CANDIDATURAS A LOS PREMIS DE LES ARTS ESCÉNIQUES

Ayer se comunicaron las candidaturas a los Premis de les Arts Escéniques. Como Teatres -siempre tan atrasados- no han publicado en su página todavía esta información, la recorto y la pego desde el periódico digital Panorama-Actual.es

Los artistas Pepe Miravete y Gretel Stuyck fueron los encargados de anunciar los nombres de los candidatos a los Premis de les Arts Escèniques 2008 en un acto en el que estuvieron acompañados por la directora general de Teatres de la Generalitat, Inmaculada Gil-Lázaro.

El galardón al mejor espectáculo de teatro se lo disputarán entre los montajes
´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´ de Ornitorrincs; ´Gosses/Perras´ de Albena Teatre, y ´Antígona 18100-7´ de Carme Teatre mientras que por la distinción al mejor espectáculo de danza los seleccionados son ´Muere-t´ de Krisis Teatro Danza/Teatre de L´Ull; ´Amada Candela´ de Cienfuegos Danza/Centre Teatral Escalante, y ´Temps fugit´ de Bojnami Danza-Eva Bertomeu.
En cuanto a los intérpretes más destacados, Cristina Fernández y Maía Almudever por ´Muere-t´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´ lucharán por el premio a mejor bailarina y en categoría masculina lo harán Toni Aparisi por ´Muladar´, Ángel Figols por ´Laika´, Gustavo Ramírez por ´Tri.o´, Nicolás Massip por ´Jardí Tancat´ y Diego Arconada por ´Coming Together´.
El Premio ´Antonio Ferrandis´ al mejor actor se decidirá entre Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Chema Cardeña por ´Gosses/Perras´; y Martín Cases por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´
El galardón a la mejor actriz será para María José Peris por ´C´est la vie o como sobrevivir a Edith Piaf´; Amparo Fernández por ´Un sopar de compromis´, Paula Miralles por ´Antígona18100-7´ o Carol Linuesa por ´Reencuentros´.
Los nominados al Premio a la mejor composición musical son Panxo Barrera por ´Amada Candela´; Francisco Garnelo por ´Uhhhh!!´; Perico Sambeat, y Luis Tamarit y Mariló Tamarit por ´La Selva (LDC)´ y los del galardón de mejor vestuario María Almudever y Miguel Carbonell por ´Muere-t´; Pascual Peris por ´Amada Candela´; y Joan Miquel Reig por ´Joguets´.
Los candidatos al Premio ´Josep Solbes´ a la mejor iluminación son Víctor Antón por ´Muere-t´; Víctor Antón por ´La Selva (LDC)´, y Juan Sapiña por ´Joguets´ mientras que por el premio de mejor escenografía optan Assad Kassab Eppe por ´Muere-t´; Paco Azorín por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Fet d´Encarrec por ´Amada Candela´ y Josep Simón y Manuel Zuriaga por "Uhhhh!!".
El Premio al mejor actor o actriz de reparto recaerá en Manuel Ochoa por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Cesca Salazar por ´El sí de las niñas´ o Enric Juezas por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´.
Las mejores versiones, traducciones o adaptaciones han sido las de Jerónimo Cornelles por ´Gosses/Perras´; Diego Braguinsky por ´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´; y Aurelio Delgado por ´Antígona 18100-7´.
El Premio Max Aub al mejor texto se lo disputarán Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´; Martín Crespo y Cristina Fernández por ´Muere-t´ y Julio Martí Zahonero por ´Uhhhh!!´ y de la mejor dirección escénica, Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Muere-t´ y Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´.Finalmente, los candidatos a hacerse con el Premio a la mejor dirección coreográfica son Cristina Fernández por ´Muere-t´; Yoshua Cienfuegos por ´Amada Candela´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´.
El mejor espectáculo infantil saldrá de la terna integrada por ´Kraft´ de Bambalina; ´Joguets´ de Magic 6 y ´La increíble historia de Mollie Malone´ de Anem Anant.

El mismo día de la gala de entrega de premios se dará a conocer el Premio Pedro del Río, que reconoce a toda una trayectoria profesional. La directora de TGV, Inmaculada Gil-Lázaro, dio la enhorabuena a los candidatos y aseguró que todos los nominados son "merecedores" de los premios. Asimismo, Gil-Lázaro indicó que todos los candidatos "se llevan el reconocimiento y el cariño" de la Generalitat y manifestó su deseo de seguir trabajando para "construir una danza y un teatro del que nos sintamos muy orgullosos".

REVISTA DIGITAL DE LA ESCENA 2007

Como todos los años, el Centro de Documentación Teatral, ha editado la Revista Digital de la Escena. Y mi incombustible amiga Ana, me envía la imagen y el enlace.

No se me ha ocurrido mejor forma de celebrar el Día Internacional del Teatro.



En esta Revista Digital puedes echar un vistazo a los grandes estrenos del año pasado (puedes incluso ver en video algunos retales de las obras), las cifras de los escenarios de Madrid y Barcelona (para darnos cuenta de lo lejos que estamos), entrevistas con personajes de todos los estratos teatrales: directores, dramaturgas, programadores, actrices,... y los datos sobre Festivales y Premios Teatrales del último año.


Espero que la disfrutes tanto como yo.

(Gracias, Ana. Un beso fuerte)

MENSAJE DEL DIA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008 (Robert Lepage)

El Día Mundial del Teatro se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). El Día Mundial del Teatro se celebra anualmente el 27 de marzo por los centros ITI y la comunidad teatral internacional. Se organizan diversos eventos nacionales e internacionales para señalar la ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional, tradicionalmente escrito por una personalidad del teatro de talla mundial.

MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008


Existen varias hipótesis sobre los orígenes del teatro, pero la que más me ha llamado la atención tiene forma de fábula:

Una noche, en el origen de los tiempos, un grupo de hombres se reunieron en una cantera para calentarse alrededor de un fuego y contarse historias. De repente, uno de ellos tuvo la idea de levantarse y utilizar su sombra para ilustrar su relato. Ayudándose de la luz de las llamas, hizo aparecer en los muros de la cantera personajes más grandes de lo normal. Los demás, fascinados, fueron reconociendo uno a uno, al fuerte y al débil, al opresor y al oprimido, al dios y al mortal.

Hoy en día, la luz de los proyectores ha reemplazado al fuego original, y la maquinaria de escena, a los muros de la cantera. Y, con el debido respeto a ciertos puristas, esta fábula nos recuerda que la tecnología está en el mismo origen del teatro y que no debe ser percibida como una amenaza, sino como un elemento aglutinador.

La supervivencia del arte teatral depende de su capacidad para reinventarse, asimilando nuevos utensilios y nuevos lenguajes. Si no, ¿cómo podría continuar siendo el teatro testigo de los grandes acontecimientos de su época y promover el entendimiento entre los pueblos si no diese pruebas de apertura? ¿Cómo podría jactarse de ofrecer soluciones a los problemas de intolerancia, exclusión y racismo, si en su misma práctica rechazase cualquier mestizaje o integración?

Para representar el mundo en toda su complejidad, el artista debe proponer formas e ideas innovadoras y tener confianza en la inteligencia del espectador que es capaz de distinguir la silueta de la humanidad en medio del perpetuo juego de luz y sombras.

Es cierto que de tanto jugar con el fuego, el hombre corre el riesgo de quemarse, pero por otra parte, también tiene la suerte de poder deslumbrar e iluminar.

Robert Lepage.

PUNCH-DRUNK: TEATRO DE INMERSIÓN

(artículo publicado en El País Babelia, el 15 de marzo de 2008)
Marcos Ordóñez

Son "lo último de lo último" del teatro británico. Felix Barret (director artístico), Maxine Doyle (coreógrafa), Robin Harvey (diseñador de espectáculos) y Colin Marsh (productor) se conocieron en la escuela de Arte Dramático de Exeter, al suroeste de Inglaterra, y crearon PunchDrunk. Sus espectáculos han sido definidos como "teatro físico" porque están a caballo entre la danza, la performance y la instalación, aunque también hay texto. Ellos los llaman "teatro de inmersión" o "asalto a los sentidos". PunchDrunk elige espacios desiertos o abandonados y trabaja con un sentido cinematográfico del detalle y la atmósfera para sumergir al público en el universo de cada montaje. Se trata, dice Felix Barret, de "volver a jugar como niños, redescubrir el sentido de la anticipación, explorar lo desconocido con espíritu de aventura". Comenzaron en 1999 con ocupaciones puntuales en función única. Tenías que llamar a un número de teléfono, te citaban y te conducían a un lugar desconocido. Su debut fue una versión radical y concentrada de El jardín de los cerezos en una vieja mansión de Pennsylvania Road, en Exeter. Al año siguiente fusionaron Edipo Rey y Antígona, que ofrecieron, bajo el título de The House of Oedipus, en un inmenso jardín victoriano de Pinhoe (Devon): otra casa en ruinas, Poltimore House, cubierta por la hiedra, era el palacio del rey ciego de Tebas. ¿Cómo consiguen los permisos, en la reglamentadísima Inglaterra, para trabajar en lugares públicos que pueden venirse abajo en cualquier momento? Misterio. También hay golpes de suerte: un millonario, Arne Maynard, vio The House of Oedipus y en 2002 les encargó montar Midsummer Night Dream para una fiesta de verano en su casa de Parsons Drove, en Norfolk. En diciembre de 2003 pegaron el salto a Londres, y a lo grande: una escuela del siglo XIX -el Beaufoy Building, en Kennington- acogió Sleep No More, una versión de Macbeth con estética de película de Hitchcock de los años treinta: 14 actores y bailarines, música en directo y cantantes de jazz, todo ello al servicio de una narrativa onírica y atomizada. Sleep No More fue su lanzamiento en la capital inglesa. En 2004, nuevo espacio y nuevo éxito, esta vez por partida doble: en la planta baja de una destilería, The Old Seager, en Deptford, en el East End, Ariel guiaba a los espectadores como si fueran la tripulación del barco naufragado de The Tempest; en la planta superior podían ver Chair, un homenaje al mundo de Ionesco a partir de la vieja pareja protagonista de Las sillas. En octubre de 2006, el National Theater coprodujo Faust, el proyecto más ambicioso de PunchDrunk, que agotó entradas durante tres meses y hubo de prorrogarse hasta marzo. El boca a oreja fue velocísimo. La cita era en una fábrica de azúcar de cinco pisos, en el 21 de Wapping Lane (East End, en Tobacco Dock). Un miembro de PunchDrunk reparte máscaras como las que usaban los invitados a la misteriosa fiesta de Eyes Wide Shut, de Kubrick. Los espectadores suben en un montacargas. En cada planta bajan seis. El espectáculo dura tres horas, en dos ciclos de noventa minutos. De la oscuridad brotan deslumbrantes escenarios oníricos. El laboratorio del viejo Fausto, y un campo de maíz con un siniestro espantapájaros en el centro, y la calle principal de una pequeña ciudad americana. Farolas solitarias, tiendas abiertas pero vacías. Ecos de Stephen King, de Lynch, de Edward Hopper. Un cine, The Temple, donde proyectan Sed de mal, de Welles. Un diner, en el que Mefisto es un camarero que sirve la poción rejuvenecedora. Y, al final, un motel solitario. En una habitación se encuentran por primera vez Fausto y Gretchen; en la siguiente, un grupo de máscaras rodea a la muchacha abandonada, que arrastra a su cama a un espectador y llora en sus brazos. No hay continuidad narrativa, como si todo pasara en tiempos alternos. La noche de Walpurgis tiene lugar en un club nocturno, donde se agita un grupo de adolescentes enfebrecidas, y el infierno de Mefisto está en el sótano, un honky tonk del profundísimo Sur.
No es teatro, no es danza, no es cine, no es un sueño y es todo a la vez: es PunchDrunk.
¿Quién se anima a montar aquí una aventura similar?

EL VENENO DEL TEATRO (Rodolf Sirera)

El teatro era -es- como una droga, como una especie de veneno, contra el cual no hay antídoto. Pero lo perverso atrae sobre la virtuoso. ¿Y qué cosa resulta más perversa en el teatro que el hecho mismo del teatro, la ficción, no de la historia imaginada, sino sencillamente el acto de fingir ante el espectador, aquí y ahora? Por ello, en mi teatro, sobre unas cuarenta obras de todos los estilos y dimensiones, planea, a nivel temático, esta obsesión por el juego dramático, sus límites y reglas, los distintos puntos de vista de sus oficiantes, su magia y también sus miserias. Espejos, siempre espejos, una puerta que da paso a otra puerta: cajitas cuidadosamente embutidas una dentro de otra, y otra más, hasta llegar al último volumen, o, quizá, la nada.
He escrito, pues, a lo largo de los años, obras que eran representaciones de representaciones; biografías dramáticas de actores imaginarios; números de destreza para espectáculos de cabaret en los que se violaba todo tipo de convenciones; piezas irrepresentables que ponían en duda la existencia del espectador, o su ubicación en el espacio; obras mágicas en las que el protagonista principal era el propio teatro vacío, los monstruos oscuros que habitan sus entrañas. De un modo u otro, el tema es siempre el mismo: la seducción de lo perverso. Fingir, mentir, vivir. Sólo la muerte es la única verdad. Sólo la muerte impone límite. Y únicamente en el teatro los muertos resucitan. Únicamente en el teatro la muerte, la verdad objetiva, resulta traicionada.

Rodolf Sirera