto franquista oficial de la historia, en octubre de 1936 en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, con ausencia del propio Franco, representado por su mujer, Carmen Polo. Dos de los presentes se hicieron con el total protagonismo aquella mañana: el general Millán Astray y don Miguel de Unamuno, que para espanto de todos se enfrentaron con una violencia inesperada. Unamuno estuvo a punto de ser linchado por los legionarios y falangistas presentes, algo que sin duda hubiera sucedido de no mediar la protección de Carmen Polo.

Aquella mañana se vertieron prolijos y farragosos discursos, los primeros y balbuceantes ensayos de la monótona representación que se prolongaría durante cuatro décadas. Pero además de todas aquellas disertaciones, arengas y sermones sobre algo llamado España, cuyos ecos perviven en nuestros días, se escucharon improvisadas palabras que -esta vez sí- provenían del corazón de los hombres que las pronunciaban. Millán Astray gritó: «Viva la muerte», a lo que Unamuno replicó: «Venceréis pero no convenceréis».

CABARET VOLTAIRE en Espai Escénic Brossa

2008-12-12T00:48:00.003+01:00

Zuric, 1916.

L'esperit del Cabaret Voltaire era la transgressió i la negació. Era un teatre de l'excés. Acollia poetes, músics i artistes de tots els horitzons. Fou el centre de l'art més nou: DADA. Els manifestos de Tristan Tzara, Hugo Ball o Hueselbeck els declamaven vint persones alhora. Tot aquell que ho demanava participava de les representacions davant una assemblea enfervorida, principalment composada de burgesos i estudiants.

Amb Pau Bou, Xavier Llorens, Isabel Núñez-Castro, Arnau Puig i Albert Riballo.

Del 16 de enero al 15 de febrero de 2009

Espai Escénic Brossa (Barcelona)

SOBRE FLORES Y CERDOS (teatro guarromántico)

2008-12-06T12:45:00.002+01:00

Un excelente trabajo del polifacético actor y músico gallego Nancho Novo que nos llega en formato teatral “one man show”. Con su particular estilo humorístico, por Novo definido como “guarromántico”, utiliza fragmentos musicales como hilo conductor para crear un espectáculo que profundiza en el amor y la germinación de éste en la pareja. El único propósito de esta fertilizante actuación es que las sonrisas afloren, porque Nancho Novo, como la primavera, la savia altera… Un espectáculo original y diferente. Directo, divertido e insólito, integra plenamente al espectador en la trama y le hace reír desde el principio hasta el final mediante canciones, historias y poesías, gracias a su genial, sarcástico e inteligente sentido del humor.

SOBRE FLORES Y CERDOS

escrita, dirigida e interpretada por Nancho Novo

Del 4 al 14 de diciembre (consultar horarios y precios en la web)

Teatre El Musical.

Pza. Rosario, 3 El Cabanyal

96 324 25 52

crónica de un performer (David Fernández)

2008-11-29T10:49:00.003+01:00

crónica del estreno de David Fernández en Teatro de los Manantiales. Tomado de su página web sin su permiso.

viernes 28 nov. 2008
joder, el estreno fue de puta madre!!. todo perfecto. somos unos craks. no vino ni dios, eso sí, pero es lo que tenemos los putos outsiders hasta que nos convertimos en putos insiders. la sala es un desastre, un espacio alternativo no tendría porqué ser como un okupa, micha (mi brother-técnico) se las vió y se las deseó para controlar los cables y la errática mesa de luces. isaac, el técnico del teatro, nos ayudó un montón, pero también hacía lo que podía. al menos el calor humano no faltó, gracias esther por los bombones!!.

DAVID FERNÁNDEZ EN LOS MANANTIALES

2008-11-23T20:24:00.004+01:00

Durante los últimos años he visto mucho teatro, pero casi todo me ha dejado indiferente. He salido de la sala igual que entraba. Este fue uno de los motivos de crear este blog. Pero de pronto encontré a este muchacho, pura energía, pura rabia, incorfomista con su trabajo y con su propuesta artística.
David Fernández tiene un discurso esencialmente humano: irregular, dubitativo, con altibajos,... imperfecto. Te hace sentir vivo, que lo que está pasando en la sala es real, está pasando delante de ti y tú puedes participar de las sensaciones y emociones que él genera (o no, la decisión es tuya). He visto varias montajes suyos en los últimos años y algunos eran sublimes y otros una auténtica bazofia, pero siempre eran sinceros, verdad. Considerando que el teatro parte de la mentira y de la ficción, de la re-presentación, David siempre está luchando contra esta contradicción: utilizar una convención teatral para huir de la convención teatral. Y siempre sale malparado de la batalla, sale vencido en su propio mensaje. Pero él es constante, coherente y sigue adelante. Espero que lo que nos presente este fin de semana sea acorde a ese espíritu. Allí estaré para acompañarle.
Si quieres conocer mejor su propuesta, visita su blog.

EL CORAZÓN, LA BOCA, LOS HECHOS Y LA VIDA
De David Fernández (Madrid)

TEATRO DE LOS MANANTIALES
C/ Alzira, 25
Reservas: 96 385 74 36
Del 27 al 30 de Noviembre ( 21 h.)

Utilizo el teatro como un espacio de comunicación -sin ficción- construyendo mi discurso con los elementos que me rodean. Los utilizo. Me aprovecho de ellos, pero no le debo nada a la cultura. Nada. A Bach sí. A él se lo debo todo. Pero Bach no es cultura. Bach es un oso.
En esta obra una pantalla de led's va anunciando una estructura narrativa que da cabida a mi propia forma de ver el mundo que me rodea y a mí mismo. Todos los textos, el movimiento y la música están creados en el mismo día de la (re)presentación. Yo mismo controlo a tiempo real toda la música a través de un mando de videojuego Wii, mi violonchelo, mi ordenador y el programa Max/MSP.
Soy un individuo tratando de comunicarse con los demás, por eso prefiero hablar de comunicación en lugar de arte.

LA NOCHE DE SAN JUAN (Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico)

2008-11-17T23:18:00.002+01:00

LA NOCHE DE SAN JUAN

Del 20 al 30 de noviembre

Teatre El Musical

Plaza del Rosario nº 3 - El Cabañal / Cañamelar

Valencia

Información: 96 324 25 52

compañía: Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico
autor: Lope de Vega
versión: Yolanda Pallín
director: Helena Pimenta

Se dice que la noche del 23 al 24 de junio, la de San Juan, es la más corta y luminosa del año. El genio de Lope de Vega ideó, en 1631, esta maravillosa comedia ambientada en el río Manzanares de Madrid en la que, durante esa noche mágica estival, varias mujeres, alegres e independientes, parten en busca del amor y de futuros esposos. La noche de San Juan no recrea la tradición rural de dicha festividad, es la adaptación que la gran ciudad realiza de ella a un estilo de vida más sofisticado. La obra formó parte del festival que el conde-duque de Olivares organizó en honor al rey Felipe IV para distraerlo de sus graves problemas políticos y la desesperada situación de sus súbditos.

Estreno de BRAMANT TEATRE

2008-11-10T20:21:00.003+01:00

2.24 Es un texto inquietante de género epistolar que plantea un viaje que cruza los límites de la razón y el delirio. Un thriller psicológico escrito para dos personajes que comparten un vagón de metro el tiempo que transcurre entre dos paradas; dos minutos y veinticuatro segundos. Una historia en que un día cualquiera, cuando uno de los personajes se dispone a salir del vagón un papel se desliza entre sus cosas y cae al suelo. Y así, sin dirigirse la palabra empieza este viaje... O quizá no?... La verdad, es que carta a carta, día a día, la tensión entre ambos crecerá como enredadera a ritmo de tango.

Un estremecedor viaje donde realidad y sonidos son las dos caras de una misma moneda.

2.24 es una coproducción de Bramant Teatre y Teatres de la Generalitat Valenciana dentro de la línea NOVES DRAMATURGIES 08’ con la colaboración de Fundación Carolina Torres Palero, Ajuntament de Picassent, Metro Valencia y FGV.

Bramant Teatre, la compañía valenciana que sorprendió con “Construyendo a Verónica” y se consolidó con “Reencuentros”, llega “2.24”

L'Altre Espai. Del 12 al 23 de noviembre de 2008.

DANIEL HIGIÉNICO en El Loco Club. Valencia

2008-11-09T16:11:00.005+01:00

El próximo domingo 16 de noviembre DANIEL HIGIÉNICO presenta "CANCIONES Y SOLILOQUIOS" en El Loco Club.

No anda precisamente sobrada la escena musical española de personajes carismáticos y transgresores, de artistas que caminen en el filo de los géneros ofreciendo alternativas diferentes e inteligentes. La banalidad imperante hace que propuestas como las de Daniel Higiénico se tengan que contentar con trabajar en los márgenes de un negocio que aspira a lo intrascendente por miedo a herir susceptibilidades varias. Daniel Soler, o lo que es lo mismo, Daniel Higiénico, es uno de esos personajes que habitan un espacio artístico propio, ajeno a los convencionalismos del mercado. Como en sus trabajos anteriores Daniel Higiénico vuelve a desarrollar todo su potencial basado en su eclecticismo musical, unas letras afiladas que caminan entre lo real y lo absurdo, la ironía y el sarcasmo, dibujando esas situaciones cotidianas que se tornan kafkianas y en las cuales todos hemos caído sin querer alguna que otra vez. También hay cabida para la ternura, el humor y la fantasía, ingredientes todos ellos que Daniel Higiénico sabe mezclar con naturalidad contribuyendo a potenciar esa química especial entre el artista y su público. Daniel Higiénico edita un nuevo disco, y eso, de por si, ya es una buena noticia.

(tomado de la web de EL LOCO CLUB)

DANIEL HIGIENICO "Canciones y soliloquios"
Domingo 16 de noviembre
El Loco Club de Valencia a las 19:00 h.

Entrada: 10 €
Reservando por la web un CD "Mentiras Podridas" de regalo.
Envia un mail a produccioneshigienicas@yahoo.es

ARBUSHT (Teatro de los Manantiales)

2008-11-02T20:36:00.003+01:00

Las compañías Hongaresa de Teatre y Los Locos de Valencia presentan en Teatro de los Manantiales "ARBUSHT".
Del 6 al 16 de noviembre, a las 21'00 h.

Arbushto hace un recorrido por la sórdida biografía de George Bush Junior. Toda la acción transcurre en unos urinarios alicatados de un blanco absoluto. Pero detrás de esas puertas se esconden las deyecciones y otras escabrosas actividades que contaminan el planeta en nombre de la democracia global.

AUTOR Y DIRECTOR: PACO ZARZOSO

ACTORES: Toni Sancho, Ruth Atienza, Víctor Vila, Paco Zarzoso.

MÚSICO: Nestor Mir.

EL CASO DEL ESPECTADOR (Teatro de los Manantiales)

2008-10-21T22:36:00.002+02:00

El caso del espectador

María Jerez

Con este trabajo quiero poner en cuestión el punto de vista del espectador a través de la utilización de un dispositivo que me permite fragmentar la realidad de lo que se está viendo; así como el poder que la representación, la ficción y el virtuosismo tienen sobre nuestros mecanismos de percepción.

A través del uso de la cámara se plantean dos realidades que transcurren paralelamente y que no establecen algo absoluto sino que fragmentan la realidad en una situación escénica y una situación cinematográfica proponiendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos que transcurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infinito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Profundizando, así, en el estudio del lenguaje coreográfico, cinematográfico y teatral y en el cuestionamiento de los roles adquiridos como espectador y de las convenciones del cine y del teatro.

El dispositivo creado consiste básicamente en un sillón (de espaldas al espectador), una televisión y una cámara que manejo desde el propio sillón para crear la película, de la cual, yo misma, soy espectadora.

Gracias a la disociación de mi cuerpo puedo plantear dobles acciones, dobles imágenes que me permiten proponer, en directo, dos tiempos narrativos simultáneos: el escénico y el cinematográfico que vemos en la tele. El poder de la ficción y el virtuosismo de la realización ponen al espectador en una situación de distancia e implicación de la cual entra y sale intermitentemente.

FIESTA PRESENTACIÓN FESTIVAL PEQUEÑO TEATRO DE RADIO CITY

2008-10-15T21:09:00.003+02:00

FIESTA DE PRESENTACIÓN

Jueves 16 de octubre. 23'00 h. Entrada Libre.

Con la actuación de Teatro Instantáneo (Improvisación).

ARTE'n'PORRETA

2008-10-11T20:09:00.000+02:00

DEL 19 DE SEPTIEMBRE AL 12 DE OCTUBRE DE 2008

Viernes y sábados 21 h. Domingos 19h.

en la sala CATARASTROFEATRO.

Para más información sobre la compañía, pincha aquí.

TEATRO DE LOS SENTIDOS. PROGRAMA OTOÑO Y POSTGRADO.

2008-10-10T17:24:00.001+02:00

DE TRIZAS CORAZÓN

2008-10-05T19:39:00.007+02:00

Se llaman D-ESAS-3 y presentan, en el Circuito Café Teatro de Valencia su espectáculo "De Trizas Corazón". Os pongo los días y lugares donde podéis verlas. ¡¡No os lo perdáis!!

Domingo 12 octubre (20'00 h.) en CAFÉ TOCADO.

Martes 14 octubre (23'00 h.) en CA REVOLTA.

Sábado 18 octubre (20'00 h.) en LA FLAMA.

Domingo 19 octubre (20'00 h.) en 1900 CAFÉ TEATRO (Manises)

Miércoles 22 octubre (23'00 h.) en WOODY-CAFÉ PARÍS

Jueves 23 octubre (23'00 h.) en SWAN.

Viernes 24 octubre (23'00 h.) en PASIÓN POR EL RUIDO.

Sábado 25 octubre (20'00 .) en KRAKEN.

Para más información sobre el circuito, pinchad aquí.

PRESENTACIÓN DE TEMPORADA. TEATRO DE LOS MANANTIALES.

2008-09-29T22:20:00.003+02:00

TALLERES DE OTOÑO. TEATRO DE LOS SENTIDOS.

2008-09-29T22:16:00.002+02:00

CURSO DE DRAMATURGIA (Paco Zarzoso)

2008-09-28T15:55:00.002+02:00

TALLER DE ESCRITURA DRAMÁTICA. CREACIÓN DE PERSONAJES COMPLEJOS

SGAE Valencia.
Blanquerías, 6 - Valencia.
Tlf.: 96 315 54 10

Del 7 al 30 de octubre (martes y jueves, de 16'00 a 20'00 h.)

Profesor: Paco Zarzoso

Actor, director y autor de numerosos textos y obras dramáticas como “Valencia”, “Ultramarins”, “Mirador”, “Cocodrilo”, “Umbral”, entre otras muchas, y que han cosechado numerosos galardones y reconocimientos del sector teatral como el Premio Marqués de Bradomín, el Premio de la Crítica de Valencia, el Premio Max Aub de Teatres de la Generalitat, el Premio SGAE de Teatro o el Premio de la Ciudad de Barcelona.
Paco Zarzoso dirigirá este taller para todos aquellos profesionales de las artes escénicas y escritores que estén interesados en la escritura teatral, y más concretamente en la creación de personajes, elemento indispensable en cualquier texto dramático. Durante el taller, eminentemente práctico, se trabajará sobre diferentes herramientas de la teatralidad, priorizando la creación de personajes complejos. Personajes polifónicos y valientes a la hora de subir y bajar los escalones de la escala humana.

OTOÑO EN TEATRES DE LA GENERALITAT

2008-09-28T13:19:00.011+02:00

No sé cómo me atrevo -¡qué osadía!- pero voy a intentar recomendaros -siempre bajo un criterio muuuuuuy personal- algunas cosas de las que propone Teatres para este otoño. Allá voy.

BARROCO. Del 1 al 5 de octubre en el Teatre Principal.

Una obra dirigida por Tomaz Pandur a partir de "Las Amistades Peligrosas" de Choderlos de Laclos y "Cuarteto" de Heiner Muller. Interpretada -magistralmente- por Blanca Portillo y Asier Etxeandía (y Chema León). La obra merece ser vista por la oportunidad de ver sobre las tablas a estas dos bestias escénicas como son Blanca y Asier, pero la obra no acaba de cuajar.
Mejor que yo lo explica la siguiente crítica. Y esta otra.

LA DAMA DEL MAR.
Del 5 al 9 de noviembre en el Teatre Principal.

Montaje basado en el texto de Henrik Ibsen -esto ya promete-, interpretado por Ángela Molina -se pone interesante- y dirigida por Robert Wilson -no nos lo podemos perder-.

Todavía no he leído nada sobre el montaje pero con Wilson al volante, creo que no podemos dejar pasar esta oportunidad. Robert Wilson es uno de los directores escénicos más importantes del mundo, y en esta nuestra ciudad, no tenemos muchas oportunidades de ver este tipo de propuestas. Espero que esté a la altura.
Para valorar mejor, os remito a la siguiente crítica.

(en el próximo post, más recomendaciones)

I CURSO INTERNACIONAL DE VERANO DE POÉTICA DE LOS SENTIDOS E IMAGEN SENSORIAL

2008-05-27T18:31:00.003+02:00

Arquitecturas invisibles

Contenidos:

La oscuridad y el silencio como punto de partida para construir espacios, espacios en los cuales permitir a la imaginación que viaje.
¿Cómo esculpir la oscuridad?, ¿cómo esculpir un silencio?
Arquitecturas creadas de olores, imágenes, sonidos, matices de la oscuridad…
¿Es posible encontrar estas arquitecturas en lugares como la ciudad, un bosque, una calle, en los lugares donde estamos acostumbrados a percibir solo a través de la vista?
¿Cuál es la interacción entre el objeto y el espacio?, ¿cuando el objeto deja de ser una decoración y logra significar un espacio, contar una historia?
¿Qué es un espacio íntimo? y ¿cómo podemos encontrar este espacio íntimo en un espacio abierto, o en un espacio cerrado o en uno colectivo?
¿Qué es un espacio de la memoria?
¿Cómo se mueve nuestro cuerpo en estas arquitecturas de la imaginación?

A partir de un recorrido de búsqueda elaborado según el lenguaje sensorial, el curso afrontará estos temas.
El juego como instrumento de aprendizaje, la posibilidad de descubrir que podemos tocar con las palabras o con un sonido, sentir un olor, ver con el gusto, descubrir que “tenemos un solo sentido con muchas ventanas”.

El taller está enfocado hacia dos caminos paralelos: uno será el apropiarse de los elementos básicos del lenguaje sensorial y el otro, con estas herramientas, construir arquitecturas invisibles, además de buscarlas en la ciudad de Barcelona y en su entorno.

Inscripciones:

Reserva a través de caixadeines@teatrodelossentidos.com
Las inscripciones se harán efectivas a través del ingreso del 50% del precio total en la cuenta corriente de Caja Madrid (2038 9249 0160 0005 3244).
Precio: 500 euros
Descuentos: 15% socios de la SGAE

ANGELICA LIDDELL EN LA CASA ENCENDIDA

2008-05-21T00:27:00.001+02:00

LA DESOBEDIENCIA: 3 CONFESIONES, DE ANGÉLICA LIDDELL

Experiencia personal
Después de sus premiados montajes exhibidos en el CDN, Angélica Liddell reúne en La Casa Encendida tres acciones de rebeldía de mujer.

La teatrera integral Angélica Liddell reúne por primera vez en Madrid tres acciones diferentes de rebeldía femenina, nacidas de experiencias personales, que integran textos, vídeos y creaciones plásticas. Con el título de La desobediencia: 3 confesiones, Liddell mostrará estas acciones sólo durante tres días, desde el miércoles 21 hasta el viernes 23. En cada representación, la artista utilizará, consecutivamente, un aula, la terraza y el patio de La Casa Encendida, lugar elegido para acoger las representaciones.
"Las tres acciones las presenté juntas en el Festival Citemor, en Portugal, en el verano pasado, y fue una experiencia hermosa", cuenta Angélica Liddell. Y continúa: "Tiene un gran sentido el reunirlas, porque componen un recorrido de rebeliones de la mujer contra el lugar que le han obligado a ocupar". Con la primera acción, Lesiones incompatibles con la vida, Liddell inauguró en este mismo local, en 2003, el Ciclo Perfil que le dedicó el Festival Escena Contemporánea, en el que desplegó su grotesco y cáustico Tríptico de la aflicción, compuesto por tres piezas teatrales de su compañía Atra Bilis que diseccionan la familia, la infancia y la educación. "Parto de mi idea de no tener hijos y de usar mi cuerpo como mi protesta poética", dice Liddell. La segunda acción, Broken Blossoms (Casa de América, 2004), "es una creación que cuestiona e ironiza la consideración social de que un autor teatral es inteligente e importante", comenta la actriz. Finalmente, dice Liddell, "en Yo no soy bonita (Museo Reina Sofía, 2005), me pareció oportuno contar un abuso que sufrí cuando tenía nueve años, que nunca me había atrevido a narrar, sublimándolo como un objeto estético". Las tres acciones tienen textos poéticos; en la primera, domina la creación plástica, la segunda incluye imágenes de un trabajo con disminuidos psíquicos y en la tercera hay un caballo en escena.

Una artista total
- Actriz, poeta, escenógrafa, autora y directora teatral, Angélica Liddell ha cultivado una estética propia y conmovedora en quince años de obras con su compañía Atra Bilis Teatro, entre ellas, Perro muerto en tintorería: Los fuertes y El año de Ricardo (CDN, 2007).
- Entre los últimos premios y distinciones a su trabajo se cuentan el Premio Valle-Inclán de El Cultural para su reestreno de El año de Ricardo en el CDN, el Premio del Público de la web Notodo para Perro muerto en tintorería: Los fuertes, y el accésit del Premio Lope de Vega 2007 a su texto Belgrado.
- Sus obras se han estrenado también en Alemania, Bielorrusia, Brasil, Bolivia, Colombia, Chile, Francia, Portugal y República Checa.

Fecha: 21 de Mayo de 2008 hasta 23 de Mayo de 2008
Autor: Angélica Liddell
Director: Angélica Liddell
Intérpretes: Angélica Liddell
Género: Acciones. Teatro interdisciplinar
Horario: X, J y V a las 22 h.
Precio: 3 euros.Venta Anticipada: entradas.com, en el tel. 902 22 16 22 y cajeros de Caja Madrid e Ibercaja
Ver mapa Casa Encendida

(información elaborada por José Henríquez; tomada de La Guía del Ocio. Madrid.)

TITIRIMUNDI. FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE TÍTERES DE SEGOVIA

2008-05-08T19:11:00.002+02:00

El número de espectadores aumenta cada año, hasta los 80.000 de la pasada edición, y esta gozosa realidad obliga a los organizadores de Titirimundi a incrementar la oferta en Segovia sin descender la calidad y a expandir el Festival Internacional de Títeres a Madrid y su comunidad durante las fiestas de San Isidro. La vigésima segunda edición de Titirimundi programa este año en la ciudad del acueducto medio centenar de compañías con un total de 350 representaciones entre los días 8 y 15 de mayo.
Las claves del prestigio creciente y del éxito de público de Titirimundi se encuentran en palabras del director del festival, Julio Michel, en «combinar tradición y vanguardia, y en ofrecer una programación que permite recorrer la historia del teatro de títeres hasta encontrarse con los espectáculos más vanguardistas», donde el público observa las técnicas y corrientes más innovadoras, incorporadas al teatro de títeres y marionetas. Asimismo, la oferta de espectáculos para todas las edades, incluidos los adultos, y los numerosos escenarios al aire libre en la capital segoviana garantizan la afluencia masiva de espectadores.
En el apartado más clásico, se encuentran las actuaciones de los más genuinos representantes del teatro de cachiporra, el italiano Salvatore Gatto con Pulcinella, una historia contada en 60 minutos sobre este personaje de la commedia dell'arte, a través de unos personajes manejados con la técnica de los títeres de guante napolitanos, le guaratelle, que recoge una tradición que se remonta al siglo XV.

Sarcástica comicidad. De Inglaterra, Rod Burnett, uno de los más virtuosos y versátiles artistas de marionetas que maneja numerosas técnicas del títere, trae Punch & Judy, una propuesta también de títeres de guante, que parodia con una comicidad cruel y sarcástica, las contradicciones del hombre y sus flaquezas, induciendo a la sonrisa. Los países del centro de Europa y la República Checa de manera particular, han conservado la tradición ininterrumpida, convertida en sabiduría y arte, del teatro de marionetas. Titirimundi programa tres compañías checas (Vita Marcik, Carromato y Alfa Teatro), una húngara (Mikropódium) y otra rusa (Víctor Antonov). Alfa Teatro cerrará la edición de este año en Segovia con Los tres mosqueteros, recuperados en marionetas de madera para recrear la novela de Alejandro Dumas con la incorporación en el desarrollo de la historia del humor de los cortometrajes de Max Linder de los años 20. El histrionismo de los muñecos, las peripecias de la acción, la innovación del lenguaje mediante sms y la música en directo, con músicos que se incorporan al espectáculo divertirán al público asistente. Entre las propuestas más vanguardistas se encuentran Vampyr de Stuffed Puppet de Holanda, que construye un relato sobre la fidelidad y la deslealtad a través de un padre y una hija que conocerán a otros personajes en un camping. Con este soporte argumental presentan al espectador los oscuros secretos de familia, las humillaciones de los padres sobre los hijos, la rivalidad generacional, etcétera, para plantear situaciones parecidas de temor o miedo, de amor o pérdida de la inocencia, que pueden permanecer ocultas en el subconsciente del espectador. Neville Tranter, el creador de este montaje, maneja unos muñecos de iguales proporciones que él y se incorpora a la acción teatral, relacionándose con el títere, mostrando la capacidad para desdoblarse en actor y manipulador de objetos.

Ceremonia surrealista. Joan Baixas, pintor y marionetista, recupera un espectáculo concebido hace un cuarto de siglo por Joan Miró, titulado Merma nunca muere. Lo reconstruye en el sentido genuino, tal y como lo ideó el artista catalán, que lo pensó para su representación en la calle, aunque en su estreno sólo visitara los grandes teatros. Merma nunca muere se representa con unos actores que se meten dentro de unas grandes cabezas, muy mironianas por su concepción y colorido, con vestidos acorde y calzados con unos grandes zapatones, para protagonizar una ceremonia surrealista. Los diseños se inspiran en los dibujos de Jarry para Ubu rey, dramaturgo por el que Miró sentía una profunda admiración, hasta el punto de manifestar su deseo de morir como el héroe de Jarry, diciendo «merdre».
El espectáculo denuncia las maniobras que se realizan desde el poder, en clara referencia a la dictadura franquista, finiquitada en 1978 cuando Miró en colaboración con el grupo La Claca escribió esta pieza. Censura las consignas que se establecen, la manipulación de la opinión pública, los abusos del poder o el miedo a la libertad. La propuesta no ha perdido actualidad porque, al decir de Baixas, «la tensión en el ámbito político internacional está haciendo aparecer, en el poder democrático, actitudes que parecían propias de la dictadura: la mentira, la limitación de los derechos de las personas, la tergiversación de la información, el popularismo, el fanatismo, la manipulación de la opinión con argumentos morales y otras burradas semejantes». El humor, la belleza plástica, la vistosidad y el pasacalles final entretienen, al tiempo que permiten ver una rareza, felizmente recuperada por Baixas.

El alma de los objetos. El teatro de objetos también tiene cabida en Titirimundi, con una buena selección de espectáculos como A distances de la compañía francesa Les ateliers du spectacle, una propuesta con siete piezas breves, interpretadas por dos actores con un sinfín de dispositivos escénicos visuales y sonoros, que recuerdan en la concepción y desarrollo del montaje a aquellos antiguos titiriteros que visitaban los pueblos para mostrar sus habilidades y entretener a un público sin distinción de edades o cultura. A distances es un espectáculo bello y poético, con capacidad de distraer.
En el apartado de objetos, La Chana presenta Entre diluvios una sucesión de historias recreadas con un cierto sentido paródico sobre textos bíblicos. Los actores Jaime Santos y Áurea Pérez cuentan los relatos a la par que manipulan una serie de objetos muy simples que parecen cobrar vida, incorporándose a la representación como un elemento más. El artista Dominique Kerignard en El circo de las pulgas se transforma en Alfredo Panzani, domador de pulgas. Los insectos no existen pero la capacidad de ilusionar al espectador parece que estos animalitos salten, piquen y chupen la sangre.

Sensaciones de ensueño. Como otro homenaje a los «húngaros» o feriantes de antaño las compañías francesas Des Chiffonnières y Le Quarantième Rugissant presentan El baile de los locos, que se desarrolla en su carromato, reconstruido después del accidente que sufrieron el pasado año, cuando viajaban hacia Titirimundi. En el interior se goza con un espectáculo que narra tres historias basadas en Moby Dick, contadas con títeres y cine de animación, que permite crear sensaciones de ensueño: una sala que aparece y desaparece, un velero que transporta a otros mares, un orient-express lleno de misterios y un teatro a la italiana.
La programación se completa con otros espectáculos de títeres (www.titirimundi.com) y con compañías procedentes de América, Mali (Sogolón) con un espectáculo muy tradicional que muestra una ritualidad ligada a las costumbres de ese país africano, la India (Khairati Bhatt) con títeres hechos con cabezas de madera y brazos de tela rellena, los khatputli, o de Turquía con Cengiz Özek Shadow Theatre, que acercará al público a la tradición del Karagöz, teatro de sombras turco. Para que la variedad no falte, el Dúo Mayalde interpretará canciones del folclore popular en su actuación en la plaza San Martín, acompañados de originales instrumentos: unos de construcción propia como el «berna-beé», otros utilizando cualquier objeto cotidiano, desde cucharas a orinales, pasando por los útiles propios del campo, sin dejar de utilizar escobas, cazuelas, morteros, trillos, horcas, vasos, huesos, etcétera. La extensión de Titirimundi en Madrid contempla un total de 64 actuaciones que se programan en 14 localidades de la Comunidad y en la capital, en lugares singulares como la Plaza de Oriente, el Reina Sofía, la Corrala de Lavapiés, o en espacios cerrados, La Casa Encendida, el Círculo de Bellas Artes, la Sala Pradillo o la Universidad Complutense.

José Gabriel Antuñano
(texto íntegro de ABCD, suplemento cultural de ABC)

I PREMIO INTERNACIONAL DE TEATRO PARA AUTORES NOVELES "AGUSTÍN GONZÁLEZ"

2008-05-05T20:47:00.002+02:00

“Desde este solitario andén, donde me ha descarrilado el corazón hace unos días, te escribo cielo arriba por si puedes leerme. Me pregunto a estas horas:¿Cómo estarán los ánimos del genio? Te imagino estrenando ese nuevo escenario con chaqueta cruzada y corbata de lazo. Te supongo enredado en discusiones nuevas o tronando a los truenos tu tristeza, tu entrañable desazón por tantas cosas. Decirte, que en este Madrid nuestro, el cine fundió a negro el domingo dieciséis hacia las once y el teatro echó telón precipitado, al quedarse sus gentes sin voz y sin palabras. El lunes, de mañana, un frente de cariño barrió de sur a norte las aceras, con intervalos de lágrimas, aplausos y recuerdos por la Puerta del Sol y sus alrededores. Luego fue quedando el vacío rodando por las horas, la amarga sensación de tu mutis sin más inesperado.
Nos han robado charlas frente a cafés y vinos hablando de los hombres y su historia, aprendiendo contigo de flamenco y de toros, descubriendo poemas de poetas malditos. Recuerdo tu doble carraspeo entre una frase y otra, tu gesto ladeado, tu asombro divertido.
Habremos de encontrarnos en un lugar cualquiera donde poder hablar y ser amigos y buscar funciones de teatro del grande, de Pinter, Pirandello, teatro con mayúsculas, que decías tu siempre, tu siempre con mayúsculas actor, con mayúsculas, ahora, para ti, mi abrazo y mi hasta siempre.”
Escribí estas palabras aproximadamente una semana después de que como dijera el gran poeta Miguel Hernández “un empujón brutal” derribase a quién era mi amigo y uno de los mejores actores que han nacido en nuestro país. Fueron pasados unos días, despertando del efecto narcótico y de ensoñación de los golpes por sorpresa, de ese estado en el que parece que todo cuanto sucede a nuestro alrededor forma parte de una ficción sobrevenida, cuando pude empezar a respirar el dolor de la perdida y tratar de expresarlo en la forma en que desde niño me he sentido más cómodo: escribiendo.
Ahora, pasados ya tres años, es cuando he decidido llevar a cabo lo que, desde aquel momento, supe que haría, promover algo que permitiese que en este país, tan proclive a la memoria escasa, el nombre y la figura de Agustín permaneciesen en el recuerdo. Ese es el motivo fundamental de la creación de este certamen, y por ello me pareció lo más apropiado que la sustancia esencial del mismo fuese extraída de las horas de charlas con Agustín y de su preocupación por la búsqueda de autores capaces de escribir teatro de calidad. Espero que esta iniciativa ayude a incorporar nuevos creadores que merezcan alcanzar ese rango que de forma tan personal acuñó mi querido Agustín: “Autores con mayúsculas”

Luis Lorente

http://www.premiodeteatroagustingonzalez.com/

LES ÉPHÉMÈRES (Théâtre du Soleil)

2008-04-12T21:12:00.004+02:00

El Théâtre du Soleil renueva la narrativa teatral con su estreno en París de Les Éphémères, un impresionante drama de ocho horas dirigido por Arianne Mnouchkine

EL PAÍS. Babelia. Javier Vallejo. 12/abril/2008.
A mediodía, cincuenta minutos antes de que Les Éphémères comience, el graderío doble, de aire decimonónico, está a reventar: creí que esto sólo pasaba hoy en el fútbol. Tres personas acomodan a los rezagados. Una es Arianne Mnouchkine, directora del Théâtre du Soleil, que arrima el hombro como uno más. Tengo suerte: queda un escaño libre en la segunda fila de la grada oeste. El público se fotografía: eso tampoco lo había visto en un teatro. Éste bulle como un cine de barrio. El escenario, central, es el más largo y estrecho que haya visto jamás: con dar dos pasos, los espectadores de uno y otro lado nos encontraríamos en medio. En los extremos, hay dos portones con telones corredizos. Mnouchkine advierte: "Cuando se abran, entrará una corriente que en las primeras filas será insoportable. Les rogamos que acepten estas mantas". Mientras nos arropamos, comienza el espectáculo. Por el portón derecho, sobre una plataforma circular rodante, entran la verja y la puerta de una casita, con el cartel de "se vende". Detrás, viene una mujer. Se queda mirando el cartel melancólicamente, abre la puerta con llave y, al atravesarla, aparece otra plataforma con el salón, por el lado opuesto. Camina hasta allí. Se sienta. Un hombre joven ve el cartel y llama. Ella le abre, le hace pasar al salón, le ofrece ver el jardín. La puerta con el cartel desaparece por donde vino, el salón se desliza hasta ocupar su lugar y el jardín mencionado aparece por el lado opuesto. La propietaria y el comprador entran en él. Narro esta secuencia con detalle para que visualicen esas tres plataformas, deslizándose a ras de suelo en una dirección, con sus escenografías respectivas, y los actores atravesándolas limpiamente en dirección contraria. Es un travelling con todas las de la ley, resuelto sin pantalla, cámara ni gadget tecnológico alguno. Mnouchkine ha trasladado el lenguaje cinematográfico al teatro con una inventiva alucinante. Sólo por eso, este espectáculo vale lo que dura. Pero es que, además, nos tiene en vilo. Fíjense: no sabemos nada de la dueña de la casa ni del comprador, pero cuando su abogado le extiende un papel para que firme el compromiso de venta y ella se queda pensativa, deseamos profundamente que se eche atrás. Sin habernos puesto en antecedentes, Mnouchkine consigue que nos pongamos en el pellejo de quien parece estar vendiendo a su pesar, empujada quién sabe por qué giro de la fortuna. Y en cuanto la mujer firma, todo y todos se esfuman, entran personajes nuevos en sus platós rodantes, y comienza otra historia.

En Les Éphémères (Los efímeros) hay una docena de historias que se entrecruzan, se interrumpen, reaparecen y confluyen. Alguna vale por sí sola el espectáculo entero.

(seguir leyendo el artículo)

RADICALS LLIURE 2008

2008-04-07T00:27:00.002+02:00

Segona edició del cicle Radicals Lliure, una finestra a propostes escèniques de diversos formats que sovint no tenen la possibilitat de ser mostrats a un públic ampli, presentades des de la vocació d'obrir espais per als creadors d'avui i de proposar noves formes per a les ments més obertes.A més, amb els Radicals Lliure continuem la tasca de facilitar un espai de trobada entre elscreadors i els professionals del sector i fomentar el debat al voltant de les arts escèniques. Per aquest motiu, el cicle es tancarà l’últim cap de setmana amb el Radicals Weekend: una mostra per a professionals on convidem programadors nacionals i internacionals a participar en aquest espai d’intercanvi.

domini públic roger bernat / f.f.f. 10, 13, 19 i 24 d'abril - 3 i 4 de maig

trigger maria stamenkovic - guillaume marie 11, 12, 13 i 17 d'abril - 1 i 2 de maig

el rei de la soledat xavi bobés / playground 12 i 20 d'abril - 3 de maig

protégeme, instrúyeme 1.1 marta galán 17, 18, 19 i 27 d'abril - 2 i 4 de maig

duques de bergara unplugged sergi fäustino 18, 19 i 20 d'abril - 3 i 4 de maig

brindis per zoé joan baixas – agustí fernández 24, 25, 26 i 27 d'abril - 1 i 2 de maig

beautiful me stephanie tiersch - maria stamenkovic / mouvoir 25 i 26 d'abril

cargo sofia-barcelona stefan kaegi / rimini protokoll 25, 26, 28, 29, 30 d'abril i 2, 3, 5, 6 i 7 de maig

el caso del espectador maría jerez 1, 2 i 3 de maig

el año de ricardo angélica lidell / atra bilis 2 i 3 de maig

arrojad mis cenizas sobre mickey rodrigo garcia 3 i 4 de maig

f.r.a.n.z.p.e.t.e.r. sergi fäustino 4 de maig

NOMINACIONS ALS PREMIS ABRIL 2008

2008-04-06T15:01:00.002+02:00

Els “Premis Abril” naixen des de l’estructura creada per les associacions professionals de les arts escèniques valencianes. Després de l’anunci de crear uns premis per als professionals del teatre i la dansa de la Comunitat Valenciana, emés el març de 2006, es pretén agrupar tots aquells que treballen en qualsevol sector o vessant de les arts escèniques, tant des d’àmbits artístics, com tècnics o de gestió.

La edició de 2008 dels Premis Abril de les Arts Escèniques presenta els seus finalistes. Prop de 80 persones i entitats opten a estos guardons, que seran decidits pels més de 600 professionals de la Comunitat Valenciana inscrits per a participar.
Fins el pròxim 17 d'abril es pot votar en les 23 categories en www.premisabril.com. En esta segona ronda els usuaris només podran votar una vegada a cada candidat o candidata.

El acte de lliurament dels Premis Abril sera el pròxim 21 d'abril en la sala Mirror de València (antiga sala Cormorán).

Aquests són els finalistes que pasen a la segona ronda de votacions:

MILLOR TEXT
Jerónimo Cornelles per REENCUENTROS
Patricia Pardo, Carlos García i Juli Disla per T'ESPERE BAIX
E. Federman, N. Caniglia, M. Kartun i C. Martínez Bel per GOSSES

MILLOR VERSIÓ O ADAPTACIÓ DE TEXT
Jerónimo Cornelles per GOSSES
Diego Braguinski per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Eva Zapico per MERTEUIL

MILLOR ACTOR
Pep Ricart per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Carles Sanjaime per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Sergio Caballero per LAS SIRVIENTAS

MILLOR ACTOR EN UN PAPER DE REPARTIMENT
Josep Manel Casany per GOSSES
Enric Juezas per T’ESPERE BAIX
Chema Cardeña per GOSSES

MILLOR ACTRIU
Carol Linuesa per REENCUENTROS
Laura Useletti per REENCUENTROS
Merce Tienda per MERTEUIL

MILLOR ACTRIU EN UN PAPER DE REPARTIMENT
Merce Tienda per KRAFT
Rosanna Espinós per T’ESPERE BAIX
Maria Poquet per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)

MILLOR BALLARÍ
Santi de la Fuente per TODO POR HACER
Toni Aparisi per MULADAR
Luis Meliá per MALAJES
Jesus Caramés per MULADAR
Iker Arrue per AMADA CANDELA

MILLOR BALLARINA
Cristina Fernández per MUERE-T
Geles Alonso per TRI.O
Eva Bertomeu per TEMPS FUGIT

MILLOR VESTUARI
Fusión per EFEKTOS
Pacual Peris per AMADA CANDELA
Miguel Carbonell i Maria Almudéver per MUERE-T
Libertad Correas per MERTEUIL

MILLOR IL.LUMINACIÓ
Víctor Antón per EFEKTOS
Víctor Anton per MUERE-T
Ximo Rojo per MULADAR

MILLOR ESPAI ESCÈNIC
Assad Kassab per L’INFERN DE MARTA
Toni Aparisi per MULADAR
Leo Burcaizea per MERTEUIL

MILLOR MÚSICA ORIGINAL O ESPAI SONOR
Jesús Serrano per EFEKTOS
Jesús Serrano per MERTEUIL
Daniel Flors i Jesús S. Chapi per MULADAR

MILLOR IMATGE GRÀFICA
Assad Kassab per EFEKTOS
Estudi Paco Bascuñan per KRAFT
Eusebio López per MERTEUIL

MILLOR DIRECCIÓ ESCÈNICA DE DANSA
Yoshua Cienfuegos per AMADA CANDELA
Isabel Pérez per EFEKTOS
Cristina Andreu per MALAJES

MILLOR DIRECCIÓ ESCÈNICA DE TEATRE
Jerónimo Cornelles per REENCUENTROS
Gemma Miralles per L’INFERN DE MARTA
Chema Cardeña i Toni Aparisi per MULADAR
Carles Sanjaime per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Laura Useleti per GOSSES

MILLOR COREOGRAFIA
Isabel Pérez per EFEKTOS
Cristina Andreu per MALAJES
Cristina Fernández per MUERE-T

MILLOR EMPRESA PRODUCTORA
Copia Izquierda + VEO per MERTEUIL
Bambalina per KRAFT
Bramant Teatre per REENCUENTROS

MILLOR SALA DE LA COMUNITAT VALENCIANA
TEATRE MUNICIPAL de Picassent
TAMA d’Aldaia
SALA L’HORTA (Castellar)

MILLOR ESPECTACLE DE TEATRE DE CARRER
SCURAPLATS per FACTUM FLAMMA
VISITANTS per PARADEFOCPARADE

MILLOR ESPECTACLE PER A XIQUETS I XIQUETES
L’Horta Teatre per ELS CALCETINS PERDUTS
El Acróbata Producciones / L'Excentric Teatre per NOCHE DE FUNCIÓN
TdJ Producciones per NATATXA

MILLOR ESPECTACLE DE TEATRE DE SALA
Bramant Teatre per REENCUENTROS
Copia Izquierda + Veo per MERTEUIL
Companyia Ornitorincs per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Albena Teatre per GOSSES

MILLOR ESPECTACLE DE DANSA
Krisis teatro per MUERE-T
Ballet Español Fusión per EFEKTOS
La Sonrisa de Caín per MALAJES

LA TRISTEZA DEL TEATRO (Julio A. Máñez)

2008-04-06T14:51:00.001+02:00

JULIO A. MÁÑEZ, El país, 03/04/2008

Una de las víctimas de la cultura de escaparate que con tanto afán practica el Gobierno de Francisco Camps es la escena teatral valenciana, que proporciona una especie de encefalograma plano desde hace ya bastante tiempo. Las causas de una situación que cabe calificar de dramática son variadas, pero da la casualidad de que se apoyan unas a otras para ir consumando el desastre. Está por hacer en detalle la historia del teatro público valenciano desde 1987, fecha de la puesta en marcha del Centre Dramàtic de la Generalitat, hasta nuestros días, pero hay que constatar que aquel primer paso tuvo su importancia y colocó a esta comunidad en el mapa escénico español, a menudo pese a la actitud de una profesión autóctona que tomó desde el principio aquel organismo como una simple ventanilla de reclamaciones en la que solicitar el pago por no se sabe bien qué servicios prestados. Unos lo consiguieron y otros no, pero la enemiga fue constante desde los tiempos de Antonio Diaz Zamora como director hasta el final del mandato de Antoni Tordera, hasta el punto de que compañías teatrales de segunda o tercera fila exigían su programación en el Principal de Valencia en cada celebración del Día Mundial del Teatro, un día, por cierto, que este año ha pasado por aquí como de puntillas, tan escaso es lo que hay que celebrar.
Sería un error subsumir esa desidia en la crisis general que desde siempre afectaría al teatro, ya que basta con echar una mirada a la programación en ciudades como Madrid, Barcelona, Bilbao o Sevilla, y al creciente número de espectadores que cosechan, para relativizar la crisis o al menos para contextualizarla geográficamente. Al contrario, todo indica que una programación arriesgada sin mengua de la sensatez contribuye al crecimiento de la asistencia a los teatros, debido tal vez a que el espectador empieza a fatigarse de los a menudo deleznables entretenimientos que vomitan las televisiones. Por extraño que les parezca a algunos, lo interactivo no reposa siempre sobre un soporte digital, de modo que aumenta el número de personas que prefieren asistir desde la oscuridad de la fila de butacas a la respiración, el sudor y el movimiento de los actores sobre un escenario en vivo y en directo.
El teatro es uno de los espectáculos más emotivos cuando la obra -las obras- funciona bien, pero uno de los más detestables y tediosos cuando el espectador, presa de la vergüenza ajena, termina por mirar al techo antes de seguir viendo lo que ocurre ante sus ojos. Rara vez una película produce tanto gozo o tanto espanto como una obra teatral. Y no se trata de repetir una colección de tópicos, ya que sólo el teatro transmite la sensación de que sus creadores se dirigen directamente a cada uno de los espectadores y el cine no es al fin y al cabo más que un sortilegio de la luz. El desdén hacia observaciones tan básicas está llevando a nuestro teatro a la ruina, de la mano de autores dotados de la imaginación propia de la peor televisión, de intérpretes que no saben colocar la voz ni para que se entienda lo que dicen, por no hablar de que rara vez saben qué hacer en escena con su cuerpo, y de directores, en fin, lastrados por una pulcra desidia o arruinados por una incomprensible megalomanía. Curiosamente, lo que ha mejorado mucho, incluso en los trabajos más mediocres, es la iluminación. Un misterio que habrá que descifrar otro día.

CATCH D'IMPRO

2008-04-03T23:27:00.001+02:00

CATCH IMPRO

un ring
un combate
dos parejas improvisan
un árbitro... arbitra
y el público decide con sus votos quién gana cada asalto
3... 2... 1... ¡IMPRO!

Teatro Instantáneo presenta un espectacular combate de improvisación teatral.
Un formato que une el teatro de humor con el deporte. En el que el
público tiene un papel fundamental ayudando a crear los asaltos a
través de sus sugerencias y decidiendo quién es el ganador del combate.
Contará con la participación especial de miembros de Impromadrid.

domingo 6 de abril
a las 19:00h
en el Loco
C/ Erudito Orellana, 12
www.lococlub.org

Venta anticipada:
‘El Mercado de la Pulga’
[Frente Mercado Central]
c/ San Fernando, 22

CANDIDATURAS A LOS PREMIS DE LES ARTS ESCÉNIQUES

2008-03-29T15:17:00.003+01:00

Ayer se comunicaron las candidaturas a los Premis de les Arts Escéniques. Como Teatres -siempre tan atrasados- no han publicado en su página todavía esta información, la recorto y la pego desde el periódico digital Panorama-Actual.es

Los artistas Pepe Miravete y Gretel Stuyck fueron los encargados de anunciar los nombres de los candidatos a los Premis de les Arts Escèniques 2008 en un acto en el que estuvieron acompañados por la directora general de Teatres de la Generalitat, Inmaculada Gil-Lázaro.

El galardón al mejor espectáculo de teatro se lo disputarán entre los montajes
´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´ de Ornitorrincs; ´Gosses/Perras´ de Albena Teatre, y ´Antígona 18100-7´ de Carme Teatre mientras que por la distinción al mejor espectáculo de danza los seleccionados son ´Muere-t´ de Krisis Teatro Danza/Teatre de L´Ull; ´Amada Candela´ de Cienfuegos Danza/Centre Teatral Escalante, y ´Temps fugit´ de Bojnami Danza-Eva Bertomeu.
En cuanto a los intérpretes más destacados, Cristina Fernández y Maía Almudever por ´Muere-t´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´ lucharán por el premio a mejor bailarina y en categoría masculina lo harán Toni Aparisi por ´Muladar´, Ángel Figols por ´Laika´, Gustavo Ramírez por ´Tri.o´, Nicolás Massip por ´Jardí Tancat´ y Diego Arconada por ´Coming Together´.
El Premio ´Antonio Ferrandis´ al mejor actor se decidirá entre Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Chema Cardeña por ´Gosses/Perras´; y Martín Cases por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´
El galardón a la mejor actriz será para María José Peris por ´C´est la vie o como sobrevivir a Edith Piaf´; Amparo Fernández por ´Un sopar de compromis´, Paula Miralles por ´Antígona18100-7´ o Carol Linuesa por ´Reencuentros´.
Los nominados al Premio a la mejor composición musical son Panxo Barrera por ´Amada Candela´; Francisco Garnelo por ´Uhhhh!!´; Perico Sambeat, y Luis Tamarit y Mariló Tamarit por ´La Selva (LDC)´ y los del galardón de mejor vestuario María Almudever y Miguel Carbonell por ´Muere-t´; Pascual Peris por ´Amada Candela´; y Joan Miquel Reig por ´Joguets´.
Los candidatos al Premio ´Josep Solbes´ a la mejor iluminación son Víctor Antón por ´Muere-t´; Víctor Antón por ´La Selva (LDC)´, y Juan Sapiña por ´Joguets´ mientras que por el premio de mejor escenografía optan Assad Kassab Eppe por ´Muere-t´; Paco Azorín por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Fet d´Encarrec por ´Amada Candela´ y Josep Simón y Manuel Zuriaga por "Uhhhh!!".
El Premio al mejor actor o actriz de reparto recaerá en Manuel Ochoa por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Cesca Salazar por ´El sí de las niñas´ o Enric Juezas por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´.
Las mejores versiones, traducciones o adaptaciones han sido las de Jerónimo Cornelles por ´Gosses/Perras´; Diego Braguinsky por ´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´; y Aurelio Delgado por ´Antígona 18100-7´.
El Premio Max Aub al mejor texto se lo disputarán Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´; Martín Crespo y Cristina Fernández por ´Muere-t´ y Julio Martí Zahonero por ´Uhhhh!!´ y de la mejor dirección escénica, Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Muere-t´ y Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´.Finalmente, los candidatos a hacerse con el Premio a la mejor dirección coreográfica son Cristina Fernández por ´Muere-t´; Yoshua Cienfuegos por ´Amada Candela´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´.
El mejor espectáculo infantil saldrá de la terna integrada por ´Kraft´ de Bambalina; ´Joguets´ de Magic 6 y ´La increíble historia de Mollie Malone´ de Anem Anant.

El mismo día de la gala de entrega de premios se dará a conocer el Premio Pedro del Río, que reconoce a toda una trayectoria profesional. La directora de TGV, Inmaculada Gil-Lázaro, dio la enhorabuena a los candidatos y aseguró que todos los nominados son "merecedores" de los premios. Asimismo, Gil-Lázaro indicó que todos los candidatos "se llevan el reconocimiento y el cariño" de la Generalitat y manifestó su deseo de seguir trabajando para "construir una danza y un teatro del que nos sintamos muy orgullosos".

REVISTA DIGITAL DE LA ESCENA 2007

2008-03-27T17:47:00.003+01:00

Como todos los años, el Centro de Documentación Teatral, ha editado la Revista Digital de la Escena. Y mi incombustible amiga Ana, me envía la imagen y el enlace.

No se me ha ocurrido mejor forma de celebrar el Día Internacional del Teatro.

En esta Revista Digital puedes echar un vistazo a los grandes estrenos del año pasado (puedes incluso ver en video algunos retales de las obras), las cifras de los escenarios de Madrid y Barcelona (para darnos cuenta de lo lejos que estamos), entrevistas con personajes de todos los estratos teatrales: directores, dramaturgas, programadores, actrices,... y los datos sobre Festivales y Premios Teatrales del último año.

Espero que la disfrutes tanto como yo.

(Gracias, Ana. Un beso fuerte)

MENSAJE DEL DIA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008 (Robert Lepage)

2008-03-22T19:02:00.005+01:00

El Día Mundial del Teatro se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). El Día Mundial del Teatro se celebra anualmente el 27 de marzo por los centros ITI y la comunidad teatral internacional. Se organizan diversos eventos nacionales e internacionales para señalar la ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional, tradicionalmente escrito por una personalidad del teatro de talla mundial.

MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008

Existen varias hipótesis sobre los orígenes del teatro, pero la que más me ha llamado la atención tiene forma de fábula:

Una noche, en el origen de los tiempos, un grupo de hombres se reunieron en una cantera para calentarse alrededor de un fuego y contarse historias. De repente, uno de ellos tuvo la idea de levantarse y utilizar su sombra para ilustrar su relato. Ayudándose de la luz de las llamas, hizo aparecer en los muros de la cantera personajes más grandes de lo normal. Los demás, fascinados, fueron reconociendo uno a uno, al fuerte y al débil, al opresor y al oprimido, al dios y al mortal.

Hoy en día, la luz de los proyectores ha reemplazado al fuego original, y la maquinaria de escena, a los muros de la cantera. Y, con el debido respeto a ciertos puristas, esta fábula nos recuerda que la tecnología está en el mismo origen del teatro y que no debe ser percibida como una amenaza, sino como un elemento aglutinador.

La supervivencia del arte teatral depende de su capacidad para reinventarse, asimilando nuevos utensilios y nuevos lenguajes. Si no, ¿cómo podría continuar siendo el teatro testigo de los grandes acontecimientos de su época y promover el entendimiento entre los pueblos si no diese pruebas de apertura? ¿Cómo podría jactarse de ofrecer soluciones a los problemas de intolerancia, exclusión y racismo, si en su misma práctica rechazase cualquier mestizaje o integración?

Para representar el mundo en toda su complejidad, el artista debe proponer formas e ideas innovadoras y tener confianza en la inteligencia del espectador que es capaz de distinguir la silueta de la humanidad en medio del perpetuo juego de luz y sombras.

Es cierto que de tanto jugar con el fuego, el hombre corre el riesgo de quemarse, pero por otra parte, también tiene la suerte de poder deslumbrar e iluminar.

Robert Lepage.

PUNCH-DRUNK: TEATRO DE INMERSIÓN

2008-03-16T13:54:00.003+01:00

(artículo publicado en El País Babelia, el 15 de marzo de 2008)
Marcos Ordóñez

Son "lo último de lo último" del teatro británico. Felix Barret (director artístico), Maxine Doyle (coreógrafa), Robin Harvey (diseñador de espectáculos) y Colin Marsh (productor) se conocieron en la escuela de Arte Dramático de Exeter, al suroeste de Inglaterra, y crearon PunchDrunk. Sus espectáculos han sido definidos como "teatro físico" porque están a caballo entre la danza, la performance y la instalación, aunque también hay texto. Ellos los llaman "teatro de inmersión" o "asalto a los sentidos". PunchDrunk elige espacios desiertos o abandonados y trabaja con un sentido cinematográfico del detalle y la atmósfera para sumergir al público en el universo de cada montaje. Se trata, dice Felix Barret, de "volver a jugar como niños, redescubrir el sentido de la anticipación, explorar lo desconocido con espíritu de aventura". Comenzaron en 1999 con ocupaciones puntuales en función única. Tenías que llamar a un número de teléfono, te citaban y te conducían a un lugar desconocido. Su debut fue una versión radical y concentrada de El jardín de los cerezos en una vieja mansión de Pennsylvania Road, en Exeter. Al año siguiente fusionaron Edipo Rey y Antígona, que ofrecieron, bajo el título de The House of Oedipus, en un inmenso jardín victoriano de Pinhoe (Devon): otra casa en ruinas, Poltimore House, cubierta por la hiedra, era el palacio del rey ciego de Tebas. ¿Cómo consiguen los permisos, en la reglamentadísima Inglaterra, para trabajar en lugares públicos que pueden venirse abajo en cualquier momento? Misterio. También hay golpes de suerte: un millonario, Arne Maynard, vio The House of Oedipus y en 2002 les encargó montar Midsummer Night Dream para una fiesta de verano en su casa de Parsons Drove, en Norfolk. En diciembre de 2003 pegaron el salto a Londres, y a lo grande: una escuela del siglo XIX -el Beaufoy Building, en Kennington- acogió Sleep No More, una versión de Macbeth con estética de película de Hitchcock de los años treinta: 14 actores y bailarines, música en directo y cantantes de jazz, todo ello al servicio de una narrativa onírica y atomizada. Sleep No More fue su lanzamiento en la capital inglesa. En 2004, nuevo espacio y nuevo éxito, esta vez por partida doble: en la planta baja de una destilería, The Old Seager, en Deptford, en el East End, Ariel guiaba a los espectadores como si fueran la tripulación del barco naufragado de The Tempest; en la planta superior podían ver Chair, un homenaje al mundo de Ionesco a partir de la vieja pareja protagonista de Las sillas. En octubre de 2006, el National Theater coprodujo Faust, el proyecto más ambicioso de PunchDrunk, que agotó entradas durante tres meses y hubo de prorrogarse hasta marzo. El boca a oreja fue velocísimo. La cita era en una fábrica de azúcar de cinco pisos, en el 21 de Wapping Lane (East End, en Tobacco Dock). Un miembro de PunchDrunk reparte máscaras como las que usaban los invitados a la misteriosa fiesta de Eyes Wide Shut, de Kubrick. Los espectadores suben en un montacargas. En cada planta bajan seis. El espectáculo dura tres horas, en dos ciclos de noventa minutos. De la oscuridad brotan deslumbrantes escenarios oníricos. El laboratorio del viejo Fausto, y un campo de maíz con un siniestro espantapájaros en el centro, y la calle principal de una pequeña ciudad americana. Farolas solitarias, tiendas abiertas pero vacías. Ecos de Stephen King, de Lynch, de Edward Hopper. Un cine, The Temple, donde proyectan Sed de mal, de Welles. Un diner, en el que Mefisto es un camarero que sirve la poción rejuvenecedora. Y, al final, un motel solitario. En una habitación se encuentran por primera vez Fausto y Gretchen; en la siguiente, un grupo de máscaras rodea a la muchacha abandonada, que arrastra a su cama a un espectador y llora en sus brazos. No hay continuidad narrativa, como si todo pasara en tiempos alternos. La noche de Walpurgis tiene lugar en un club nocturno, donde se agita un grupo de adolescentes enfebrecidas, y el infierno de Mefisto está en el sótano, un honky tonk del profundísimo Sur.
No es teatro, no es danza, no es cine, no es un sueño y es todo a la vez: es PunchDrunk.
¿Quién se anima a montar aquí una aventura similar?

EL VENENO DEL TEATRO (Rodolf Sirera)

2008-03-02T11:52:00.004+01:00

El teatro era -es- como una droga, como una especie de veneno, contra el cual no hay antídoto. Pero lo perverso atrae sobre la virtuoso. ¿Y qué cosa resulta más perversa en el teatro que el hecho mismo del teatro, la ficción, no de la historia imaginada, sino sencillamente el acto de fingir ante el espectador, aquí y ahora? Por ello, en mi teatro, sobre unas cuarenta obras de todos los estilos y dimensiones, planea, a nivel temático, esta obsesión por el juego dramático, sus límites y reglas, los distintos puntos de vista de sus oficiantes, su magia y también sus miserias. Espejos, siempre espejos, una puerta que da paso a otra puerta: cajitas cuidadosamente embutidas una dentro de otra, y otra más, hasta llegar al último volumen, o, quizá, la nada.
He escrito, pues, a lo largo de los años, obras que eran representaciones de representaciones; biografías dramáticas de actores imaginarios; números de destreza para espectáculos de cabaret en los que se violaba todo tipo de convenciones; piezas irrepresentables que ponían en duda la existencia del espectador, o su ubicación en el espacio; obras mágicas en las que el protagonista principal era el propio teatro vacío, los monstruos oscuros que habitan sus entrañas. De un modo u otro, el tema es siempre el mismo: la seducción de lo perverso. Fingir, mentir, vivir. Sólo la muerte es la única verdad. Sólo la muerte impone límite. Y únicamente en el teatro los muertos resucitan. Únicamente en el teatro la muerte, la verdad objetiva, resulta traicionada.

Rodolf Sirera

HAN VUELTO

2008-02-26T23:13:00.003+01:00

Com a pedres és una reflexió sobre el pas del temps i la memòria que mescla realitat i ficció i que juga amb el temps real, el temps de la memòria i el de la pròpia representació.
Tres actors comparteixen el seu particular àlbum de fotografies on l'espectador es veu reflexat. L'evocació d'un passat amb l'ajuda d'imatges i un espai acollidor que recull estètiques dels últims trenta anys és l'habitat intern i lúdic d'aquestes tres personatges.

¡¡QUE LE CORTEN LA CABEZA!!

2008-02-24T21:24:00.002+01:00

El próximo miércoles 27 de febrero a las 13'00 h. en la sede de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) de Valencia podréis ver el espectáculo "Que le corten la cabeza!" de la compañía de danza-teatro La Siamesa Tuerta.

Un montaje ideado, dirigido y maravillosamente interpretado por Ángela Verdugo. Le acompaña Ángel Figols. La dramaturgia es de Lola López.

"Tratamos de narrar la relación entre una niña y un adulto, Alicia Liddell y Lewis Carrol, realizando un recorrido por los momentos que ellos compartieron, con la libertad de la inocencia, evitando el juicio y la moral aprendidos, creando para ello su propio espacio imaginario y buscando ser ellos mismos. Mediante juegos parodiaban e intentaban entender algo que les parecía harto absurdo: el rígido y formal comportamiento de los mayores. Mostramos también el conflicto de una niña muy adulta que ama a un hombre sin saber lo
que esto supone y un adulto que ama a una niña como respuesta a su propio rechazo al crecimiento, ya que Lewis intentaba insistentemente capturar un período caduco, la infancia, donde según él, el ser todavía es puro e inocente y está pues más cercano a la imaginación del poeta."

¡¡QUÉ LASTIMA!!

2008-02-24T18:28:00.002+01:00

Las obsesiones de Sarah Kane
El teatro como revulsivo. La fuerza de la palabra para tocar las fibras sensibles. Así se presenta en el Festival VEO la obra Ansia, escrita por la siempre ácida autora británica Sarah Kane y dirigida, en esta ocasión, por Xavier Puchades. Se trata de una de las dos producciones propias que la sexta edición de Valencia Escena Oberta presenta como novedad de apoyo a los creadores más vanguardistas.
Para muchos críticos, el teatro de Sarah Kane tiene la capacidad de molestar, desesperar, movilizar hasta lo insoportable. Suicidio, soledad, desamor, crueldad, dolor, temas que la británica ha explotado en su trabajo. Y la traducción del título para el montaje de Puchades expresa mucho de ello. "Ansia puede no ser una traducción del todo correcta", admite el director. Pero explica:"Ansia es morirse por algo, y aunque no habría optado por un título así, claro, unas de las cosas que plantea el texto es precisamente eso, como una malévola inversión de la eterna pregunta sobre el sentido de la vida".
"Esta obra responde a mi idea de teatro como medio de plantear preguntas que nunca nos hacemos o que, tal y como las formulamos, creemos conocer respuestas con las que sentirnos cómodos. Le pido al teatro algo de trascendencia, y esta obra tiene ese algo que esperamos poder transmitir", declara Puchades. Durante un tiempo largo, él ha venido rondando la idea de montar este proyecto escénico que contiene, dice, dos características substanciales: reinventa el llamado teatro de la palabra y explora un "género prácticamente olvidado o tan pésimamente actualizado como es el de la tragedia".
Si bien el texto de Kane muestra rasgos de poema, para Puchades resulta "inútil recitarlo como tal, hacer una lectura dramatizada o emitirlo radiofónicamente". En otras palabras: "la obra requiere la fisicidad del que habla y del que escucha". Los cuatro personajes –que en otros montajes del texto fueron ubicados en sillas— están aquí durante toda la representación de pie. "Quería que anduviesen por el espacio progresivamente, intentando desarrollar paralelamente una dramaturgia sonora, emocional y física", señala Puchades. Eso sí, la ilustración, fuera. "El objetivo es que el espectador dibuje en el actor los gestos y las miradas que éste no muestra o que distorsiona a través de falsas pistas de relación con el resto de personajes".
La elección de la sala de la calle Gutemberg, donde se representa la obra, guarda una justificación concreta. Aquí nada es casualidad. "Siempre soñábamos con un espacio industrial que, al final, se convirtió en un viejo taller de curtidos que posee algunos de los rasgos que buscábamos". Puchades describe: posee la pátina y la superficie suficiente para construir una inesperada platea destruida, como las ruinas de un teatro griego o romano, pero con butacas de los años 70.
(tomado del dossier de prensa de la Fundación VEO)

Le decía a unas amigas que participan en este espectáculo: "¡Qué lástima que estos espectáculos no tengan continuidad en el circuito habitual de nuestras salas! ¡Qué lástima que tengamos que estar viendo obras mediocres o estándares!" Esperamos que alguna sala o estamento quiera seguir programando este montaje que, por cierto, llenó en las sesiones oficiales y en las varias premieres con público que se hicieron. A ver si los de producción se lo curran.

P.D. Ayer estuve viendo el espantáculo El rei de la soledat. Era absolutamente deplorable. Con algunos hallazgos visuales interesantes pero carente de ritmo y de sorpresa. Me aburrí soberanamente a partir del minuto 12. A la salida coincidíamos bastante gente: expertos y profanos. ¡Qué lástima!