26 de febrero de 2008

HAN VUELTO

Com a pedres és una reflexió sobre el pas del temps i la memòria que mescla realitat i ficció i que juga amb el temps real, el temps de la memòria i el de la pròpia representació.
Tres actors comparteixen el seu particular àlbum de fotografies on l'espectador es veu reflexat. L'evocació d'un passat amb l'ajuda d'imatges i un espai acollidor que recull estètiques dels últims trenta anys és l'habitat intern i lúdic d'aquestes tres personatges.

24 de febrero de 2008

¡¡QUE LE CORTEN LA CABEZA!!

El próximo miércoles 27 de febrero a las 13'00 h. en la sede de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) de Valencia podréis ver el espectáculo "Que le corten la cabeza!" de la compañía de danza-teatro La Siamesa Tuerta.

Un montaje ideado, dirigido y maravillosamente interpretado por Ángela Verdugo. Le acompaña Ángel Figols. La dramaturgia es de Lola López.


"Tratamos de narrar la relación entre una niña y un adulto, Alicia Liddell y Lewis Carrol, realizando un recorrido por los momentos que ellos compartieron, con la libertad de la inocencia, evitando el juicio y la moral aprendidos, creando para ello su propio espacio imaginario y buscando ser ellos mismos. Mediante juegos parodiaban e intentaban entender algo que les parecía harto absurdo: el rígido y formal comportamiento de los mayores. Mostramos también el conflicto de una niña muy adulta que ama a un hombre sin saber lo
que esto supone y un adulto que ama a una niña como respuesta a su propio rechazo al crecimiento, ya que Lewis intentaba insistentemente capturar un período caduco, la infancia, donde según él, el ser todavía es puro e inocente y está pues más cercano a la imaginación del poeta."

¡¡QUÉ LASTIMA!!

Las obsesiones de Sarah Kane
El teatro como revulsivo. La fuerza de la palabra para tocar las fibras sensibles. Así se presenta en el Festival VEO la obra Ansia, escrita por la siempre ácida autora británica Sarah Kane y dirigida, en esta ocasión, por Xavier Puchades. Se trata de una de las dos producciones propias que la sexta edición de Valencia Escena Oberta presenta como novedad de apoyo a los creadores más vanguardistas.
Para muchos críticos, el teatro de Sarah Kane tiene la capacidad de molestar, desesperar, movilizar hasta lo insoportable. Suicidio, soledad, desamor, crueldad, dolor, temas que la británica ha explotado en su trabajo. Y la traducción del título para el montaje de Puchades expresa mucho de ello. "Ansia puede no ser una traducción del todo correcta", admite el director. Pero explica:"Ansia es morirse por algo, y aunque no habría optado por un título así, claro, unas de las cosas que plantea el texto es precisamente eso, como una malévola inversión de la eterna pregunta sobre el sentido de la vida".
"Esta obra responde a mi idea de teatro como medio de plantear preguntas que nunca nos hacemos o que, tal y como las formulamos, creemos conocer respuestas con las que sentirnos cómodos. Le pido al teatro algo de trascendencia, y esta obra tiene ese algo que esperamos poder transmitir", declara Puchades. Durante un tiempo largo, él ha venido rondando la idea de montar este proyecto escénico que contiene, dice, dos características substanciales: reinventa el llamado teatro de la palabra y explora un "género prácticamente olvidado o tan pésimamente actualizado como es el de la tragedia".
Si bien el texto de Kane muestra rasgos de poema, para Puchades resulta "inútil recitarlo como tal, hacer una lectura dramatizada o emitirlo radiofónicamente". En otras palabras: "la obra requiere la fisicidad del que habla y del que escucha". Los cuatro personajes –que en otros montajes del texto fueron ubicados en sillas— están aquí durante toda la representación de pie. "Quería que anduviesen por el espacio progresivamente, intentando desarrollar paralelamente una dramaturgia sonora, emocional y física", señala Puchades. Eso sí, la ilustración, fuera. "El objetivo es que el espectador dibuje en el actor los gestos y las miradas que éste no muestra o que distorsiona a través de falsas pistas de relación con el resto de personajes".
La elección de la sala de la calle Gutemberg, donde se representa la obra, guarda una justificación concreta. Aquí nada es casualidad. "Siempre soñábamos con un espacio industrial que, al final, se convirtió en un viejo taller de curtidos que posee algunos de los rasgos que buscábamos". Puchades describe: posee la pátina y la superficie suficiente para construir una inesperada platea destruida, como las ruinas de un teatro griego o romano, pero con butacas de los años 70.
(tomado del dossier de prensa de la Fundación VEO)

Le decía a unas amigas que participan en este espectáculo: "¡Qué lástima que estos espectáculos no tengan continuidad en el circuito habitual de nuestras salas! ¡Qué lástima que tengamos que estar viendo obras mediocres o estándares!" Esperamos que alguna sala o estamento quiera seguir programando este montaje que, por cierto, llenó en las sesiones oficiales y en las varias premieres con público que se hicieron. A ver si los de producción se lo curran.

P.D. Ayer estuve viendo el espantáculo El rei de la soledat. Era absolutamente deplorable. Con algunos hallazgos visuales interesantes pero carente de ritmo y de sorpresa. Me aburrí soberanamente a partir del minuto 12. A la salida coincidíamos bastante gente: expertos y profanos. ¡Qué lástima!

GRACIAS

Gracias a Viktor Gómez por hacerse eco de este blog en el suyo. Como ya digo allí, el objetivo de este blog es asesorar -humildemente- al espectador que va a saltar al vacío al comprar una entrada de teatro.

Gracias de nuevo, Viktor.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO DE CARLES CASTILLO


CARLES CASTILLO

SE COMPLACE EN INVITAROS A LA PRESENTACIÓN DE SU ÚLTIMO LIBRO

IMPROVISACIÓN
EL ARTE DE CREAR EL MOMENTO

De la Editorial Ñaque.

EL ACTO TENDRÁ LUGAR EL PRÓXIMO MARTES 26 DE FEBRERO A LAS 19´30H.

EN EL TEATRO TALIA DE VALENCIA, C/ CABALLEROS Nº31.

CONTARÁ CON LA PRESENCIA DEL AUTOR
Y DE JOSE MOTA, (Ex componente de duo Cruz y Raya ) QUIEN HA REALIZADO EL PRÓLOGO.

Más información y confirmación de asistencia,

609 615 235

carles_castillo@hotmail.com

19 de febrero de 2008

EL SILENCIO EN EL TEATRO

El silencio es, a veces, tan elocuente o más que las palabras. Sobre todo en el teatro. No me refiero al protagonizado por actores cuya relación con el público se establece exclusivamente mediante la acción y el gesto, como sucede en los espectáculos de mimo o danza. Ni al que a mediados del pasado siglo se propuso expulsar la palabra de los escenarios por voluntad de importantes directores de escena, consiguiendo que la propia representación, con su espectacularidad, sustituyera al texto. El silencio al que aludo es el que se produce en medio de un diálogo. El que se produce cuando el personaje reflexiona encerrado en sí mismo o mantiene un debate íntimo cuyo contenido ha de adivinar el espectador a través de la expresión muda del intérprete. El silencio no ha tenido la misma importancia a lo largo de la historia del teatro. Habitualmente ha sido un signo subordinado a la palabra, cuando no un recurso de divos para invitar al respetable a premiarle con sus aplausos. Hasta bien entrado el XX no ha tenido vida propia. La adquirió cuando algunos dramaturgos se plantearon explorar el mundo interior de sus criaturas escénicas.
Así sucede en algunas piezas de Pinter, en las que los silencios parecen expresar más de los que se desprende del lenguaje coloquial y aparentemente sin sustancia de los personajes. En cuanto a Beckett, baste decir que en Esperando a Godot incluyó cerca de ochenta pausas en los diálogos e indicaciones de que los personajes están reflexionando. Son silencios que engarzados en el texto crean un discurso coherente. Lo dicho no significa que, en el pasado, el teatro careciera de ideas o fuera menos profundo. ¡Faltaría más! Lo que sucede es que la palabra ha dejado de ser el único vehículo para transmitirlas y ahora comparte su protagonismo con el silencio. Para Peter Brook, la palabra se ha convertido en la parte pequeña y visible de una gigantesca formación invisible. En el teatro contemporáneo, el silencio es una herramienta del autor. Pero en aras de su eficacia, se requiere que el director la analice en profundidad, que obtenga de ella las mayores prestaciones y que los actores sepan manejarla. Para ello, han de ser capaces, en el proceso de asimilación de sus personajes, de completar las frases truncadas por puntos suspensivos y de rellenar las pausas establecidas por el autor. Es decir, completar el texto para luego, en el escenario, transmitirlo traducido a un silencio inteligible, pleno de significados.
______________________Jeronimo López Mozo
_____________________( (artículo aparecido en el ABCD, suplemento cultural, el sábado 9 de febrero de 2008)

16 de febrero de 2008

¡POR FÍN! LA FURA VUELVE A IMPACTAR

Desde hace algunos años, la compañía LA FURA DELS BAUS, -una de las compañías más relevantes en la Historia del Teatro Español- se dedicaba a desarrollar su magnificiencia escenográfica y se había olvidado del Teatro como discurso en su concepción política y social.

Parece que, por fin, vuelven a retomar el camino emprendido con Accions, Noun o MTM: el mensaje, el discurso en primer término. Usar el teatro como un lugar de diálogo, de discusión, para poner delante de nosotros, en el escenario, nuestra realidad, lo que está pasando. Eligen un tema difícil, todo sea dicho, un tema para el que el ciudadano español todavía no está preparado (solo hay que ver cómo han reaccionado algunos lectores de elpais.com): el Terrorismo. Pero con sus planteamientos escénicos habituales, su "lenguaje", nos ponen delante un espejo para que veamos, sintamos, pensemos, reflexionemos... que, en definitiva, para eso está el Teatro.

Ya era hora. Os pongo un extracto del artículo de El País que cuenta el proyecto.



Es imposible imaginar la pesadilla que vivieron los centenares de personas que en octubre de 2002 se convirtieron en rehenes de un grupo de terroristas del señor de la guerra checheno Shamil Basáyev en el teatro Dubrovka de Moscú. Fue una tragedia televisada. Un atroz episodio que los televisores trasladaron a los salones del mundo entero con una sobrecogedora pátina de irrealidad. Lo que entonces simplemente no parecía posible que estuviese pasando, será el punto de partida para un nuevo espectáculo del grupo teatral La Fura dels Baus.

Y, como siempre, prometen polémica. La idea declarada es acercarse a aquel trágico asalto, que se saldó con la muerte de 170 personas tras la feroz irrupción de las fuerzas especiales rusas para liberar a los retenidos. Un dramático suceso, que inspira la nueva producción de la Fura Boris Godunov, una adaptación de la obra de Alexander Pushkin cuya representación se ve alterada por la entrada violenta de un grupo de hombres armados que secuestran a los espectadores.

El montaje se estrenará el 6 de marzo en Molina de Segura (Murcia) y se trata de una coproducción junto con el Centro Dramático Nacional, la productora Elsinor y la propia compañía, que presentó el proyecto ayer en Barcelona. Álex Ollé, uno de los seis directores artísticos de La Fura dels Baus, es impulsor del espectáculo. El horror que, dice, sintió a raíz de la noticia del asalto y su terrible desenlace, le empujó a crear un montaje sobre el terrorismo para acercar el teatro a la contemporaneidad "como hace el cine continuamente".

Antes de seguir, quizá convenga recordar esa "contemporaneidad" de la que habla Ollé. El asalto al teatro de Moscú causó la muerte de 90 rehenes, muchos de ellos asfixiados por el gas empleado por los rescatadores. Fueron abatidos 42 terroristas, 18 de ellos mujeres y la mayoría de un tiro en la sien.

Para dar forma a esta idea, Ollé acudió al dramaturgo catalán David Plana. Él es el autor de la versión tuneada, como dicen ellos, del texto de Pushkin, fruto de un trabajo de condensación, con un lenguaje actualizado y salpicada de fragmentos de discursos políticos pronunciados por figuras como las de Bush y el Che, entre otros. A su vez, Plana firma junto a Ollé la dramaturgia y la dirección escénica del espectáculo.

Pese al claro punto de partida de la obra, Ollé aclara que la historia está descontextualizada. No hay referencias a ningún grupo terrorista en concreto, ni se ubica en un país determinado. En este caso, se exige al gobierno del lugar donde se representa la función que retiren las tropas desplazadas al país de los terroristas. Un gabinete de crisis, que entra en escena a través de proyecciones videográficas, analiza las peticiones de los asaltantes, mientras una mediadora trata de resolver el conflicto de la manera menos traumática posible. La platea se incorpora a la escenografía en busca de la máxima proximidad entre actores y espectadores.

"El público no interviene de una forma directa", precisa Ollé. Sin embargo, aunque sea de un modo "más reflexivo que activo", los espectadores, afirma, sentirán la claustrofobia y el vértigo de saberse a merced de un grupo de personas armadas de kalashnikov (de fogueo, pero réplicas exactas de armas auténticas).

De nuevo con la ayuda del vídeo, el público les verá colocar explosivos en las dependencias del teatro, y sufrirá su hostigamiento y sus discusiones. La obra refleja también las discrepancias de puntos de vista entre los secuestradores, que responden a distintos arquetipos conocidos de terrorista: el violento, el dialogante, el que lo daría todo por defender sus ideas y el que ve cómo sus principios se resquebrajan en una situación límite.

15 de febrero de 2008

THE ANDERSEN PROJECT (Robert Lepage)


El Teatre Lliure estrenó el pasado día 13 la última obra de Robert Lepage, 'The Andersen project'. Se trata de un monólogo multidisciplinario interpretado por Yves Jacques, informó el Teatre Lliure.


La función está inspirada en dos relatos del autor danés Hans Christian Andersen, 'La dríada' y 'La sombra', y en anécdotas de sus viajes a París.
El monólogo recoge temas comunes en Lepage, como la confrontación entre modernismo y modernidad. Aún así, en esta ocasión también se exploran temas más turbulentos, como la identidad sexual y las fantasías insatisfechas. La obra, además, crea un paralelismo entre los elementos comunes en la vida de Andersen y la de su director, Lepage.
La trama de la historia gira alrededor de un compositor de canciones del Quebec que llega a París para escribir un libro de ópera para niños. El protagonista de la obra ha tenido que dejar su país para encontrar la fama y el reconocimiento del público y, durante su estancia en la capital francesa, conocerá a personajes tan dispares como un mánager de ópera o un artista de graffitis.
La iniciativa de crear esta obra surgió el 2005, cuando Dinamarca celebró el bicentenario del nacimiento de Andersen y se invitó a artistas de todo el mundo para crear obras inspiradas en los cuentos y novelas del autor danés.
En un principio, a Lepage le pareció 'difícil' el reto, ya que apenas conocía nada sobre Andersen ni de su época. Cuando le empezó a conocer, se dio cuenta que eran 'mucho más semejantes' de lo que le hubiera 'gustado', afirmó Lepage en un comunicado.
El único intérprete de la obra, Yves Jacques, trabaja con Lepage desde 2001 en una gira mundial de la obra 'La cara oculta de la luna', por la cual recibió el premio al mejor actor del Théatre du Nouveau Monde de Montreal en 2003.
Lepage destacó que el hecho de que la obra sea un solo 'evoca la soledad' y la convierte en uno de los temas principales de la historia.
La obra podrá verse hasta el 16 de febrero en la Sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure de Barcelona.
Terra Actualidad - Europa Press

10 de febrero de 2008

CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL (Nuria Inglada)

El espacio teatral SALA FLOTANT, en su proyecto de formación continua de la compañía EL PONT FLOTANT, mantiene unos cursos monográficos para el mantenimiento y mejora de las capacidades de actores y actrices de Valencia.
Esta vez estará de nuevo Nuria Inglada con un CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL. Del 25 de febrero al 5 de marzo. Hay plazas limitadas. Para más información y reservas, el teléfono 655.42.08.77

El treball que es proposa en aquest curs es basa en l'objectiu d'obrir la nostra veu i anar més enllà del seus límits. Alhora que obrim, n'ampliem el registre, trobem noves qualitats en el so i diferents classes de veu. Així mateix, es treballa la connexió entre el cos i la veu, ja que cada part de l'organisme té una voz associada i cada so/veu té una emoció/intenció darrere.

Nuria Inglada és llicenciada en Direcció escènica i Dramatúrgia per l'Institut del Teatre de Barcelona, tot rebent el Premi Extraordinari d'Art Dramàtic Institut del Teatre el 1998. Ha dirigit nombrosos muntatges teatrals i ha estat com ajudant de direcció al costat de prestigiosos directors com Joan Castells, Josep María Mestres, Ariel García Valdés, Helena Pimenta,...
Des del 2001 segueix regularment una formació sobre l'expressió de la veu i el cant, en el Centre artístic Roy Hart, França.

(extracto del programa del curso)

3 de febrero de 2008

EL TIEMPO DEL ABSURDO


El próximo martes 5 de febrero de 2008 a las 19'30 h. se inaugura en la sede de la Intersindical Valenciana (c/ Juan de Mena, 18. Valencia. Metro Ángel Guimerá) la exposición EL TIEMPO DEL ABSURDO. Una exposición de carteles de teatro e ilustraciones de la artista Stella Vila a partir de la obra de Samuel Beckett y el teatro del absurdo.


La exposición se podrá visitar de lunes a viernes de 9'30 a 13'30 h y de 17'00 a 19'00 h. Estará hasta el 5 de abril.
Si quieres ver más obra de la artista Stella Vila, pincha aquí.

ESTRENO DE LA COMPAÑÍA COPIA IZQUIERDA

Tras meses de intenso trabajo en secreto y después de superar todos los acosos de espionaje industrial, evitar las cámaras y micrófonos de programas de cotilleo y tele-miseria, llega a nuestros excelsos escenarios el último montaje de la compañía Copia Izquierda, "La Mujer de Amianto" dirigida por nuestra incombustible Eva Zapico. Le acompañan en las tablas Verónica Andrés, Pau Blanco, Maribel Bayona, Sandra Gómez y Merce Tienda.


Estará en el Carme Teatre (que estrena página web) desde el 7 hasta el 17 de febrero (de jueves a domingo a las 20'30 h.).


Aquí podéis ver el cartel, para que nos hagamos una idea de por dónde van los tiros.