EL CASO DEL ESPECTADOR (Teatro de los Manantiales)

El caso del espectador

María Jerez

Con este trabajo quiero poner en cuestión el punto de vista del espectador a través de la utilización de un dispositivo que me permite fragmentar la realidad de lo que se está viendo; así como el poder que la representación, la ficción y el virtuosismo tienen sobre nuestros mecanismos de percepción.

A través del uso de la cámara se plantean dos realidades que transcurren paralelamente y que no establecen algo absoluto sino que fragmentan la realidad en una situación escénica y una situación cinematográfica proponiendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos que transcurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infinito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Profundizando, así, en el estudio del lenguaje coreográfico, cinematográfico y teatral y en el cuestionamiento de los roles adquiridos como espectador y de las convenciones del cine y del teatro.

El dispositivo creado consiste básicamente en un sillón (de espaldas al espectador), una televisión y una cámara que manejo desde el propio sillón para crear la película, de la cual, yo misma, soy espectadora.

Gracias a la disociación de mi cuerpo puedo plantear dobles acciones, dobles imágenes que me permiten proponer, en directo, dos tiempos narrativos simultáneos: el escénico y el cinematográfico que vemos en la tele. El poder de la ficción y el virtuosismo de la realización ponen al espectador en una situación de distancia e implicación de la cual entra y sale intermitentemente.

PUNCH-DRUNK: TEATRO DE INMERSIÓN

(artículo publicado en El País Babelia, el 15 de marzo de 2008)
Marcos Ordóñez

Son "lo último de lo último" del teatro británico. Felix Barret (director artístico), Maxine Doyle (coreógrafa), Robin Harvey (diseñador de espectáculos) y Colin Marsh (productor) se conocieron en la escuela de Arte Dramático de Exeter, al suroeste de Inglaterra, y crearon PunchDrunk. Sus espectáculos han sido definidos como "teatro físico" porque están a caballo entre la danza, la performance y la instalación, aunque también hay texto. Ellos los llaman "teatro de inmersión" o "asalto a los sentidos". PunchDrunk elige espacios desiertos o abandonados y trabaja con un sentido cinematográfico del detalle y la atmósfera para sumergir al público en el universo de cada montaje. Se trata, dice Felix Barret, de "volver a jugar como niños, redescubrir el sentido de la anticipación, explorar lo desconocido con espíritu de aventura". Comenzaron en 1999 con ocupaciones puntuales en función única. Tenías que llamar a un número de teléfono, te citaban y te conducían a un lugar desconocido. Su debut fue una versión radical y concentrada de El jardín de los cerezos en una vieja mansión de Pennsylvania Road, en Exeter. Al año siguiente fusionaron Edipo Rey y Antígona, que ofrecieron, bajo el título de The House of Oedipus, en un inmenso jardín victoriano de Pinhoe (Devon): otra casa en ruinas, Poltimore House, cubierta por la hiedra, era el palacio del rey ciego de Tebas. ¿Cómo consiguen los permisos, en la reglamentadísima Inglaterra, para trabajar en lugares públicos que pueden venirse abajo en cualquier momento? Misterio. También hay golpes de suerte: un millonario, Arne Maynard, vio The House of Oedipus y en 2002 les encargó montar Midsummer Night Dream para una fiesta de verano en su casa de Parsons Drove, en Norfolk. En diciembre de 2003 pegaron el salto a Londres, y a lo grande: una escuela del siglo XIX -el Beaufoy Building, en Kennington- acogió Sleep No More, una versión de Macbeth con estética de película de Hitchcock de los años treinta: 14 actores y bailarines, música en directo y cantantes de jazz, todo ello al servicio de una narrativa onírica y atomizada. Sleep No More fue su lanzamiento en la capital inglesa. En 2004, nuevo espacio y nuevo éxito, esta vez por partida doble: en la planta baja de una destilería, The Old Seager, en Deptford, en el East End, Ariel guiaba a los espectadores como si fueran la tripulación del barco naufragado de The Tempest; en la planta superior podían ver Chair, un homenaje al mundo de Ionesco a partir de la vieja pareja protagonista de Las sillas. En octubre de 2006, el National Theater coprodujo Faust, el proyecto más ambicioso de PunchDrunk, que agotó entradas durante tres meses y hubo de prorrogarse hasta marzo. El boca a oreja fue velocísimo. La cita era en una fábrica de azúcar de cinco pisos, en el 21 de Wapping Lane (East End, en Tobacco Dock). Un miembro de PunchDrunk reparte máscaras como las que usaban los invitados a la misteriosa fiesta de Eyes Wide Shut, de Kubrick. Los espectadores suben en un montacargas. En cada planta bajan seis. El espectáculo dura tres horas, en dos ciclos de noventa minutos. De la oscuridad brotan deslumbrantes escenarios oníricos. El laboratorio del viejo Fausto, y un campo de maíz con un siniestro espantapájaros en el centro, y la calle principal de una pequeña ciudad americana. Farolas solitarias, tiendas abiertas pero vacías. Ecos de Stephen King, de Lynch, de Edward Hopper. Un cine, The Temple, donde proyectan Sed de mal, de Welles. Un diner, en el que Mefisto es un camarero que sirve la poción rejuvenecedora. Y, al final, un motel solitario. En una habitación se encuentran por primera vez Fausto y Gretchen; en la siguiente, un grupo de máscaras rodea a la muchacha abandonada, que arrastra a su cama a un espectador y llora en sus brazos. No hay continuidad narrativa, como si todo pasara en tiempos alternos. La noche de Walpurgis tiene lugar en un club nocturno, donde se agita un grupo de adolescentes enfebrecidas, y el infierno de Mefisto está en el sótano, un honky tonk del profundísimo Sur.
No es teatro, no es danza, no es cine, no es un sueño y es todo a la vez: es PunchDrunk.
¿Quién se anima a montar aquí una aventura similar?

HAN VUELTO

Com a pedres és una reflexió sobre el pas del temps i la memòria que mescla realitat i ficció i que juga amb el temps real, el temps de la memòria i el de la pròpia representació.
Tres actors comparteixen el seu particular àlbum de fotografies on l'espectador es veu reflexat. L'evocació d'un passat amb l'ajuda d'imatges i un espai acollidor que recull estètiques dels últims trenta anys és l'habitat intern i lúdic d'aquestes tres personatges.

¡¡QUÉ LASTIMA!!

Las obsesiones de Sarah Kane
El teatro como revulsivo. La fuerza de la palabra para tocar las fibras sensibles. Así se presenta en el Festival VEO la obra Ansia, escrita por la siempre ácida autora británica Sarah Kane y dirigida, en esta ocasión, por Xavier Puchades. Se trata de una de las dos producciones propias que la sexta edición de Valencia Escena Oberta presenta como novedad de apoyo a los creadores más vanguardistas.
Para muchos críticos, el teatro de Sarah Kane tiene la capacidad de molestar, desesperar, movilizar hasta lo insoportable. Suicidio, soledad, desamor, crueldad, dolor, temas que la británica ha explotado en su trabajo. Y la traducción del título para el montaje de Puchades expresa mucho de ello. "Ansia puede no ser una traducción del todo correcta", admite el director. Pero explica:"Ansia es morirse por algo, y aunque no habría optado por un título así, claro, unas de las cosas que plantea el texto es precisamente eso, como una malévola inversión de la eterna pregunta sobre el sentido de la vida".
"Esta obra responde a mi idea de teatro como medio de plantear preguntas que nunca nos hacemos o que, tal y como las formulamos, creemos conocer respuestas con las que sentirnos cómodos. Le pido al teatro algo de trascendencia, y esta obra tiene ese algo que esperamos poder transmitir", declara Puchades. Durante un tiempo largo, él ha venido rondando la idea de montar este proyecto escénico que contiene, dice, dos características substanciales: reinventa el llamado teatro de la palabra y explora un "género prácticamente olvidado o tan pésimamente actualizado como es el de la tragedia".
Si bien el texto de Kane muestra rasgos de poema, para Puchades resulta "inútil recitarlo como tal, hacer una lectura dramatizada o emitirlo radiofónicamente". En otras palabras: "la obra requiere la fisicidad del que habla y del que escucha". Los cuatro personajes –que en otros montajes del texto fueron ubicados en sillas— están aquí durante toda la representación de pie. "Quería que anduviesen por el espacio progresivamente, intentando desarrollar paralelamente una dramaturgia sonora, emocional y física", señala Puchades. Eso sí, la ilustración, fuera. "El objetivo es que el espectador dibuje en el actor los gestos y las miradas que éste no muestra o que distorsiona a través de falsas pistas de relación con el resto de personajes".
La elección de la sala de la calle Gutemberg, donde se representa la obra, guarda una justificación concreta. Aquí nada es casualidad. "Siempre soñábamos con un espacio industrial que, al final, se convirtió en un viejo taller de curtidos que posee algunos de los rasgos que buscábamos". Puchades describe: posee la pátina y la superficie suficiente para construir una inesperada platea destruida, como las ruinas de un teatro griego o romano, pero con butacas de los años 70.
(tomado del dossier de prensa de la Fundación VEO)

Le decía a unas amigas que participan en este espectáculo: "¡Qué lástima que estos espectáculos no tengan continuidad en el circuito habitual de nuestras salas! ¡Qué lástima que tengamos que estar viendo obras mediocres o estándares!" Esperamos que alguna sala o estamento quiera seguir programando este montaje que, por cierto, llenó en las sesiones oficiales y en las varias premieres con público que se hicieron. A ver si los de producción se lo curran.

P.D. Ayer estuve viendo el espantáculo El rei de la soledat. Era absolutamente deplorable. Con algunos hallazgos visuales interesantes pero carente de ritmo y de sorpresa. Me aburrí soberanamente a partir del minuto 12. A la salida coincidíamos bastante gente: expertos y profanos. ¡Qué lástima!

¡POR FÍN! LA FURA VUELVE A IMPACTAR

Desde hace algunos años, la compañía LA FURA DELS BAUS, -una de las compañías más relevantes en la Historia del Teatro Español- se dedicaba a desarrollar su magnificiencia escenográfica y se había olvidado del Teatro como discurso en su concepción política y social.

Parece que, por fin, vuelven a retomar el camino emprendido con Accions, Noun o MTM: el mensaje, el discurso en primer término. Usar el teatro como un lugar de diálogo, de discusión, para poner delante de nosotros, en el escenario, nuestra realidad, lo que está pasando. Eligen un tema difícil, todo sea dicho, un tema para el que el ciudadano español todavía no está preparado (solo hay que ver cómo han reaccionado algunos lectores de elpais.com): el Terrorismo. Pero con sus planteamientos escénicos habituales, su "lenguaje", nos ponen delante un espejo para que veamos, sintamos, pensemos, reflexionemos... que, en definitiva, para eso está el Teatro.

Ya era hora. Os pongo un extracto del artículo de El País que cuenta el proyecto.

Es imposible imaginar la pesadilla que vivieron los centenares de personas que en octubre de 2002 se convirtieron en rehenes de un grupo de terroristas del señor de la guerra checheno Shamil Basáyev en el teatro Dubrovka de Moscú. Fue una tragedia televisada. Un atroz episodio que los televisores trasladaron a los salones del mundo entero con una sobrecogedora pátina de irrealidad. Lo que entonces simplemente no parecía posible que estuviese pasando, será el punto de partida para un nuevo espectáculo del grupo teatral La Fura dels Baus.

Y, como siempre, prometen polémica. La idea declarada es acercarse a aquel trágico asalto, que se saldó con la muerte de 170 personas tras la feroz irrupción de las fuerzas especiales rusas para liberar a los retenidos. Un dramático suceso, que inspira la nueva producción de la Fura Boris Godunov, una adaptación de la obra de Alexander Pushkin cuya representación se ve alterada por la entrada violenta de un grupo de hombres armados que secuestran a los espectadores.

El montaje se estrenará el 6 de marzo en Molina de Segura (Murcia) y se trata de una coproducción junto con el Centro Dramático Nacional, la productora Elsinor y la propia compañía, que presentó el proyecto ayer en Barcelona. Álex Ollé, uno de los seis directores artísticos de La Fura dels Baus, es impulsor del espectáculo. El horror que, dice, sintió a raíz de la noticia del asalto y su terrible desenlace, le empujó a crear un montaje sobre el terrorismo para acercar el teatro a la contemporaneidad "como hace el cine continuamente".

Antes de seguir, quizá convenga recordar esa "contemporaneidad" de la que habla Ollé. El asalto al teatro de Moscú causó la muerte de 90 rehenes, muchos de ellos asfixiados por el gas empleado por los rescatadores. Fueron abatidos 42 terroristas, 18 de ellos mujeres y la mayoría de un tiro en la sien.

Para dar forma a esta idea, Ollé acudió al dramaturgo catalán David Plana. Él es el autor de la versión tuneada, como dicen ellos, del texto de Pushkin, fruto de un trabajo de condensación, con un lenguaje actualizado y salpicada de fragmentos de discursos políticos pronunciados por figuras como las de Bush y el Che, entre otros. A su vez, Plana firma junto a Ollé la dramaturgia y la dirección escénica del espectáculo.

Pese al claro punto de partida de la obra, Ollé aclara que la historia está descontextualizada. No hay referencias a ningún grupo terrorista en concreto, ni se ubica en un país determinado. En este caso, se exige al gobierno del lugar donde se representa la función que retiren las tropas desplazadas al país de los terroristas. Un gabinete de crisis, que entra en escena a través de proyecciones videográficas, analiza las peticiones de los asaltantes, mientras una mediadora trata de resolver el conflicto de la manera menos traumática posible. La platea se incorpora a la escenografía en busca de la máxima proximidad entre actores y espectadores.

"El público no interviene de una forma directa", precisa Ollé. Sin embargo, aunque sea de un modo "más reflexivo que activo", los espectadores, afirma, sentirán la claustrofobia y el vértigo de saberse a merced de un grupo de personas armadas de kalashnikov (de fogueo, pero réplicas exactas de armas auténticas).

De nuevo con la ayuda del vídeo, el público les verá colocar explosivos en las dependencias del teatro, y sufrirá su hostigamiento y sus discusiones. La obra refleja también las discrepancias de puntos de vista entre los secuestradores, que responden a distintos arquetipos conocidos de terrorista: el violento, el dialogante, el que lo daría todo por defender sus ideas y el que ve cómo sus principios se resquebrajan en una situación límite.

FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA (MADRID)

Del 28 de enero al 24 de febrero de 2008 se va a celebrar en Madrid el festival ESCENA CONTEMPORÁNEA, es la VIII promoción del Festival Alternativo de las Artes Escénicas.

36 compañías de todo el mundo que, a lo largo de 4 semanas, nos presentarán sus espectáculos de teatro, música, performance y danza con las últimas tendencias internacionales.

Podremos ver a La Carnicería Teatro -de Rodrigo García- los días 20, 21 y 22 de febrero con su espectáculo "Aproximación a la idea de la desconfianza" en La Casa Encendida.

En el Ciclo Música podremos disfrutar de Fátima Miranda los días 30 y 31 de enero en el Círculo de Bellas Artes con su concierto "Cantos Robados".

Y un espectáculo que promete no dejar indiferente a nadie: "La Piel del Agua". Un espectáculo para público exclusivamente femenino de la compañía Teatro en el Aire, "herederos" del Teatro de los Sentidos de Enrique Vargas.

Bueno, esto es un pequeño avance con mis recomendaciones pero seguro que encuentras algo a tu medida. Y para ponértelo fácil, puedes hacerte un abono personalizado del Festival con descuentos hasta del 50%. Consulta en la web del festival.