EL SILENCIO EN EL TEATRO

El silencio es, a veces, tan elocuente o más que las palabras. Sobre todo en el teatro. No me refiero al protagonizado por actores cuya relación con el público se establece exclusivamente mediante la acción y el gesto, como sucede en los espectáculos de mimo o danza. Ni al que a mediados del pasado siglo se propuso expulsar la palabra de los escenarios por voluntad de importantes directores de escena, consiguiendo que la propia representación, con su espectacularidad, sustituyera al texto. El silencio al que aludo es el que se produce en medio de un diálogo. El que se produce cuando el personaje reflexiona encerrado en sí mismo o mantiene un debate íntimo cuyo contenido ha de adivinar el espectador a través de la expresión muda del intérprete. El silencio no ha tenido la misma importancia a lo largo de la historia del teatro. Habitualmente ha sido un signo subordinado a la palabra, cuando no un recurso de divos para invitar al respetable a premiarle con sus aplausos. Hasta bien entrado el XX no ha tenido vida propia. La adquirió cuando algunos dramaturgos se plantearon explorar el mundo interior de sus criaturas escénicas.
Así sucede en algunas piezas de Pinter, en las que los silencios parecen expresar más de los que se desprende del lenguaje coloquial y aparentemente sin sustancia de los personajes. En cuanto a Beckett, baste decir que en Esperando a Godot incluyó cerca de ochenta pausas en los diálogos e indicaciones de que los personajes están reflexionando. Son silencios que engarzados en el texto crean un discurso coherente. Lo dicho no significa que, en el pasado, el teatro careciera de ideas o fuera menos profundo. ¡Faltaría más! Lo que sucede es que la palabra ha dejado de ser el único vehículo para transmitirlas y ahora comparte su protagonismo con el silencio. Para Peter Brook, la palabra se ha convertido en la parte pequeña y visible de una gigantesca formación invisible. En el teatro contemporáneo, el silencio es una herramienta del autor. Pero en aras de su eficacia, se requiere que el director la analice en profundidad, que obtenga de ella las mayores prestaciones y que los actores sepan manejarla. Para ello, han de ser capaces, en el proceso de asimilación de sus personajes, de completar las frases truncadas por puntos suspensivos y de rellenar las pausas establecidas por el autor. Es decir, completar el texto para luego, en el escenario, transmitirlo traducido a un silencio inteligible, pleno de significados.
______________________Jeronimo López Mozo
_____________________( (artículo aparecido en el ABCD, suplemento cultural, el sábado 9 de febrero de 2008)

¡POR FÍN! LA FURA VUELVE A IMPACTAR

Desde hace algunos años, la compañía LA FURA DELS BAUS, -una de las compañías más relevantes en la Historia del Teatro Español- se dedicaba a desarrollar su magnificiencia escenográfica y se había olvidado del Teatro como discurso en su concepción política y social.

Parece que, por fin, vuelven a retomar el camino emprendido con Accions, Noun o MTM: el mensaje, el discurso en primer término. Usar el teatro como un lugar de diálogo, de discusión, para poner delante de nosotros, en el escenario, nuestra realidad, lo que está pasando. Eligen un tema difícil, todo sea dicho, un tema para el que el ciudadano español todavía no está preparado (solo hay que ver cómo han reaccionado algunos lectores de elpais.com): el Terrorismo. Pero con sus planteamientos escénicos habituales, su "lenguaje", nos ponen delante un espejo para que veamos, sintamos, pensemos, reflexionemos... que, en definitiva, para eso está el Teatro.

Ya era hora. Os pongo un extracto del artículo de El País que cuenta el proyecto.

Es imposible imaginar la pesadilla que vivieron los centenares de personas que en octubre de 2002 se convirtieron en rehenes de un grupo de terroristas del señor de la guerra checheno Shamil Basáyev en el teatro Dubrovka de Moscú. Fue una tragedia televisada. Un atroz episodio que los televisores trasladaron a los salones del mundo entero con una sobrecogedora pátina de irrealidad. Lo que entonces simplemente no parecía posible que estuviese pasando, será el punto de partida para un nuevo espectáculo del grupo teatral La Fura dels Baus.

Y, como siempre, prometen polémica. La idea declarada es acercarse a aquel trágico asalto, que se saldó con la muerte de 170 personas tras la feroz irrupción de las fuerzas especiales rusas para liberar a los retenidos. Un dramático suceso, que inspira la nueva producción de la Fura Boris Godunov, una adaptación de la obra de Alexander Pushkin cuya representación se ve alterada por la entrada violenta de un grupo de hombres armados que secuestran a los espectadores.

El montaje se estrenará el 6 de marzo en Molina de Segura (Murcia) y se trata de una coproducción junto con el Centro Dramático Nacional, la productora Elsinor y la propia compañía, que presentó el proyecto ayer en Barcelona. Álex Ollé, uno de los seis directores artísticos de La Fura dels Baus, es impulsor del espectáculo. El horror que, dice, sintió a raíz de la noticia del asalto y su terrible desenlace, le empujó a crear un montaje sobre el terrorismo para acercar el teatro a la contemporaneidad "como hace el cine continuamente".

Antes de seguir, quizá convenga recordar esa "contemporaneidad" de la que habla Ollé. El asalto al teatro de Moscú causó la muerte de 90 rehenes, muchos de ellos asfixiados por el gas empleado por los rescatadores. Fueron abatidos 42 terroristas, 18 de ellos mujeres y la mayoría de un tiro en la sien.

Para dar forma a esta idea, Ollé acudió al dramaturgo catalán David Plana. Él es el autor de la versión tuneada, como dicen ellos, del texto de Pushkin, fruto de un trabajo de condensación, con un lenguaje actualizado y salpicada de fragmentos de discursos políticos pronunciados por figuras como las de Bush y el Che, entre otros. A su vez, Plana firma junto a Ollé la dramaturgia y la dirección escénica del espectáculo.

Pese al claro punto de partida de la obra, Ollé aclara que la historia está descontextualizada. No hay referencias a ningún grupo terrorista en concreto, ni se ubica en un país determinado. En este caso, se exige al gobierno del lugar donde se representa la función que retiren las tropas desplazadas al país de los terroristas. Un gabinete de crisis, que entra en escena a través de proyecciones videográficas, analiza las peticiones de los asaltantes, mientras una mediadora trata de resolver el conflicto de la manera menos traumática posible. La platea se incorpora a la escenografía en busca de la máxima proximidad entre actores y espectadores.

"El público no interviene de una forma directa", precisa Ollé. Sin embargo, aunque sea de un modo "más reflexivo que activo", los espectadores, afirma, sentirán la claustrofobia y el vértigo de saberse a merced de un grupo de personas armadas de kalashnikov (de fogueo, pero réplicas exactas de armas auténticas).

De nuevo con la ayuda del vídeo, el público les verá colocar explosivos en las dependencias del teatro, y sufrirá su hostigamiento y sus discusiones. La obra refleja también las discrepancias de puntos de vista entre los secuestradores, que responden a distintos arquetipos conocidos de terrorista: el violento, el dialogante, el que lo daría todo por defender sus ideas y el que ve cómo sus principios se resquebrajan en una situación límite.

THE ANDERSEN PROJECT (Robert Lepage)

El Teatre Lliure estrenó el pasado día 13 la última obra de Robert Lepage, 'The Andersen project'. Se trata de un monólogo multidisciplinario interpretado por Yves Jacques, informó el Teatre Lliure.

La función está inspirada en dos relatos del autor danés Hans Christian Andersen, 'La dríada' y 'La sombra', y en anécdotas de sus viajes a París.
El monólogo recoge temas comunes en Lepage, como la confrontación entre modernismo y modernidad. Aún así, en esta ocasión también se exploran temas más turbulentos, como la identidad sexual y las fantasías insatisfechas. La obra, además, crea un paralelismo entre los elementos comunes en la vida de Andersen y la de su director, Lepage.
La trama de la historia gira alrededor de un compositor de canciones del Quebec que llega a París para escribir un libro de ópera para niños. El protagonista de la obra ha tenido que dejar su país para encontrar la fama y el reconocimiento del público y, durante su estancia en la capital francesa, conocerá a personajes tan dispares como un mánager de ópera o un artista de graffitis.
La iniciativa de crear esta obra surgió el 2005, cuando Dinamarca celebró el bicentenario del nacimiento de Andersen y se invitó a artistas de todo el mundo para crear obras inspiradas en los cuentos y novelas del autor danés.
En un principio, a Lepage le pareció 'difícil' el reto, ya que apenas conocía nada sobre Andersen ni de su época. Cuando le empezó a conocer, se dio cuenta que eran 'mucho más semejantes' de lo que le hubiera 'gustado', afirmó Lepage en un comunicado.
El único intérprete de la obra, Yves Jacques, trabaja con Lepage desde 2001 en una gira mundial de la obra 'La cara oculta de la luna', por la cual recibió el premio al mejor actor del Théatre du Nouveau Monde de Montreal en 2003.
Lepage destacó que el hecho de que la obra sea un solo 'evoca la soledad' y la convierte en uno de los temas principales de la historia.
La obra podrá verse hasta el 16 de febrero en la Sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure de Barcelona.
Terra Actualidad - Europa Press

CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL (Nuria Inglada)

El espacio teatral SALA FLOTANT, en su proyecto de formación continua de la compañía EL PONT FLOTANT, mantiene unos cursos monográficos para el mantenimiento y mejora de las capacidades de actores y actrices de Valencia.
Esta vez estará de nuevo Nuria Inglada con un CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL. Del 25 de febrero al 5 de marzo. Hay plazas limitadas. Para más información y reservas, el teléfono 655.42.08.77

El treball que es proposa en aquest curs es basa en l'objectiu d'obrir la nostra veu i anar més enllà del seus límits. Alhora que obrim, n'ampliem el registre, trobem noves qualitats en el so i diferents classes de veu. Així mateix, es treballa la connexió entre el cos i la veu, ja que cada part de l'organisme té una voz associada i cada so/veu té una emoció/intenció darrere.

Nuria Inglada és llicenciada en Direcció escènica i Dramatúrgia per l'Institut del Teatre de Barcelona, tot rebent el Premi Extraordinari d'Art Dramàtic Institut del Teatre el 1998. Ha dirigit nombrosos muntatges teatrals i ha estat com ajudant de direcció al costat de prestigiosos directors com Joan Castells, Josep María Mestres, Ariel García Valdés, Helena Pimenta,...
Des del 2001 segueix regularment una formació sobre l'expressió de la veu i el cant, en el Centre artístic Roy Hart, França.

(extracto del programa del curso)

EL TIEMPO DEL ABSURDO

El próximo martes 5 de febrero de 2008 a las 19'30 h. se inaugura en la sede de la Intersindical Valenciana (c/ Juan de Mena, 18. Valencia. Metro Ángel Guimerá) la exposición EL TIEMPO DEL ABSURDO. Una exposición de carteles de teatro e ilustraciones de la artista Stella Vila a partir de la obra de Samuel Beckett y el teatro del absurdo.

La exposición se podrá visitar de lunes a viernes de 9'30 a 13'30 h y de 17'00 a 19'00 h. Estará hasta el 5 de abril.

Si quieres ver más obra de la artista Stella Vila, pincha aquí.

ESTRENO DE LA COMPAÑÍA COPIA IZQUIERDA

Tras meses de intenso trabajo en secreto y después de superar todos los acosos de espionaje industrial, evitar las cámaras y micrófonos de programas de cotilleo y tele-miseria, llega a nuestros excelsos escenarios el último montaje de la compañía Copia Izquierda, "La Mujer de Amianto" dirigida por nuestra incombustible Eva Zapico. Le acompañan en las tablas Verónica Andrés, Pau Blanco, Maribel Bayona, Sandra Gómez y Merce Tienda.

Estará en el Carme Teatre (que estrena página web) desde el 7 hasta el 17 de febrero (de jueves a domingo a las 20'30 h.).

Aquí podéis ver el cartel, para que nos hagamos una idea de por dónde van los tiros.

FÁTIMA MIRANDA

Dentro del marco del Festival Escena Contemporánea 2008 de Madrid, actuará los días 30 y 31 de enero en el Círculo de Bellas Artes Fátima Miranda con su espectáculo "Cantos Robados".

Como no voy a ser capaz de expresar aquí la calidad y el prestigio de dicha artista que trabaja en el límite del canto, la poesía, la música, la performance y el humor, -creo que se puede hablar ya de un lenguaje "Fátima Miranda"- os voy a incluir la sinopsis de su espectáculo que incluye el programa del Festival. Por cierto, la nota de prensa que El Mundo ha hecho de este espectáculo es deplorable, de una falta de sensibilidad y de información impresionante. Cuando la lea Fátima se va a tirar de los pelos.



El título Cantos Robados nos hace un guiño que encierra toda una declaración de principios al plantearnos esa necesidad de proceso, de vagar y perderse por largos caminos, tropezando entre cantos rodados, tras un constante ir y venir, bucle/eterno retorno realimentado de antiguas raíces, hoy transmutadas y depuradas en un atanor por el que han transitado infinidad de culturas musicales y las más atractivas, complejas y extrañas prácticas vocales del laberíntico etnomundo, logrando así ponerlas en diálogo fecundo, mestizo y renovado, para poder aportar otro sabor, otro canto.

Imitar y copiar es indigno. Robar, apropiarse de las fuentes para poderlas integrar, digerir y olvidar, trascendiéndolas y convirtiéndolas en otra cosa, puede por el contrario dar lugar a un arte original, un arte sin artificio.

En escena, una voz y el gesto de una sola cantante que interactúa con un monumental traje de fisonomías cambiantes. En la primera parte de carácter ritual e interior la cantante parece flotar arrobada en las alturas, esculpiendo el aire con voz de cristal o de trueno, de Orientes y Desorientes, de anciana matriarca o de sirena; en la segunda, a pie de tierra, el ambiente es más alegre y profano. Todo ello bañado por una mirada irónica sobre la presencia de lo sagrado en lo doméstico.

Hija de una sensibilidad etnomínimal, Fátima Miranda da la espalda a la tiranía de los cánones de belleza del canto y de la palabra y se pone el mundo por montera, entrando a saco y sin miedo en el bosque de oralidades que aun lo pueblan: las albórbolas bereberes, los irrintzis vascos, los microtonos de la raga india, las murgas de griots y chamanes, las melopeas dionisíacas, las difonías mongolas, el yodels pigmeo, las voces nasalizadas corsas o chinas, los gritos-interjección del teatro Nô y del Kabuki japonés, los exabruptos del Pansori coreano, el scat del jazz o el cante jondo devienen así para ella un manjar y un lenguaje tan usual como el bel canto o el sprechgesang, cargado de memorias fonéticas, tal vez anteriores al lenguaje, evocadoras de códigos de comunicación ya extinguidos que anidan en el inconsciente colectivo.
.Entre Salamanca -ciudad natal de la artista, donde estudió Letras- y Samarkanda -de camino a la India, donde estudió música-, entre Occidente y Oriente, entre la tradición y la vanguardia, se encuentran los campos por los que metafóricamente transitan y brotan estos Cantos Robados, cuanto más rodados más robados !

Todos los sonidos vocales producidos en este concierto son naturales y el resultado de técnicas desarrolladas por Fátima Miranda. La voz sólo está apoyada por amplificación sin manipulación electrónica alguna.