20 de diciembre de 2008

VI LLIGA D’IMPROVISACIÓ D’ALDAIA 2009

La Lliga d’Improvisació és un joc teatral en el qual s’enfronten dos equips fent allò que millor saben: teatre. És un muntatge teatral atractiu, simpàtic, amb sentit de l’humor, afectuós, sincer, emprenedor, participatiu i interactiu.

Direcció i organització a càrrec del col·lectiu IMPROU i de l’Escola Municipal de Teatre d’Aldaia (EMTA).
Les entrades es poden comprar a la taquilla del TAMA en l’horari habitual (dimecres i dijous d’11’30 h a 13’30 h i de 19’00 h a 21’00 h). Si no s’han venut totes les entrades, les que queden es podran comprar en el Teatre del Mercat el mateix dia de la representació.

Aforament limitat a 210 butaques.
Preu: 3 euros.

LLIGA D’IMPROVISACIÓ 2009
24 Gener
OFFIMPROFF (València) vs. IMPROU (Aldaia)

31 Gener
QUART (Quart de Poblet) vs. EL GALLINER (Picassent)

7 Febrer
IMPROU (Aldaia) vs. QUART (Quart de Poblet)

14 Febrer
OFFIMPROFF (València) vs. EL GALLINER (Picassent)

21 Febrer
QUART (Quart de Poblet) vs. OFFIMPROFF (València)

28 Febrer
EL GALLINER (Picassent) vs. IMPROU (Aldaia)

Tots els encontres a les 20.15 h. al Teatre del Mercat d’Aldaia.

8 Març 18.00 h. Gran final de Lliga al TAMA

14 de diciembre de 2008

CANTANDO BAJO LAS BALAS (Teatro Valle Inclán. Madrid)


CANTANDO BAJO LAS BALAS.
de Antonio Álamo
Teatro Valle Inclán (Sala Francisco Nieva)
Pza. Lavapiés. Madrid.
Del 27 de noviembre al 21 de diciembre de 2008

Dirigida por Álvaro Lavín, narra el primer acto franquista oficial de la historia, en octubre de 1936 en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, con ausencia del propio Franco, representado por su mujer, Carmen Polo. Dos de los presentes se hicieron con el total protagonismo aquella mañana: el general Millán Astray y don Miguel de Unamuno, que para espanto de todos se enfrentaron con una violencia inesperada. Unamuno estuvo a punto de ser linchado por los legionarios y falangistas presentes, algo que sin duda hubiera sucedido de no mediar la protección de Carmen Polo.

Aquella mañana se vertieron prolijos y farragosos discursos, los primeros y balbuceantes ensayos de la monótona representación que se prolongaría durante cuatro décadas. Pero además de todas aquellas disertaciones, arengas y sermones sobre algo llamado España, cuyos ecos perviven en nuestros días, se escucharon improvisadas palabras que -esta vez sí- provenían del corazón de los hombres que las pronunciaban. Millán Astray gritó: «Viva la muerte», a lo que Unamuno replicó: «Venceréis pero no convenceréis».

12 de diciembre de 2008

CABARET VOLTAIRE en Espai Escénic Brossa

Zuric, 1916.
L'esperit del Cabaret Voltaire era la transgressió i la negació. Era un teatre de l'excés. Acollia poetes, músics i artistes de tots els horitzons. Fou el centre de l'art més nou: DADA. Els manifestos de Tristan Tzara, Hugo Ball o Hueselbeck els declamaven vint persones alhora. Tot aquell que ho demanava participava de les representacions davant una assemblea enfervorida, principalment composada de burgesos i estudiants.

Amb Pau Bou, Xavier Llorens, Isabel Núñez-Castro, Arnau Puig i Albert Riballo.

Del 16 de enero al 15 de febrero de 2009

6 de diciembre de 2008

SOBRE FLORES Y CERDOS (teatro guarromántico)

Un excelente trabajo del polifacético actor y músico gallego Nancho Novo que nos llega en formato teatral “one man show”. Con su particular estilo humorístico, por Novo definido como “guarromántico”, utiliza fragmentos musicales como hilo conductor para crear un espectáculo que profundiza en el amor y la germinación de éste en la pareja. El único propósito de esta fertilizante actuación es que las sonrisas afloren, porque Nancho Novo, como la primavera, la savia altera… Un espectáculo original y diferente. Directo, divertido e insólito, integra plenamente al espectador en la trama y le hace reír desde el principio hasta el final mediante canciones, historias y poesías, gracias a su genial, sarcástico e inteligente sentido del humor.


SOBRE FLORES Y CERDOS
escrita, dirigida e interpretada por Nancho Novo
Del 4 al 14 de diciembre (consultar horarios y precios en la web)
Pza. Rosario, 3 El Cabanyal
96 324 25 52

29 de noviembre de 2008

crónica de un performer (David Fernández)

crónica del estreno de David Fernández en Teatro de los Manantiales. Tomado de su página web sin su permiso.


viernes 28 nov. 2008
joder, el estreno fue de puta madre!!. todo perfecto. somos unos craks. no vino ni dios, eso sí, pero es lo que tenemos los putos outsiders hasta que nos convertimos en putos insiders. la sala es un desastre, un espacio alternativo no tendría porqué ser como un okupa, micha (mi brother-técnico) se las vió y se las deseó para controlar los cables y la errática mesa de luces. isaac, el técnico del teatro, nos ayudó un montón, pero también hacía lo que podía. al menos el calor humano no faltó, gracias esther por los bombones!!.

23 de noviembre de 2008

DAVID FERNÁNDEZ EN LOS MANANTIALES

Durante los últimos años he visto mucho teatro, pero casi todo me ha dejado indiferente. He salido de la sala igual que entraba. Este fue uno de los motivos de crear este blog. Pero de pronto encontré a este muchacho, pura energía, pura rabia, incorfomista con su trabajo y con su propuesta artística.
David Fernández tiene un discurso esencialmente humano: irregular, dubitativo, con altibajos,... imperfecto. Te hace sentir vivo, que lo que está pasando en la sala es real, está pasando delante de ti y tú puedes participar de las sensaciones y emociones que él genera (o no, la decisión es tuya). He visto varias montajes suyos en los últimos años y algunos eran sublimes y otros una auténtica bazofia, pero siempre eran sinceros, verdad. Considerando que el teatro parte de la mentira y de la ficción, de la re-presentación, David siempre está luchando contra esta contradicción: utilizar una convención teatral para huir de la convención teatral. Y siempre sale malparado de la batalla, sale vencido en su propio mensaje. Pero él es constante, coherente y sigue adelante. Espero que lo que nos presente este fin de semana sea acorde a ese espíritu. Allí estaré para acompañarle.
Si quieres conocer mejor su propuesta, visita su blog.

EL CORAZÓN, LA BOCA, LOS HECHOS Y LA VIDA
De David Fernández (Madrid)

TEATRO DE LOS MANANTIALES
C/ Alzira, 25
Reservas: 96 385 74 36
Del 27 al 30 de Noviembre ( 21 h.)




Utilizo el teatro como un espacio de comunicación -sin ficción- construyendo mi discurso con los elementos que me rodean. Los utilizo. Me aprovecho de ellos, pero no le debo nada a la cultura. Nada. A Bach sí. A él se lo debo todo. Pero Bach no es cultura. Bach es un oso.
En esta obra una pantalla de led's va anunciando una estructura narrativa que da cabida a mi propia forma de ver el mundo que me rodea y a mí mismo. Todos los textos, el movimiento y la música están creados en el mismo día de la (re)presentación. Yo mismo controlo a tiempo real toda la música a través de un mando de videojuego Wii, mi violonchelo, mi ordenador y el programa Max/MSP.
Soy un individuo tratando de comunicarse con los demás, por eso prefiero hablar de comunicación en lugar de arte.


17 de noviembre de 2008

LA NOCHE DE SAN JUAN (Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico)

LA NOCHE DE SAN JUAN
Del 20 al 30 de noviembre
Plaza del Rosario nº 3 - El Cabañal / Cañamelar
Valencia
Información: 96 324 25 52


compañía: Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico
autor: Lope de Vega
versión: Yolanda Pallín
director: Helena Pimenta

Se dice que la noche del 23 al 24 de junio, la de San Juan, es la más corta y luminosa del año. El genio de Lope de Vega ideó, en 1631, esta maravillosa comedia ambientada en el río Manzanares de Madrid en la que, durante esa noche mágica estival, varias mujeres, alegres e independientes, parten en busca del amor y de futuros esposos. La noche de San Juan no recrea la tradición rural de dicha festividad, es la adaptación que la gran ciudad realiza de ella a un estilo de vida más sofisticado. La obra formó parte del festival que el conde-duque de Olivares organizó en honor al rey Felipe IV para distraerlo de sus graves problemas políticos y la desesperada situación de sus súbditos.

10 de noviembre de 2008

Estreno de BRAMANT TEATRE

2.24 Es un texto inquietante de género epistolar que plantea un viaje que cruza los límites de la razón y el delirio. Un thriller psicológico escrito para dos personajes que comparten un vagón de metro el tiempo que transcurre entre dos paradas; dos minutos y veinticuatro segundos. Una historia en que un día cualquiera, cuando uno de los personajes se dispone a salir del vagón un papel se desliza entre sus cosas y cae al suelo. Y así, sin dirigirse la palabra empieza este viaje... O quizá no?... La verdad, es que carta a carta, día a día, la tensión entre ambos crecerá como enredadera a ritmo de tango.



Un estremecedor viaje donde realidad y sonidos son las dos caras de una misma moneda.

2.24 es una coproducción de Bramant Teatre y Teatres de la Generalitat Valenciana dentro de la línea NOVES DRAMATURGIES 08’ con la colaboración de Fundación Carolina Torres Palero, Ajuntament de Picassent, Metro Valencia y FGV.

Bramant Teatre, la compañía valenciana que sorprendió con “Construyendo a Verónica” y se consolidó con “Reencuentros”, llega “2.24



L'Altre Espai. Del 12 al 23 de noviembre de 2008.

9 de noviembre de 2008

DANIEL HIGIÉNICO en El Loco Club. Valencia

El próximo domingo 16 de noviembre DANIEL HIGIÉNICO presenta "CANCIONES Y SOLILOQUIOS" en El Loco Club.



No anda precisamente sobrada la escena musical española de personajes carismáticos y transgresores, de artistas que caminen en el filo de los géneros ofreciendo alternativas diferentes e inteligentes. La banalidad imperante hace que propuestas como las de Daniel Higiénico se tengan que contentar con trabajar en los márgenes de un negocio que aspira a lo intrascendente por miedo a herir susceptibilidades varias. Daniel Soler, o lo que es lo mismo, Daniel Higiénico, es uno de esos personajes que habitan un espacio artístico propio, ajeno a los convencionalismos del mercado. Como en sus trabajos anteriores Daniel Higiénico vuelve a desarrollar todo su potencial basado en su eclecticismo musical, unas letras afiladas que caminan entre lo real y lo absurdo, la ironía y el sarcasmo, dibujando esas situaciones cotidianas que se tornan kafkianas y en las cuales todos hemos caído sin querer alguna que otra vez. También hay cabida para la ternura, el humor y la fantasía, ingredientes todos ellos que Daniel Higiénico sabe mezclar con naturalidad contribuyendo a potenciar esa química especial entre el artista y su público. Daniel Higiénico edita un nuevo disco, y eso, de por si, ya es una buena noticia.


(tomado de la web de EL LOCO CLUB)


DANIEL HIGIENICO "Canciones y soliloquios"
Domingo 16 de noviembre
El Loco Club de Valencia a las 19:00 h.

Entrada: 10 €
Reservando por la web un CD "Mentiras Podridas" de regalo.
Envia un mail a produccioneshigienicas@yahoo.es

2 de noviembre de 2008

ARBUSHT (Teatro de los Manantiales)

Las compañías Hongaresa de Teatre y Los Locos de Valencia presentan en Teatro de los Manantiales "ARBUSHT".
Del 6 al 16 de noviembre, a las 21'00 h.

Arbushto hace un recorrido por la sórdida biografía de George Bush Junior. Toda la acción transcurre en unos urinarios alicatados de un blanco absoluto. Pero detrás de esas puertas se esconden las deyecciones y otras escabrosas actividades que contaminan el planeta en nombre de la democracia global.

AUTOR Y DIRECTOR: PACO ZARZOSO

ACTORES: Toni Sancho, Ruth Atienza, Víctor Vila, Paco Zarzoso.

MÚSICO: Nestor Mir.

21 de octubre de 2008

EL CASO DEL ESPECTADOR (Teatro de los Manantiales)


El caso del espectador

María Jerez

Con este trabajo quiero poner en cuestión el punto de vista del espectador a través de la utilización de un dispositivo que me permite fragmentar la realidad de lo que se está viendo; así como el poder que la representación, la ficción y el virtuosismo tienen sobre nuestros mecanismos de percepción.


A través del uso de la cámara se plantean dos realidades que transcurren paralelamente y que no establecen algo absoluto sino que fragmentan la realidad en una situación escénica y una situación cinematográfica proponiendo múltiples espacios que conviven en uno, tiempos que transcurren en contradicción, estructuras que se desarrollan hacia el infinito, dobles imágenes, juegos de realidad y ficción. Profundizando, así, en el estudio del lenguaje coreográfico, cinematográfico y teatral y en el cuestionamiento de los roles adquiridos como espectador y de las convenciones del cine y del teatro.


El dispositivo creado consiste básicamente en un sillón (de espaldas al espectador), una televisión y una cámara que manejo desde el propio sillón para crear la película, de la cual, yo misma, soy espectadora.


Gracias a la disociación de mi cuerpo puedo plantear dobles acciones, dobles imágenes que me permiten proponer, en directo, dos tiempos narrativos simultáneos: el escénico y el cinematográfico que vemos en la tele. El poder de la ficción y el virtuosismo de la realización ponen al espectador en una situación de distancia e implicación de la cual entra y sale intermitentemente.


15 de octubre de 2008

FIESTA PRESENTACIÓN FESTIVAL PEQUEÑO TEATRO DE RADIO CITY



FIESTA DE PRESENTACIÓN

Jueves 16 de octubre. 23'00 h. Entrada Libre.

Con la actuación de Teatro Instantáneo (Improvisación).

11 de octubre de 2008

ARTE'n'PORRETA




DEL 19 DE SEPTIEMBRE AL 12 DE OCTUBRE DE 2008
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Viernes y sábados 21 h. Domingos 19h.
en la sala CATARASTROFEATRO.
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Para más información sobre la compañía, pincha aquí.

5 de octubre de 2008

DE TRIZAS CORAZÓN

Se llaman D-ESAS-3 y presentan, en el Circuito Café Teatro de Valencia su espectáculo "De Trizas Corazón". Os pongo los días y lugares donde podéis verlas. ¡¡No os lo perdáis!!





Domingo 12 octubre (20'00 h.) en CAFÉ TOCADO.

Martes 14 octubre (23'00 h.) en CA REVOLTA.

Sábado 18 octubre (20'00 h.) en LA FLAMA.

Domingo 19 octubre (20'00 h.) en 1900 CAFÉ TEATRO (Manises)

Miércoles 22 octubre (23'00 h.) en WOODY-CAFÉ PARÍS

Jueves 23 octubre (23'00 h.) en SWAN.

Viernes 24 octubre (23'00 h.) en PASIÓN POR EL RUIDO.

Sábado 25 octubre (20'00 .) en KRAKEN.



Para más información sobre el circuito, pinchad aquí.

28 de septiembre de 2008

CURSO DE DRAMATURGIA (Paco Zarzoso)

TALLER DE ESCRITURA DRAMÁTICA. CREACIÓN DE PERSONAJES COMPLEJOS

SGAE Valencia.
Blanquerías, 6 - Valencia.
Tlf.: 96 315 54 10

Del 7 al 30 de octubre (martes y jueves, de 16'00 a 20'00 h.)

Profesor: Paco Zarzoso

Actor, director y autor de numerosos textos y obras dramáticas como “Valencia”, “Ultramarins”, “Mirador”, “Cocodrilo”, “Umbral”, entre otras muchas, y que han cosechado numerosos galardones y reconocimientos del sector teatral como el Premio Marqués de Bradomín, el Premio de la Crítica de Valencia, el Premio Max Aub de Teatres de la Generalitat, el Premio SGAE de Teatro o el Premio de la Ciudad de Barcelona.
Paco Zarzoso dirigirá este taller para todos aquellos profesionales de las artes escénicas y escritores que estén interesados en la escritura teatral, y más concretamente en la creación de personajes, elemento indispensable en cualquier texto dramático. Durante el taller, eminentemente práctico, se trabajará sobre diferentes herramientas de la teatralidad, priorizando la creación de personajes complejos. Personajes polifónicos y valientes a la hora de subir y bajar los escalones de la escala humana.

OTOÑO EN TEATRES DE LA GENERALITAT

No sé cómo me atrevo -¡qué osadía!- pero voy a intentar recomendaros -siempre bajo un criterio muuuuuuy personal- algunas cosas de las que propone Teatres para este otoño. Allá voy.


BARROCO. Del 1 al 5 de octubre en el Teatre Principal.

Una obra dirigida por Tomaz Pandur a partir de "Las Amistades Peligrosas" de Choderlos de Laclos y "Cuarteto" de Heiner Muller. Interpretada -magistralmente- por Blanca Portillo y Asier Etxeandía (y Chema León). La obra merece ser vista por la oportunidad de ver sobre las tablas a estas dos bestias escénicas como son Blanca y Asier, pero la obra no acaba de cuajar.
Mejor que yo lo explica la siguiente crítica. Y esta otra.



LA DAMA DEL MAR.
Del 5 al 9 de noviembre en el Teatre Principal.

Montaje basado en el texto de Henrik Ibsen -esto ya promete-, interpretado por Ángela Molina -se pone interesante- y dirigida por Robert Wilson -no nos lo podemos perder-.

Todavía no he leído nada sobre el montaje pero con Wilson al volante, creo que no podemos dejar pasar esta oportunidad. Robert Wilson es uno de los directores escénicos más importantes del mundo, y en esta nuestra ciudad, no tenemos muchas oportunidades de ver este tipo de propuestas. Espero que esté a la altura.
Para valorar mejor, os remito a la siguiente crítica.





(en el próximo post, más recomendaciones)

27 de mayo de 2008

I CURSO INTERNACIONAL DE VERANO DE POÉTICA DE LOS SENTIDOS E IMAGEN SENSORIAL

Arquitecturas invisibles

Contenidos:

La oscuridad y el silencio como punto de partida para construir espacios, espacios en los cuales permitir a la imaginación que viaje.
¿Cómo esculpir la oscuridad?, ¿cómo esculpir un silencio?
Arquitecturas creadas de olores, imágenes, sonidos, matices de la oscuridad…
¿Es posible encontrar estas arquitecturas en lugares como la ciudad, un bosque, una calle, en los lugares donde estamos acostumbrados a percibir solo a través de la vista?
¿Cuál es la interacción entre el objeto y el espacio?, ¿cuando el objeto deja de ser una decoración y logra significar un espacio, contar una historia?
¿Qué es un espacio íntimo? y ¿cómo podemos encontrar este espacio íntimo en un espacio abierto, o en un espacio cerrado o en uno colectivo?
¿Qué es un espacio de la memoria?
¿Cómo se mueve nuestro cuerpo en estas arquitecturas de la imaginación?

A partir de un recorrido de búsqueda elaborado según el lenguaje sensorial, el curso afrontará estos temas.
El juego como instrumento de aprendizaje, la posibilidad de descubrir que podemos tocar con las palabras o con un sonido, sentir un olor, ver con el gusto, descubrir que “tenemos un solo sentido con muchas ventanas”.

El taller está enfocado hacia dos caminos paralelos: uno será el apropiarse de los elementos básicos del lenguaje sensorial y el otro, con estas herramientas, construir arquitecturas invisibles, además de buscarlas en la ciudad de Barcelona y en su entorno.



Inscripciones:

Reserva a través de caixadeines@teatrodelossentidos.com
Las inscripciones se harán efectivas a través del ingreso del 50% del precio total en la cuenta corriente de Caja Madrid (2038 9249 0160 0005 3244).
Precio: 500 euros
Descuentos: 15% socios de la SGAE

21 de mayo de 2008

ANGELICA LIDDELL EN LA CASA ENCENDIDA

LA DESOBEDIENCIA: 3 CONFESIONES, DE ANGÉLICA LIDDELL

Experiencia personal
Después de sus premiados montajes exhibidos en el CDN, Angélica Liddell reúne en La Casa Encendida tres acciones de rebeldía de mujer.

La teatrera integral Angélica Liddell reúne por primera vez en Madrid tres acciones diferentes de rebeldía femenina, nacidas de experiencias personales, que integran textos, vídeos y creaciones plásticas. Con el título de La desobediencia: 3 confesiones, Liddell mostrará estas acciones sólo durante tres días, desde el miércoles 21 hasta el viernes 23. En cada representación, la artista utilizará, consecutivamente, un aula, la terraza y el patio de La Casa Encendida, lugar elegido para acoger las representaciones.
"Las tres acciones las presenté juntas en el Festival Citemor, en Portugal, en el verano pasado, y fue una experiencia hermosa", cuenta Angélica Liddell. Y continúa: "Tiene un gran sentido el reunirlas, porque componen un recorrido de rebeliones de la mujer contra el lugar que le han obligado a ocupar". Con la primera acción, Lesiones incompatibles con la vida, Liddell inauguró en este mismo local, en 2003, el Ciclo Perfil que le dedicó el Festival Escena Contemporánea, en el que desplegó su grotesco y cáustico Tríptico de la aflicción, compuesto por tres piezas teatrales de su compañía Atra Bilis que diseccionan la familia, la infancia y la educación. "Parto de mi idea de no tener hijos y de usar mi cuerpo como mi protesta poética", dice Liddell. La segunda acción, Broken Blossoms (Casa de América, 2004), "es una creación que cuestiona e ironiza la consideración social de que un autor teatral es inteligente e importante", comenta la actriz. Finalmente, dice Liddell, "en Yo no soy bonita (Museo Reina Sofía, 2005), me pareció oportuno contar un abuso que sufrí cuando tenía nueve años, que nunca me había atrevido a narrar, sublimándolo como un objeto estético". Las tres acciones tienen textos poéticos; en la primera, domina la creación plástica, la segunda incluye imágenes de un trabajo con disminuidos psíquicos y en la tercera hay un caballo en escena.


Una artista total
- Actriz, poeta, escenógrafa, autora y directora teatral, Angélica Liddell ha cultivado una estética propia y conmovedora en quince años de obras con su compañía Atra Bilis Teatro, entre ellas, Perro muerto en tintorería: Los fuertes y El año de Ricardo (CDN, 2007).
- Entre los últimos premios y distinciones a su trabajo se cuentan el Premio Valle-Inclán de El Cultural para su reestreno de El año de Ricardo en el CDN, el Premio del Público de la web Notodo para Perro muerto en tintorería: Los fuertes, y el accésit del Premio Lope de Vega 2007 a su texto Belgrado.
- Sus obras se han estrenado también en Alemania, Bielorrusia, Brasil, Bolivia, Colombia, Chile, Francia, Portugal y República Checa.

Fecha: 21 de Mayo de 2008 hasta 23 de Mayo de 2008
Autor: Angélica Liddell
Director: Angélica Liddell
Intérpretes: Angélica Liddell
Género: Acciones. Teatro interdisciplinar
Horario: X, J y V a las 22 h.
Precio: 3 euros.Venta Anticipada: entradas.com, en el tel. 902 22 16 22 y cajeros de Caja Madrid e Ibercaja
Ver mapa Casa Encendida

(información elaborada por José Henríquez; tomada de La Guía del Ocio. Madrid.)

8 de mayo de 2008

TITIRIMUNDI. FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE TÍTERES DE SEGOVIA

El número de espectadores aumenta cada año, hasta los 80.000 de la pasada edición, y esta gozosa realidad obliga a los organizadores de Titirimundi a incrementar la oferta en Segovia sin descender la calidad y a expandir el Festival Internacional de Títeres a Madrid y su comunidad durante las fiestas de San Isidro. La vigésima segunda edición de Titirimundi programa este año en la ciudad del acueducto medio centenar de compañías con un total de 350 representaciones entre los días 8 y 15 de mayo.
Las claves del prestigio creciente y del éxito de público de Titirimundi se encuentran en palabras del director del festival, Julio Michel, en «combinar tradición y vanguardia, y en ofrecer una programación que permite recorrer la historia del teatro de títeres hasta encontrarse con los espectáculos más vanguardistas», donde el público observa las técnicas y corrientes más innovadoras, incorporadas al teatro de títeres y marionetas. Asimismo, la oferta de espectáculos para todas las edades, incluidos los adultos, y los numerosos escenarios al aire libre en la capital segoviana garantizan la afluencia masiva de espectadores.
En el apartado más clásico, se encuentran las actuaciones de los más genuinos representantes del teatro de cachiporra, el italiano Salvatore Gatto con Pulcinella, una historia contada en 60 minutos sobre este personaje de la commedia dell'arte, a través de unos personajes manejados con la técnica de los títeres de guante napolitanos, le guaratelle, que recoge una tradición que se remonta al siglo XV.

Sarcástica comicidad. De Inglaterra, Rod Burnett, uno de los más virtuosos y versátiles artistas de marionetas que maneja numerosas técnicas del títere, trae Punch & Judy, una propuesta también de títeres de guante, que parodia con una comicidad cruel y sarcástica, las contradicciones del hombre y sus flaquezas, induciendo a la sonrisa. Los países del centro de Europa y la República Checa de manera particular, han conservado la tradición ininterrumpida, convertida en sabiduría y arte, del teatro de marionetas. Titirimundi programa tres compañías checas (Vita Marcik, Carromato y Alfa Teatro), una húngara (Mikropódium) y otra rusa (Víctor Antonov). Alfa Teatro cerrará la edición de este año en Segovia con Los tres mosqueteros, recuperados en marionetas de madera para recrear la novela de Alejandro Dumas con la incorporación en el desarrollo de la historia del humor de los cortometrajes de Max Linder de los años 20. El histrionismo de los muñecos, las peripecias de la acción, la innovación del lenguaje mediante sms y la música en directo, con músicos que se incorporan al espectáculo divertirán al público asistente. Entre las propuestas más vanguardistas se encuentran Vampyr de Stuffed Puppet de Holanda, que construye un relato sobre la fidelidad y la deslealtad a través de un padre y una hija que conocerán a otros personajes en un camping. Con este soporte argumental presentan al espectador los oscuros secretos de familia, las humillaciones de los padres sobre los hijos, la rivalidad generacional, etcétera, para plantear situaciones parecidas de temor o miedo, de amor o pérdida de la inocencia, que pueden permanecer ocultas en el subconsciente del espectador. Neville Tranter, el creador de este montaje, maneja unos muñecos de iguales proporciones que él y se incorpora a la acción teatral, relacionándose con el títere, mostrando la capacidad para desdoblarse en actor y manipulador de objetos.

Ceremonia surrealista. Joan Baixas, pintor y marionetista, recupera un espectáculo concebido hace un cuarto de siglo por Joan Miró, titulado Merma nunca muere. Lo reconstruye en el sentido genuino, tal y como lo ideó el artista catalán, que lo pensó para su representación en la calle, aunque en su estreno sólo visitara los grandes teatros. Merma nunca muere se representa con unos actores que se meten dentro de unas grandes cabezas, muy mironianas por su concepción y colorido, con vestidos acorde y calzados con unos grandes zapatones, para protagonizar una ceremonia surrealista. Los diseños se inspiran en los dibujos de Jarry para Ubu rey, dramaturgo por el que Miró sentía una profunda admiración, hasta el punto de manifestar su deseo de morir como el héroe de Jarry, diciendo «merdre».
El espectáculo denuncia las maniobras que se realizan desde el poder, en clara referencia a la dictadura franquista, finiquitada en 1978 cuando Miró en colaboración con el grupo La Claca escribió esta pieza. Censura las consignas que se establecen, la manipulación de la opinión pública, los abusos del poder o el miedo a la libertad. La propuesta no ha perdido actualidad porque, al decir de Baixas, «la tensión en el ámbito político internacional está haciendo aparecer, en el poder democrático, actitudes que parecían propias de la dictadura: la mentira, la limitación de los derechos de las personas, la tergiversación de la información, el popularismo, el fanatismo, la manipulación de la opinión con argumentos morales y otras burradas semejantes». El humor, la belleza plástica, la vistosidad y el pasacalles final entretienen, al tiempo que permiten ver una rareza, felizmente recuperada por Baixas.

El alma de los objetos. El teatro de objetos también tiene cabida en Titirimundi, con una buena selección de espectáculos como A distances de la compañía francesa Les ateliers du spectacle, una propuesta con siete piezas breves, interpretadas por dos actores con un sinfín de dispositivos escénicos visuales y sonoros, que recuerdan en la concepción y desarrollo del montaje a aquellos antiguos titiriteros que visitaban los pueblos para mostrar sus habilidades y entretener a un público sin distinción de edades o cultura. A distances es un espectáculo bello y poético, con capacidad de distraer.
En el apartado de objetos, La Chana presenta Entre diluvios una sucesión de historias recreadas con un cierto sentido paródico sobre textos bíblicos. Los actores Jaime Santos y Áurea Pérez cuentan los relatos a la par que manipulan una serie de objetos muy simples que parecen cobrar vida, incorporándose a la representación como un elemento más. El artista Dominique Kerignard en El circo de las pulgas se transforma en Alfredo Panzani, domador de pulgas. Los insectos no existen pero la capacidad de ilusionar al espectador parece que estos animalitos salten, piquen y chupen la sangre.

Sensaciones de ensueño. Como otro homenaje a los «húngaros» o feriantes de antaño las compañías francesas Des Chiffonnières y Le Quarantième Rugissant presentan El baile de los locos, que se desarrolla en su carromato, reconstruido después del accidente que sufrieron el pasado año, cuando viajaban hacia Titirimundi. En el interior se goza con un espectáculo que narra tres historias basadas en Moby Dick, contadas con títeres y cine de animación, que permite crear sensaciones de ensueño: una sala que aparece y desaparece, un velero que transporta a otros mares, un orient-express lleno de misterios y un teatro a la italiana.
La programación se completa con otros espectáculos de títeres (www.titirimundi.com) y con compañías procedentes de América, Mali (Sogolón) con un espectáculo muy tradicional que muestra una ritualidad ligada a las costumbres de ese país africano, la India (Khairati Bhatt) con títeres hechos con cabezas de madera y brazos de tela rellena, los khatputli, o de Turquía con Cengiz Özek Shadow Theatre, que acercará al público a la tradición del Karagöz, teatro de sombras turco. Para que la variedad no falte, el Dúo Mayalde interpretará canciones del folclore popular en su actuación en la plaza San Martín, acompañados de originales instrumentos: unos de construcción propia como el «berna-beé», otros utilizando cualquier objeto cotidiano, desde cucharas a orinales, pasando por los útiles propios del campo, sin dejar de utilizar escobas, cazuelas, morteros, trillos, horcas, vasos, huesos, etcétera. La extensión de Titirimundi en Madrid contempla un total de 64 actuaciones que se programan en 14 localidades de la Comunidad y en la capital, en lugares singulares como la Plaza de Oriente, el Reina Sofía, la Corrala de Lavapiés, o en espacios cerrados, La Casa Encendida, el Círculo de Bellas Artes, la Sala Pradillo o la Universidad Complutense.

José Gabriel Antuñano
(texto íntegro de ABCD, suplemento cultural de ABC)

5 de mayo de 2008

I PREMIO INTERNACIONAL DE TEATRO PARA AUTORES NOVELES "AGUSTÍN GONZÁLEZ"


“Desde este solitario andén, donde me ha descarrilado el corazón hace unos días, te escribo cielo arriba por si puedes leerme. Me pregunto a estas horas:¿Cómo estarán los ánimos del genio? Te imagino estrenando ese nuevo escenario con chaqueta cruzada y corbata de lazo. Te supongo enredado en discusiones nuevas o tronando a los truenos tu tristeza, tu entrañable desazón por tantas cosas. Decirte, que en este Madrid nuestro, el cine fundió a negro el domingo dieciséis hacia las once y el teatro echó telón precipitado, al quedarse sus gentes sin voz y sin palabras. El lunes, de mañana, un frente de cariño barrió de sur a norte las aceras, con intervalos de lágrimas, aplausos y recuerdos por la Puerta del Sol y sus alrededores. Luego fue quedando el vacío rodando por las horas, la amarga sensación de tu mutis sin más inesperado.
Nos han robado charlas frente a cafés y vinos hablando de los hombres y su historia, aprendiendo contigo de flamenco y de toros, descubriendo poemas de poetas malditos. Recuerdo tu doble carraspeo entre una frase y otra, tu gesto ladeado, tu asombro divertido.
Habremos de encontrarnos en un lugar cualquiera donde poder hablar y ser amigos y buscar funciones de teatro del grande, de Pinter, Pirandello, teatro con mayúsculas, que decías tu siempre, tu siempre con mayúsculas actor, con mayúsculas, ahora, para ti, mi abrazo y mi hasta siempre.”
Escribí estas palabras aproximadamente una semana después de que como dijera el gran poeta Miguel Hernández “un empujón brutal” derribase a quién era mi amigo y uno de los mejores actores que han nacido en nuestro país. Fueron pasados unos días, despertando del efecto narcótico y de ensoñación de los golpes por sorpresa, de ese estado en el que parece que todo cuanto sucede a nuestro alrededor forma parte de una ficción sobrevenida, cuando pude empezar a respirar el dolor de la perdida y tratar de expresarlo en la forma en que desde niño me he sentido más cómodo: escribiendo.
Ahora, pasados ya tres años, es cuando he decidido llevar a cabo lo que, desde aquel momento, supe que haría, promover algo que permitiese que en este país, tan proclive a la memoria escasa, el nombre y la figura de Agustín permaneciesen en el recuerdo. Ese es el motivo fundamental de la creación de este certamen, y por ello me pareció lo más apropiado que la sustancia esencial del mismo fuese extraída de las horas de charlas con Agustín y de su preocupación por la búsqueda de autores capaces de escribir teatro de calidad. Espero que esta iniciativa ayude a incorporar nuevos creadores que merezcan alcanzar ese rango que de forma tan personal acuñó mi querido Agustín: “Autores con mayúsculas”

12 de abril de 2008

LES ÉPHÉMÈRES (Théâtre du Soleil)

El Théâtre du Soleil renueva la narrativa teatral con su estreno en París de Les Éphémères, un impresionante drama de ocho horas dirigido por Arianne Mnouchkine

EL PAÍS. Babelia. Javier Vallejo. 12/abril/2008.
A mediodía, cincuenta minutos antes de que Les Éphémères comience, el graderío doble, de aire decimonónico, está a reventar: creí que esto sólo pasaba hoy en el fútbol. Tres personas acomodan a los rezagados. Una es Arianne Mnouchkine, directora del Théâtre du Soleil, que arrima el hombro como uno más. Tengo suerte: queda un escaño libre en la segunda fila de la grada oeste. El público se fotografía: eso tampoco lo había visto en un teatro. Éste bulle como un cine de barrio. El escenario, central, es el más largo y estrecho que haya visto jamás: con dar dos pasos, los espectadores de uno y otro lado nos encontraríamos en medio. En los extremos, hay dos portones con telones corredizos. Mnouchkine advierte: "Cuando se abran, entrará una corriente que en las primeras filas será insoportable. Les rogamos que acepten estas mantas". Mientras nos arropamos, comienza el espectáculo. Por el portón derecho, sobre una plataforma circular rodante, entran la verja y la puerta de una casita, con el cartel de "se vende". Detrás, viene una mujer. Se queda mirando el cartel melancólicamente, abre la puerta con llave y, al atravesarla, aparece otra plataforma con el salón, por el lado opuesto. Camina hasta allí. Se sienta. Un hombre joven ve el cartel y llama. Ella le abre, le hace pasar al salón, le ofrece ver el jardín. La puerta con el cartel desaparece por donde vino, el salón se desliza hasta ocupar su lugar y el jardín mencionado aparece por el lado opuesto. La propietaria y el comprador entran en él. Narro esta secuencia con detalle para que visualicen esas tres plataformas, deslizándose a ras de suelo en una dirección, con sus escenografías respectivas, y los actores atravesándolas limpiamente en dirección contraria. Es un travelling con todas las de la ley, resuelto sin pantalla, cámara ni gadget tecnológico alguno. Mnouchkine ha trasladado el lenguaje cinematográfico al teatro con una inventiva alucinante. Sólo por eso, este espectáculo vale lo que dura. Pero es que, además, nos tiene en vilo. Fíjense: no sabemos nada de la dueña de la casa ni del comprador, pero cuando su abogado le extiende un papel para que firme el compromiso de venta y ella se queda pensativa, deseamos profundamente que se eche atrás. Sin habernos puesto en antecedentes, Mnouchkine consigue que nos pongamos en el pellejo de quien parece estar vendiendo a su pesar, empujada quién sabe por qué giro de la fortuna. Y en cuanto la mujer firma, todo y todos se esfuman, entran personajes nuevos en sus platós rodantes, y comienza otra historia.

En Les Éphémères (Los efímeros) hay una docena de historias que se entrecruzan, se interrumpen, reaparecen y confluyen. Alguna vale por sí sola el espectáculo entero.

(seguir leyendo el artículo)

7 de abril de 2008

RADICALS LLIURE 2008


Segona edició del cicle Radicals Lliure, una finestra a propostes escèniques de diversos formats que sovint no tenen la possibilitat de ser mostrats a un públic ampli, presentades des de la vocació d'obrir espais per als creadors d'avui i de proposar noves formes per a les ments més obertes.A més, amb els Radicals Lliure continuem la tasca de facilitar un espai de trobada entre elscreadors i els professionals del sector i fomentar el debat al voltant de les arts escèniques. Per aquest motiu, el cicle es tancarà l’últim cap de setmana amb el Radicals Weekend: una mostra per a professionals on convidem programadors nacionals i internacionals a participar en aquest espai d’intercanvi.

domini públic roger bernat / f.f.f. 10, 13, 19 i 24 d'abril - 3 i 4 de maig


trigger maria stamenkovic - guillaume marie 11, 12, 13 i 17 d'abril - 1 i 2 de maig



protégeme, instrúyeme 1.1 marta galán 17, 18, 19 i 27 d'abril - 2 i 4 de maig


duques de bergara unplugged sergi fäustino 18, 19 i 20 d'abril - 3 i 4 de maig


brindis per zoé joan baixas – agustí fernández 24, 25, 26 i 27 d'abril - 1 i 2 de maig



cargo sofia-barcelona stefan kaegi / rimini protokoll 25, 26, 28, 29, 30 d'abril i 2, 3, 5, 6 i 7 de maig





6 de abril de 2008

NOMINACIONS ALS PREMIS ABRIL 2008

Els “Premis Abril” naixen des de l’estructura creada per les associacions professionals de les arts escèniques valencianes. Després de l’anunci de crear uns premis per als professionals del teatre i la dansa de la Comunitat Valenciana, emés el març de 2006, es pretén agrupar tots aquells que treballen en qualsevol sector o vessant de les arts escèniques, tant des d’àmbits artístics, com tècnics o de gestió.

La edició de 2008 dels Premis Abril de les Arts Escèniques presenta els seus finalistes. Prop de 80 persones i entitats opten a estos guardons, que seran decidits pels més de 600 professionals de la Comunitat Valenciana inscrits per a participar.
Fins el pròxim 17 d'abril es pot votar en les 23 categories en www.premisabril.com. En esta segona ronda els usuaris només podran votar una vegada a cada candidat o candidata.

El acte de lliurament dels Premis Abril sera el pròxim 21 d'abril en la sala Mirror de València (antiga sala Cormorán).

Aquests són els finalistes que pasen a la segona ronda de votacions:

MILLOR TEXT
Jerónimo Cornelles per REENCUENTROS
Patricia Pardo, Carlos García i Juli Disla per T'ESPERE BAIX
E. Federman, N. Caniglia, M. Kartun i C. Martínez Bel per GOSSES

MILLOR VERSIÓ O ADAPTACIÓ DE TEXT
Jerónimo Cornelles per GOSSES
Diego Braguinski per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Eva Zapico per MERTEUIL

MILLOR ACTOR
Pep Ricart per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Carles Sanjaime per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Sergio Caballero per LAS SIRVIENTAS

MILLOR ACTOR EN UN PAPER DE REPARTIMENT
Josep Manel Casany per GOSSES
Enric Juezas per T’ESPERE BAIX
Chema Cardeña per GOSSES

MILLOR ACTRIU
Carol Linuesa per REENCUENTROS
Laura Useletti per REENCUENTROS
Merce Tienda per MERTEUIL

MILLOR ACTRIU EN UN PAPER DE REPARTIMENT
Merce Tienda per KRAFT
Rosanna Espinós per T’ESPERE BAIX
Maria Poquet per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)

MILLOR BALLARÍ
Santi de la Fuente per TODO POR HACER
Toni Aparisi per MULADAR
Luis Meliá per MALAJES
Jesus Caramés per MULADAR
Iker Arrue per AMADA CANDELA

MILLOR BALLARINA
Cristina Fernández per MUERE-T
Geles Alonso per TRI.O
Eva Bertomeu per TEMPS FUGIT

MILLOR VESTUARI
Fusión per EFEKTOS
Pacual Peris per AMADA CANDELA
Miguel Carbonell i Maria Almudéver per MUERE-T
Libertad Correas per MERTEUIL

MILLOR IL.LUMINACIÓ
Víctor Antón per EFEKTOS
Víctor Anton per MUERE-T
Ximo Rojo per MULADAR

MILLOR ESPAI ESCÈNIC
Assad Kassab per L’INFERN DE MARTA
Toni Aparisi per MULADAR
Leo Burcaizea per MERTEUIL

MILLOR MÚSICA ORIGINAL O ESPAI SONOR
Jesús Serrano per EFEKTOS
Jesús Serrano per MERTEUIL
Daniel Flors i Jesús S. Chapi per MULADAR

MILLOR IMATGE GRÀFICA
Assad Kassab per EFEKTOS
Estudi Paco Bascuñan per KRAFT
Eusebio López per MERTEUIL

MILLOR DIRECCIÓ ESCÈNICA DE DANSA
Yoshua Cienfuegos per AMADA CANDELA
Isabel Pérez per EFEKTOS
Cristina Andreu per MALAJES

MILLOR DIRECCIÓ ESCÈNICA DE TEATRE
Jerónimo Cornelles per REENCUENTROS
Gemma Miralles per L’INFERN DE MARTA
Chema Cardeña i Toni Aparisi per MULADAR
Carles Sanjaime per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Laura Useleti per GOSSES

MILLOR COREOGRAFIA
Isabel Pérez per EFEKTOS
Cristina Andreu per MALAJES
Cristina Fernández per MUERE-T

MILLOR EMPRESA PRODUCTORA
Copia Izquierda + VEO per MERTEUIL
Bambalina per KRAFT
Bramant Teatre per REENCUENTROS

MILLOR SALA DE LA COMUNITAT VALENCIANA
TEATRE MUNICIPAL de Picassent
TAMA d’Aldaia
SALA L’HORTA (Castellar)

MILLOR ESPECTACLE DE TEATRE DE CARRER
SCURAPLATS per FACTUM FLAMMA
VISITANTS per PARADEFOCPARADE

MILLOR ESPECTACLE PER A XIQUETS I XIQUETES
L’Horta Teatre per ELS CALCETINS PERDUTS
El Acróbata Producciones / L'Excentric Teatre per NOCHE DE FUNCIÓN
TdJ Producciones per NATATXA

MILLOR ESPECTACLE DE TEATRE DE SALA
Bramant Teatre per REENCUENTROS
Copia Izquierda + Veo per MERTEUIL
Companyia Ornitorincs per MALA RATXA (Glengarry Glen Ross)
Albena Teatre per GOSSES

MILLOR ESPECTACLE DE DANSA
Krisis teatro per MUERE-T
Ballet Español Fusión per EFEKTOS
La Sonrisa de Caín per MALAJES

LA TRISTEZA DEL TEATRO (Julio A. Máñez)

JULIO A. MÁÑEZ, El país, 03/04/2008

Una de las víctimas de la cultura de escaparate que con tanto afán practica el Gobierno de Francisco Camps es la escena teatral valenciana, que proporciona una especie de encefalograma plano desde hace ya bastante tiempo. Las causas de una situación que cabe calificar de dramática son variadas, pero da la casualidad de que se apoyan unas a otras para ir consumando el desastre. Está por hacer en detalle la historia del teatro público valenciano desde 1987, fecha de la puesta en marcha del Centre Dramàtic de la Generalitat, hasta nuestros días, pero hay que constatar que aquel primer paso tuvo su importancia y colocó a esta comunidad en el mapa escénico español, a menudo pese a la actitud de una profesión autóctona que tomó desde el principio aquel organismo como una simple ventanilla de reclamaciones en la que solicitar el pago por no se sabe bien qué servicios prestados. Unos lo consiguieron y otros no, pero la enemiga fue constante desde los tiempos de Antonio Diaz Zamora como director hasta el final del mandato de Antoni Tordera, hasta el punto de que compañías teatrales de segunda o tercera fila exigían su programación en el Principal de Valencia en cada celebración del Día Mundial del Teatro, un día, por cierto, que este año ha pasado por aquí como de puntillas, tan escaso es lo que hay que celebrar.
Sería un error subsumir esa desidia en la crisis general que desde siempre afectaría al teatro, ya que basta con echar una mirada a la programación en ciudades como Madrid, Barcelona, Bilbao o Sevilla, y al creciente número de espectadores que cosechan, para relativizar la crisis o al menos para contextualizarla geográficamente. Al contrario, todo indica que una programación arriesgada sin mengua de la sensatez contribuye al crecimiento de la asistencia a los teatros, debido tal vez a que el espectador empieza a fatigarse de los a menudo deleznables entretenimientos que vomitan las televisiones. Por extraño que les parezca a algunos, lo interactivo no reposa siempre sobre un soporte digital, de modo que aumenta el número de personas que prefieren asistir desde la oscuridad de la fila de butacas a la respiración, el sudor y el movimiento de los actores sobre un escenario en vivo y en directo.
El teatro es uno de los espectáculos más emotivos cuando la obra -las obras- funciona bien, pero uno de los más detestables y tediosos cuando el espectador, presa de la vergüenza ajena, termina por mirar al techo antes de seguir viendo lo que ocurre ante sus ojos. Rara vez una película produce tanto gozo o tanto espanto como una obra teatral. Y no se trata de repetir una colección de tópicos, ya que sólo el teatro transmite la sensación de que sus creadores se dirigen directamente a cada uno de los espectadores y el cine no es al fin y al cabo más que un sortilegio de la luz. El desdén hacia observaciones tan básicas está llevando a nuestro teatro a la ruina, de la mano de autores dotados de la imaginación propia de la peor televisión, de intérpretes que no saben colocar la voz ni para que se entienda lo que dicen, por no hablar de que rara vez saben qué hacer en escena con su cuerpo, y de directores, en fin, lastrados por una pulcra desidia o arruinados por una incomprensible megalomanía. Curiosamente, lo que ha mejorado mucho, incluso en los trabajos más mediocres, es la iluminación. Un misterio que habrá que descifrar otro día.

3 de abril de 2008

CATCH D'IMPRO


CATCH IMPRO

un ring
un combate
dos parejas improvisan
un árbitro... arbitra
y el público decide con sus votos quién gana cada asalto
3... 2... 1... ¡IMPRO!


Teatro Instantáneo presenta un espectacular combate de improvisación teatral.
Un formato que une el teatro de humor con el deporte. En el que el
público tiene un papel fundamental ayudando a crear los asaltos a
través de sus sugerencias y decidiendo quién es el ganador del combate.
Contará con la participación especial de miembros de Impromadrid.


domingo 6 de abril
a las 19:00h
en el Loco
C/ Erudito Orellana, 12
www.lococlub.org

Venta anticipada:
‘El Mercado de la Pulga’
[Frente Mercado Central]
c/ San Fernando, 22

29 de marzo de 2008

CANDIDATURAS A LOS PREMIS DE LES ARTS ESCÉNIQUES

Ayer se comunicaron las candidaturas a los Premis de les Arts Escéniques. Como Teatres -siempre tan atrasados- no han publicado en su página todavía esta información, la recorto y la pego desde el periódico digital Panorama-Actual.es

Los artistas Pepe Miravete y Gretel Stuyck fueron los encargados de anunciar los nombres de los candidatos a los Premis de les Arts Escèniques 2008 en un acto en el que estuvieron acompañados por la directora general de Teatres de la Generalitat, Inmaculada Gil-Lázaro.

El galardón al mejor espectáculo de teatro se lo disputarán entre los montajes
´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´ de Ornitorrincs; ´Gosses/Perras´ de Albena Teatre, y ´Antígona 18100-7´ de Carme Teatre mientras que por la distinción al mejor espectáculo de danza los seleccionados son ´Muere-t´ de Krisis Teatro Danza/Teatre de L´Ull; ´Amada Candela´ de Cienfuegos Danza/Centre Teatral Escalante, y ´Temps fugit´ de Bojnami Danza-Eva Bertomeu.
En cuanto a los intérpretes más destacados, Cristina Fernández y Maía Almudever por ´Muere-t´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´ lucharán por el premio a mejor bailarina y en categoría masculina lo harán Toni Aparisi por ´Muladar´, Ángel Figols por ´Laika´, Gustavo Ramírez por ´Tri.o´, Nicolás Massip por ´Jardí Tancat´ y Diego Arconada por ´Coming Together´.
El Premio ´Antonio Ferrandis´ al mejor actor se decidirá entre Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Chema Cardeña por ´Gosses/Perras´; y Martín Cases por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´
El galardón a la mejor actriz será para María José Peris por ´C´est la vie o como sobrevivir a Edith Piaf´; Amparo Fernández por ´Un sopar de compromis´, Paula Miralles por ´Antígona18100-7´ o Carol Linuesa por ´Reencuentros´.
Los nominados al Premio a la mejor composición musical son Panxo Barrera por ´Amada Candela´; Francisco Garnelo por ´Uhhhh!!´; Perico Sambeat, y Luis Tamarit y Mariló Tamarit por ´La Selva (LDC)´ y los del galardón de mejor vestuario María Almudever y Miguel Carbonell por ´Muere-t´; Pascual Peris por ´Amada Candela´; y Joan Miquel Reig por ´Joguets´.
Los candidatos al Premio ´Josep Solbes´ a la mejor iluminación son Víctor Antón por ´Muere-t´; Víctor Antón por ´La Selva (LDC)´, y Juan Sapiña por ´Joguets´ mientras que por el premio de mejor escenografía optan Assad Kassab Eppe por ´Muere-t´; Paco Azorín por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Fet d´Encarrec por ´Amada Candela´ y Josep Simón y Manuel Zuriaga por "Uhhhh!!".
El Premio al mejor actor o actriz de reparto recaerá en Manuel Ochoa por ´Els embolics de Scapin / Los enredos de Scapin´; Cesca Salazar por ´El sí de las niñas´ o Enric Juezas por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´.
Las mejores versiones, traducciones o adaptaciones han sido las de Jerónimo Cornelles por ´Gosses/Perras´; Diego Braguinsky por ´Mala ratxa-Glengarry Glen Ross´; y Aurelio Delgado por ´Antígona 18100-7´.
El Premio Max Aub al mejor texto se lo disputarán Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´; Martín Crespo y Cristina Fernández por ´Muere-t´ y Julio Martí Zahonero por ´Uhhhh!!´ y de la mejor dirección escénica, Carles Sanjaime por ´Mala raxta-Glengarry Glen Ross´; Pep Ricart por ´Muere-t´ y Jerónimo Cornelles por ´Reencuentros´.Finalmente, los candidatos a hacerse con el Premio a la mejor dirección coreográfica son Cristina Fernández por ´Muere-t´; Yoshua Cienfuegos por ´Amada Candela´ y Eva Bertomeu por ´Temps fugit´.
El mejor espectáculo infantil saldrá de la terna integrada por ´Kraft´ de Bambalina; ´Joguets´ de Magic 6 y ´La increíble historia de Mollie Malone´ de Anem Anant.

El mismo día de la gala de entrega de premios se dará a conocer el Premio Pedro del Río, que reconoce a toda una trayectoria profesional. La directora de TGV, Inmaculada Gil-Lázaro, dio la enhorabuena a los candidatos y aseguró que todos los nominados son "merecedores" de los premios. Asimismo, Gil-Lázaro indicó que todos los candidatos "se llevan el reconocimiento y el cariño" de la Generalitat y manifestó su deseo de seguir trabajando para "construir una danza y un teatro del que nos sintamos muy orgullosos".

27 de marzo de 2008

REVISTA DIGITAL DE LA ESCENA 2007

Como todos los años, el Centro de Documentación Teatral, ha editado la Revista Digital de la Escena. Y mi incombustible amiga Ana, me envía la imagen y el enlace.

No se me ha ocurrido mejor forma de celebrar el Día Internacional del Teatro.



En esta Revista Digital puedes echar un vistazo a los grandes estrenos del año pasado (puedes incluso ver en video algunos retales de las obras), las cifras de los escenarios de Madrid y Barcelona (para darnos cuenta de lo lejos que estamos), entrevistas con personajes de todos los estratos teatrales: directores, dramaturgas, programadores, actrices,... y los datos sobre Festivales y Premios Teatrales del último año.


Espero que la disfrutes tanto como yo.

(Gracias, Ana. Un beso fuerte)

22 de marzo de 2008

MENSAJE DEL DIA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008 (Robert Lepage)

El Día Mundial del Teatro se creó en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). El Día Mundial del Teatro se celebra anualmente el 27 de marzo por los centros ITI y la comunidad teatral internacional. Se organizan diversos eventos nacionales e internacionales para señalar la ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional, tradicionalmente escrito por una personalidad del teatro de talla mundial.

MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2008


Existen varias hipótesis sobre los orígenes del teatro, pero la que más me ha llamado la atención tiene forma de fábula:

Una noche, en el origen de los tiempos, un grupo de hombres se reunieron en una cantera para calentarse alrededor de un fuego y contarse historias. De repente, uno de ellos tuvo la idea de levantarse y utilizar su sombra para ilustrar su relato. Ayudándose de la luz de las llamas, hizo aparecer en los muros de la cantera personajes más grandes de lo normal. Los demás, fascinados, fueron reconociendo uno a uno, al fuerte y al débil, al opresor y al oprimido, al dios y al mortal.

Hoy en día, la luz de los proyectores ha reemplazado al fuego original, y la maquinaria de escena, a los muros de la cantera. Y, con el debido respeto a ciertos puristas, esta fábula nos recuerda que la tecnología está en el mismo origen del teatro y que no debe ser percibida como una amenaza, sino como un elemento aglutinador.

La supervivencia del arte teatral depende de su capacidad para reinventarse, asimilando nuevos utensilios y nuevos lenguajes. Si no, ¿cómo podría continuar siendo el teatro testigo de los grandes acontecimientos de su época y promover el entendimiento entre los pueblos si no diese pruebas de apertura? ¿Cómo podría jactarse de ofrecer soluciones a los problemas de intolerancia, exclusión y racismo, si en su misma práctica rechazase cualquier mestizaje o integración?

Para representar el mundo en toda su complejidad, el artista debe proponer formas e ideas innovadoras y tener confianza en la inteligencia del espectador que es capaz de distinguir la silueta de la humanidad en medio del perpetuo juego de luz y sombras.

Es cierto que de tanto jugar con el fuego, el hombre corre el riesgo de quemarse, pero por otra parte, también tiene la suerte de poder deslumbrar e iluminar.

Robert Lepage.

16 de marzo de 2008

PUNCH-DRUNK: TEATRO DE INMERSIÓN

(artículo publicado en El País Babelia, el 15 de marzo de 2008)
Marcos Ordóñez

Son "lo último de lo último" del teatro británico. Felix Barret (director artístico), Maxine Doyle (coreógrafa), Robin Harvey (diseñador de espectáculos) y Colin Marsh (productor) se conocieron en la escuela de Arte Dramático de Exeter, al suroeste de Inglaterra, y crearon PunchDrunk. Sus espectáculos han sido definidos como "teatro físico" porque están a caballo entre la danza, la performance y la instalación, aunque también hay texto. Ellos los llaman "teatro de inmersión" o "asalto a los sentidos". PunchDrunk elige espacios desiertos o abandonados y trabaja con un sentido cinematográfico del detalle y la atmósfera para sumergir al público en el universo de cada montaje. Se trata, dice Felix Barret, de "volver a jugar como niños, redescubrir el sentido de la anticipación, explorar lo desconocido con espíritu de aventura". Comenzaron en 1999 con ocupaciones puntuales en función única. Tenías que llamar a un número de teléfono, te citaban y te conducían a un lugar desconocido. Su debut fue una versión radical y concentrada de El jardín de los cerezos en una vieja mansión de Pennsylvania Road, en Exeter. Al año siguiente fusionaron Edipo Rey y Antígona, que ofrecieron, bajo el título de The House of Oedipus, en un inmenso jardín victoriano de Pinhoe (Devon): otra casa en ruinas, Poltimore House, cubierta por la hiedra, era el palacio del rey ciego de Tebas. ¿Cómo consiguen los permisos, en la reglamentadísima Inglaterra, para trabajar en lugares públicos que pueden venirse abajo en cualquier momento? Misterio. También hay golpes de suerte: un millonario, Arne Maynard, vio The House of Oedipus y en 2002 les encargó montar Midsummer Night Dream para una fiesta de verano en su casa de Parsons Drove, en Norfolk. En diciembre de 2003 pegaron el salto a Londres, y a lo grande: una escuela del siglo XIX -el Beaufoy Building, en Kennington- acogió Sleep No More, una versión de Macbeth con estética de película de Hitchcock de los años treinta: 14 actores y bailarines, música en directo y cantantes de jazz, todo ello al servicio de una narrativa onírica y atomizada. Sleep No More fue su lanzamiento en la capital inglesa. En 2004, nuevo espacio y nuevo éxito, esta vez por partida doble: en la planta baja de una destilería, The Old Seager, en Deptford, en el East End, Ariel guiaba a los espectadores como si fueran la tripulación del barco naufragado de The Tempest; en la planta superior podían ver Chair, un homenaje al mundo de Ionesco a partir de la vieja pareja protagonista de Las sillas. En octubre de 2006, el National Theater coprodujo Faust, el proyecto más ambicioso de PunchDrunk, que agotó entradas durante tres meses y hubo de prorrogarse hasta marzo. El boca a oreja fue velocísimo. La cita era en una fábrica de azúcar de cinco pisos, en el 21 de Wapping Lane (East End, en Tobacco Dock). Un miembro de PunchDrunk reparte máscaras como las que usaban los invitados a la misteriosa fiesta de Eyes Wide Shut, de Kubrick. Los espectadores suben en un montacargas. En cada planta bajan seis. El espectáculo dura tres horas, en dos ciclos de noventa minutos. De la oscuridad brotan deslumbrantes escenarios oníricos. El laboratorio del viejo Fausto, y un campo de maíz con un siniestro espantapájaros en el centro, y la calle principal de una pequeña ciudad americana. Farolas solitarias, tiendas abiertas pero vacías. Ecos de Stephen King, de Lynch, de Edward Hopper. Un cine, The Temple, donde proyectan Sed de mal, de Welles. Un diner, en el que Mefisto es un camarero que sirve la poción rejuvenecedora. Y, al final, un motel solitario. En una habitación se encuentran por primera vez Fausto y Gretchen; en la siguiente, un grupo de máscaras rodea a la muchacha abandonada, que arrastra a su cama a un espectador y llora en sus brazos. No hay continuidad narrativa, como si todo pasara en tiempos alternos. La noche de Walpurgis tiene lugar en un club nocturno, donde se agita un grupo de adolescentes enfebrecidas, y el infierno de Mefisto está en el sótano, un honky tonk del profundísimo Sur.
No es teatro, no es danza, no es cine, no es un sueño y es todo a la vez: es PunchDrunk.
¿Quién se anima a montar aquí una aventura similar?

2 de marzo de 2008

EL VENENO DEL TEATRO (Rodolf Sirera)


El teatro era -es- como una droga, como una especie de veneno, contra el cual no hay antídoto. Pero lo perverso atrae sobre la virtuoso. ¿Y qué cosa resulta más perversa en el teatro que el hecho mismo del teatro, la ficción, no de la historia imaginada, sino sencillamente el acto de fingir ante el espectador, aquí y ahora? Por ello, en mi teatro, sobre unas cuarenta obras de todos los estilos y dimensiones, planea, a nivel temático, esta obsesión por el juego dramático, sus límites y reglas, los distintos puntos de vista de sus oficiantes, su magia y también sus miserias. Espejos, siempre espejos, una puerta que da paso a otra puerta: cajitas cuidadosamente embutidas una dentro de otra, y otra más, hasta llegar al último volumen, o, quizá, la nada.
He escrito, pues, a lo largo de los años, obras que eran representaciones de representaciones; biografías dramáticas de actores imaginarios; números de destreza para espectáculos de cabaret en los que se violaba todo tipo de convenciones; piezas irrepresentables que ponían en duda la existencia del espectador, o su ubicación en el espacio; obras mágicas en las que el protagonista principal era el propio teatro vacío, los monstruos oscuros que habitan sus entrañas. De un modo u otro, el tema es siempre el mismo: la seducción de lo perverso. Fingir, mentir, vivir. Sólo la muerte es la única verdad. Sólo la muerte impone límite. Y únicamente en el teatro los muertos resucitan. Únicamente en el teatro la muerte, la verdad objetiva, resulta traicionada.

Rodolf Sirera

26 de febrero de 2008

HAN VUELTO

Com a pedres és una reflexió sobre el pas del temps i la memòria que mescla realitat i ficció i que juga amb el temps real, el temps de la memòria i el de la pròpia representació.
Tres actors comparteixen el seu particular àlbum de fotografies on l'espectador es veu reflexat. L'evocació d'un passat amb l'ajuda d'imatges i un espai acollidor que recull estètiques dels últims trenta anys és l'habitat intern i lúdic d'aquestes tres personatges.

24 de febrero de 2008

¡¡QUE LE CORTEN LA CABEZA!!

El próximo miércoles 27 de febrero a las 13'00 h. en la sede de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático) de Valencia podréis ver el espectáculo "Que le corten la cabeza!" de la compañía de danza-teatro La Siamesa Tuerta.

Un montaje ideado, dirigido y maravillosamente interpretado por Ángela Verdugo. Le acompaña Ángel Figols. La dramaturgia es de Lola López.


"Tratamos de narrar la relación entre una niña y un adulto, Alicia Liddell y Lewis Carrol, realizando un recorrido por los momentos que ellos compartieron, con la libertad de la inocencia, evitando el juicio y la moral aprendidos, creando para ello su propio espacio imaginario y buscando ser ellos mismos. Mediante juegos parodiaban e intentaban entender algo que les parecía harto absurdo: el rígido y formal comportamiento de los mayores. Mostramos también el conflicto de una niña muy adulta que ama a un hombre sin saber lo
que esto supone y un adulto que ama a una niña como respuesta a su propio rechazo al crecimiento, ya que Lewis intentaba insistentemente capturar un período caduco, la infancia, donde según él, el ser todavía es puro e inocente y está pues más cercano a la imaginación del poeta."

¡¡QUÉ LASTIMA!!

Las obsesiones de Sarah Kane
El teatro como revulsivo. La fuerza de la palabra para tocar las fibras sensibles. Así se presenta en el Festival VEO la obra Ansia, escrita por la siempre ácida autora británica Sarah Kane y dirigida, en esta ocasión, por Xavier Puchades. Se trata de una de las dos producciones propias que la sexta edición de Valencia Escena Oberta presenta como novedad de apoyo a los creadores más vanguardistas.
Para muchos críticos, el teatro de Sarah Kane tiene la capacidad de molestar, desesperar, movilizar hasta lo insoportable. Suicidio, soledad, desamor, crueldad, dolor, temas que la británica ha explotado en su trabajo. Y la traducción del título para el montaje de Puchades expresa mucho de ello. "Ansia puede no ser una traducción del todo correcta", admite el director. Pero explica:"Ansia es morirse por algo, y aunque no habría optado por un título así, claro, unas de las cosas que plantea el texto es precisamente eso, como una malévola inversión de la eterna pregunta sobre el sentido de la vida".
"Esta obra responde a mi idea de teatro como medio de plantear preguntas que nunca nos hacemos o que, tal y como las formulamos, creemos conocer respuestas con las que sentirnos cómodos. Le pido al teatro algo de trascendencia, y esta obra tiene ese algo que esperamos poder transmitir", declara Puchades. Durante un tiempo largo, él ha venido rondando la idea de montar este proyecto escénico que contiene, dice, dos características substanciales: reinventa el llamado teatro de la palabra y explora un "género prácticamente olvidado o tan pésimamente actualizado como es el de la tragedia".
Si bien el texto de Kane muestra rasgos de poema, para Puchades resulta "inútil recitarlo como tal, hacer una lectura dramatizada o emitirlo radiofónicamente". En otras palabras: "la obra requiere la fisicidad del que habla y del que escucha". Los cuatro personajes –que en otros montajes del texto fueron ubicados en sillas— están aquí durante toda la representación de pie. "Quería que anduviesen por el espacio progresivamente, intentando desarrollar paralelamente una dramaturgia sonora, emocional y física", señala Puchades. Eso sí, la ilustración, fuera. "El objetivo es que el espectador dibuje en el actor los gestos y las miradas que éste no muestra o que distorsiona a través de falsas pistas de relación con el resto de personajes".
La elección de la sala de la calle Gutemberg, donde se representa la obra, guarda una justificación concreta. Aquí nada es casualidad. "Siempre soñábamos con un espacio industrial que, al final, se convirtió en un viejo taller de curtidos que posee algunos de los rasgos que buscábamos". Puchades describe: posee la pátina y la superficie suficiente para construir una inesperada platea destruida, como las ruinas de un teatro griego o romano, pero con butacas de los años 70.
(tomado del dossier de prensa de la Fundación VEO)

Le decía a unas amigas que participan en este espectáculo: "¡Qué lástima que estos espectáculos no tengan continuidad en el circuito habitual de nuestras salas! ¡Qué lástima que tengamos que estar viendo obras mediocres o estándares!" Esperamos que alguna sala o estamento quiera seguir programando este montaje que, por cierto, llenó en las sesiones oficiales y en las varias premieres con público que se hicieron. A ver si los de producción se lo curran.

P.D. Ayer estuve viendo el espantáculo El rei de la soledat. Era absolutamente deplorable. Con algunos hallazgos visuales interesantes pero carente de ritmo y de sorpresa. Me aburrí soberanamente a partir del minuto 12. A la salida coincidíamos bastante gente: expertos y profanos. ¡Qué lástima!

GRACIAS

Gracias a Viktor Gómez por hacerse eco de este blog en el suyo. Como ya digo allí, el objetivo de este blog es asesorar -humildemente- al espectador que va a saltar al vacío al comprar una entrada de teatro.

Gracias de nuevo, Viktor.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO DE CARLES CASTILLO


CARLES CASTILLO

SE COMPLACE EN INVITAROS A LA PRESENTACIÓN DE SU ÚLTIMO LIBRO

IMPROVISACIÓN
EL ARTE DE CREAR EL MOMENTO

De la Editorial Ñaque.

EL ACTO TENDRÁ LUGAR EL PRÓXIMO MARTES 26 DE FEBRERO A LAS 19´30H.

EN EL TEATRO TALIA DE VALENCIA, C/ CABALLEROS Nº31.

CONTARÁ CON LA PRESENCIA DEL AUTOR
Y DE JOSE MOTA, (Ex componente de duo Cruz y Raya ) QUIEN HA REALIZADO EL PRÓLOGO.

Más información y confirmación de asistencia,

609 615 235

carles_castillo@hotmail.com

19 de febrero de 2008

EL SILENCIO EN EL TEATRO

El silencio es, a veces, tan elocuente o más que las palabras. Sobre todo en el teatro. No me refiero al protagonizado por actores cuya relación con el público se establece exclusivamente mediante la acción y el gesto, como sucede en los espectáculos de mimo o danza. Ni al que a mediados del pasado siglo se propuso expulsar la palabra de los escenarios por voluntad de importantes directores de escena, consiguiendo que la propia representación, con su espectacularidad, sustituyera al texto. El silencio al que aludo es el que se produce en medio de un diálogo. El que se produce cuando el personaje reflexiona encerrado en sí mismo o mantiene un debate íntimo cuyo contenido ha de adivinar el espectador a través de la expresión muda del intérprete. El silencio no ha tenido la misma importancia a lo largo de la historia del teatro. Habitualmente ha sido un signo subordinado a la palabra, cuando no un recurso de divos para invitar al respetable a premiarle con sus aplausos. Hasta bien entrado el XX no ha tenido vida propia. La adquirió cuando algunos dramaturgos se plantearon explorar el mundo interior de sus criaturas escénicas.
Así sucede en algunas piezas de Pinter, en las que los silencios parecen expresar más de los que se desprende del lenguaje coloquial y aparentemente sin sustancia de los personajes. En cuanto a Beckett, baste decir que en Esperando a Godot incluyó cerca de ochenta pausas en los diálogos e indicaciones de que los personajes están reflexionando. Son silencios que engarzados en el texto crean un discurso coherente. Lo dicho no significa que, en el pasado, el teatro careciera de ideas o fuera menos profundo. ¡Faltaría más! Lo que sucede es que la palabra ha dejado de ser el único vehículo para transmitirlas y ahora comparte su protagonismo con el silencio. Para Peter Brook, la palabra se ha convertido en la parte pequeña y visible de una gigantesca formación invisible. En el teatro contemporáneo, el silencio es una herramienta del autor. Pero en aras de su eficacia, se requiere que el director la analice en profundidad, que obtenga de ella las mayores prestaciones y que los actores sepan manejarla. Para ello, han de ser capaces, en el proceso de asimilación de sus personajes, de completar las frases truncadas por puntos suspensivos y de rellenar las pausas establecidas por el autor. Es decir, completar el texto para luego, en el escenario, transmitirlo traducido a un silencio inteligible, pleno de significados.
______________________Jeronimo López Mozo
_____________________( (artículo aparecido en el ABCD, suplemento cultural, el sábado 9 de febrero de 2008)

16 de febrero de 2008

¡POR FÍN! LA FURA VUELVE A IMPACTAR

Desde hace algunos años, la compañía LA FURA DELS BAUS, -una de las compañías más relevantes en la Historia del Teatro Español- se dedicaba a desarrollar su magnificiencia escenográfica y se había olvidado del Teatro como discurso en su concepción política y social.

Parece que, por fin, vuelven a retomar el camino emprendido con Accions, Noun o MTM: el mensaje, el discurso en primer término. Usar el teatro como un lugar de diálogo, de discusión, para poner delante de nosotros, en el escenario, nuestra realidad, lo que está pasando. Eligen un tema difícil, todo sea dicho, un tema para el que el ciudadano español todavía no está preparado (solo hay que ver cómo han reaccionado algunos lectores de elpais.com): el Terrorismo. Pero con sus planteamientos escénicos habituales, su "lenguaje", nos ponen delante un espejo para que veamos, sintamos, pensemos, reflexionemos... que, en definitiva, para eso está el Teatro.

Ya era hora. Os pongo un extracto del artículo de El País que cuenta el proyecto.



Es imposible imaginar la pesadilla que vivieron los centenares de personas que en octubre de 2002 se convirtieron en rehenes de un grupo de terroristas del señor de la guerra checheno Shamil Basáyev en el teatro Dubrovka de Moscú. Fue una tragedia televisada. Un atroz episodio que los televisores trasladaron a los salones del mundo entero con una sobrecogedora pátina de irrealidad. Lo que entonces simplemente no parecía posible que estuviese pasando, será el punto de partida para un nuevo espectáculo del grupo teatral La Fura dels Baus.

Y, como siempre, prometen polémica. La idea declarada es acercarse a aquel trágico asalto, que se saldó con la muerte de 170 personas tras la feroz irrupción de las fuerzas especiales rusas para liberar a los retenidos. Un dramático suceso, que inspira la nueva producción de la Fura Boris Godunov, una adaptación de la obra de Alexander Pushkin cuya representación se ve alterada por la entrada violenta de un grupo de hombres armados que secuestran a los espectadores.

El montaje se estrenará el 6 de marzo en Molina de Segura (Murcia) y se trata de una coproducción junto con el Centro Dramático Nacional, la productora Elsinor y la propia compañía, que presentó el proyecto ayer en Barcelona. Álex Ollé, uno de los seis directores artísticos de La Fura dels Baus, es impulsor del espectáculo. El horror que, dice, sintió a raíz de la noticia del asalto y su terrible desenlace, le empujó a crear un montaje sobre el terrorismo para acercar el teatro a la contemporaneidad "como hace el cine continuamente".

Antes de seguir, quizá convenga recordar esa "contemporaneidad" de la que habla Ollé. El asalto al teatro de Moscú causó la muerte de 90 rehenes, muchos de ellos asfixiados por el gas empleado por los rescatadores. Fueron abatidos 42 terroristas, 18 de ellos mujeres y la mayoría de un tiro en la sien.

Para dar forma a esta idea, Ollé acudió al dramaturgo catalán David Plana. Él es el autor de la versión tuneada, como dicen ellos, del texto de Pushkin, fruto de un trabajo de condensación, con un lenguaje actualizado y salpicada de fragmentos de discursos políticos pronunciados por figuras como las de Bush y el Che, entre otros. A su vez, Plana firma junto a Ollé la dramaturgia y la dirección escénica del espectáculo.

Pese al claro punto de partida de la obra, Ollé aclara que la historia está descontextualizada. No hay referencias a ningún grupo terrorista en concreto, ni se ubica en un país determinado. En este caso, se exige al gobierno del lugar donde se representa la función que retiren las tropas desplazadas al país de los terroristas. Un gabinete de crisis, que entra en escena a través de proyecciones videográficas, analiza las peticiones de los asaltantes, mientras una mediadora trata de resolver el conflicto de la manera menos traumática posible. La platea se incorpora a la escenografía en busca de la máxima proximidad entre actores y espectadores.

"El público no interviene de una forma directa", precisa Ollé. Sin embargo, aunque sea de un modo "más reflexivo que activo", los espectadores, afirma, sentirán la claustrofobia y el vértigo de saberse a merced de un grupo de personas armadas de kalashnikov (de fogueo, pero réplicas exactas de armas auténticas).

De nuevo con la ayuda del vídeo, el público les verá colocar explosivos en las dependencias del teatro, y sufrirá su hostigamiento y sus discusiones. La obra refleja también las discrepancias de puntos de vista entre los secuestradores, que responden a distintos arquetipos conocidos de terrorista: el violento, el dialogante, el que lo daría todo por defender sus ideas y el que ve cómo sus principios se resquebrajan en una situación límite.

15 de febrero de 2008

THE ANDERSEN PROJECT (Robert Lepage)


El Teatre Lliure estrenó el pasado día 13 la última obra de Robert Lepage, 'The Andersen project'. Se trata de un monólogo multidisciplinario interpretado por Yves Jacques, informó el Teatre Lliure.


La función está inspirada en dos relatos del autor danés Hans Christian Andersen, 'La dríada' y 'La sombra', y en anécdotas de sus viajes a París.
El monólogo recoge temas comunes en Lepage, como la confrontación entre modernismo y modernidad. Aún así, en esta ocasión también se exploran temas más turbulentos, como la identidad sexual y las fantasías insatisfechas. La obra, además, crea un paralelismo entre los elementos comunes en la vida de Andersen y la de su director, Lepage.
La trama de la historia gira alrededor de un compositor de canciones del Quebec que llega a París para escribir un libro de ópera para niños. El protagonista de la obra ha tenido que dejar su país para encontrar la fama y el reconocimiento del público y, durante su estancia en la capital francesa, conocerá a personajes tan dispares como un mánager de ópera o un artista de graffitis.
La iniciativa de crear esta obra surgió el 2005, cuando Dinamarca celebró el bicentenario del nacimiento de Andersen y se invitó a artistas de todo el mundo para crear obras inspiradas en los cuentos y novelas del autor danés.
En un principio, a Lepage le pareció 'difícil' el reto, ya que apenas conocía nada sobre Andersen ni de su época. Cuando le empezó a conocer, se dio cuenta que eran 'mucho más semejantes' de lo que le hubiera 'gustado', afirmó Lepage en un comunicado.
El único intérprete de la obra, Yves Jacques, trabaja con Lepage desde 2001 en una gira mundial de la obra 'La cara oculta de la luna', por la cual recibió el premio al mejor actor del Théatre du Nouveau Monde de Montreal en 2003.
Lepage destacó que el hecho de que la obra sea un solo 'evoca la soledad' y la convierte en uno de los temas principales de la historia.
La obra podrá verse hasta el 16 de febrero en la Sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure de Barcelona.
Terra Actualidad - Europa Press

10 de febrero de 2008

CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL (Nuria Inglada)

El espacio teatral SALA FLOTANT, en su proyecto de formación continua de la compañía EL PONT FLOTANT, mantiene unos cursos monográficos para el mantenimiento y mejora de las capacidades de actores y actrices de Valencia.
Esta vez estará de nuevo Nuria Inglada con un CURSO DE EXPRESIÓN VOCAL. Del 25 de febrero al 5 de marzo. Hay plazas limitadas. Para más información y reservas, el teléfono 655.42.08.77

El treball que es proposa en aquest curs es basa en l'objectiu d'obrir la nostra veu i anar més enllà del seus límits. Alhora que obrim, n'ampliem el registre, trobem noves qualitats en el so i diferents classes de veu. Així mateix, es treballa la connexió entre el cos i la veu, ja que cada part de l'organisme té una voz associada i cada so/veu té una emoció/intenció darrere.

Nuria Inglada és llicenciada en Direcció escènica i Dramatúrgia per l'Institut del Teatre de Barcelona, tot rebent el Premi Extraordinari d'Art Dramàtic Institut del Teatre el 1998. Ha dirigit nombrosos muntatges teatrals i ha estat com ajudant de direcció al costat de prestigiosos directors com Joan Castells, Josep María Mestres, Ariel García Valdés, Helena Pimenta,...
Des del 2001 segueix regularment una formació sobre l'expressió de la veu i el cant, en el Centre artístic Roy Hart, França.

(extracto del programa del curso)

3 de febrero de 2008

EL TIEMPO DEL ABSURDO


El próximo martes 5 de febrero de 2008 a las 19'30 h. se inaugura en la sede de la Intersindical Valenciana (c/ Juan de Mena, 18. Valencia. Metro Ángel Guimerá) la exposición EL TIEMPO DEL ABSURDO. Una exposición de carteles de teatro e ilustraciones de la artista Stella Vila a partir de la obra de Samuel Beckett y el teatro del absurdo.


La exposición se podrá visitar de lunes a viernes de 9'30 a 13'30 h y de 17'00 a 19'00 h. Estará hasta el 5 de abril.
Si quieres ver más obra de la artista Stella Vila, pincha aquí.

ESTRENO DE LA COMPAÑÍA COPIA IZQUIERDA

Tras meses de intenso trabajo en secreto y después de superar todos los acosos de espionaje industrial, evitar las cámaras y micrófonos de programas de cotilleo y tele-miseria, llega a nuestros excelsos escenarios el último montaje de la compañía Copia Izquierda, "La Mujer de Amianto" dirigida por nuestra incombustible Eva Zapico. Le acompañan en las tablas Verónica Andrés, Pau Blanco, Maribel Bayona, Sandra Gómez y Merce Tienda.


Estará en el Carme Teatre (que estrena página web) desde el 7 hasta el 17 de febrero (de jueves a domingo a las 20'30 h.).


Aquí podéis ver el cartel, para que nos hagamos una idea de por dónde van los tiros.