GÓLGOTA PICNIC. El nuevo montaje de Rodrigo García.

Cada pieza teatral es una manifestación más de vivir. Por vivir entiendo muchos accidentes, recuerdos, pero también olvidos, cosas que olvidamos por miedo o vergüenza. Hacemos cosas vergonzosas y juramos que nunca hemos hecho nada humillante, lo borramos intencionadamente de nuestra memoria. Luego esas cosas afloran en las obras, disfrazadas, ni nosotros nos damos cuenta de que esos miedos y esos oprobios están ahí. Por esto la materia del artista es la expectación, la fragilidad y sus vergüenzas, y con todo eso, y a pesar de todo esto, debe hacer, no estarse quieto.

La Biblia es la fábula más fascinante, por la calidad del lenguaje y por la imaginería desbordante: ángeles que suben y caen, llamas por todas partes, cielos que se abren, milagros, demonios, muertes y torturas inimaginables, teorías sobre el amor impracticables...

Pero la obra luego despega hacia otros asuntos, relacionados siempre con la muerte. La muerte como ir a comer el menú del día, no la muerte como el fin del mundo. El fin de nuestra percepción del mundo, nuestro final biológico, no afecta en nada al fin del mundo. Morirse es algo sencillo y no debería tomar por sorpresa ni apesadumbrar a nadie.

La música es lo único que se asemeja a la divinidad en esta obra. Por eso intento que ocurra poco y nada en escena cuando Marino toca.

Si pensamos en la noción de «espectáculo», es idiota por mi parte pedirle al público que escuche una obra compuesta de movimientos lentos y que invita al recogimiento. Pedirle eso a este público, gente como yo, que vive como yo, en una realidad de terror y de absurdo, en metrópolis absurdas y crueles, plagadas de imágenes vacuas, de sonidos brutales, víctimas todos del papel moneda, es una temeridad. Pero ¿cómo no hacer la prueba, cómo no proponer a la gente Haydn tocado cada noche en un gran piano por un intérprete como Marino Formenti?

Como creador, uno no tiene elección, uno no hace ni lo que dicta la moda, ni lo que demanda el mercado; uno hace lo que puede hacer y nada más que lo que puede hacer. Si se hace a fondo y saltándose los límites expresivos que quieren imponernos, resulta que al final coincide lo que uno puede hacer con lo que uno debe hacer. Y nace la ética.

A veces debemos hacer algo que mucha gente nos aconseja que no hagamos. Es el conflicto inevitable para que algo se mueva.

Rodrigo García

Teatro Marí­a Guerrero. Madrid.

7 de enero a 6 de febrero de 2011

Martes a sábados: 20.30 horas.

Domingos: 19.30 horas

AVISO: PONEMOS EN CONOCIMIENTO DEL PÚBLICO QUE, ALGUNOS CONCEPTOS RELIGIOSOS O IMÁGENES, PUEDEN HERIR SU SENSIBILIDAD

El cartel del FESTIVAL VEO 2011

El pasado miércoles, 24 de noviembre de 2010, en el taller de trabajo de la compañía de títeres valenciana, Bambalina, se presentaron a la prensa la producción, las dos coproducciones y el cartel de la novena edición del Festival VEO. El contenido y la filosofía del cartel recogen el lema de este año, el objeto, a través de una mano biónica desmembrada por el antebrazo que deja ver parte de su estructura. (tomado del blog del Festival, seguir leyendo aquí)

EL ALMA SE SERENA, de Lluisa Cunillé y Paco Zarzoso. Picanya, 28-nov.

El próximo 28 de noviembre, a las 19'00 horas, en el Teatre Centre Cultural de Picanya, podremos ver EL ALMA SE SERENA, el último montaje de Hongaresa Teatre, escrita por Lluisa Cunillé (Premio Nacional de Teatro 2010) y Paco Zarzoso.

"Aquesta comèdia es situa en la València actual, a l'històric Barri del Cabanyal. El seus protagonistes són els darrers habitants d'una finca a punt de ser derruïda i que intenten salvar de l'especulació inmobiliària entre sorolls de grues, traques i motors de Fórmula 1. Tres personatges a punt de ser desnonats, víctimes de les polítiques d'una ciutat que finalment ha donat l'esquena als seus ciutadans més desprotegits."



Como epílogo de este montaje, está prevista la representación del fragmento de la obra ZERO RESPONSABLES que Paco Zarzoso escribió.

RUSSAFA ESCÈNICA 2011. Del 5 al 10 de abril de 2011.

L’objectiu de Russafa Escènica 2011 és fer de la ciutat de València, més concretament del barri de Russafa, un aparador de referència estatal on els artistes relacionats amb les arts escèniques de la nostra comunitat puguen mostrar, ara i en el futur, els seus espectacles i propostes en espais no convencionals; en esta edició, galeries d’art i tallers d’artistes.
Un festival que, amb el consens i el recolzament de totes les plataformes veïnals de Russafa, naix amb la finalitat de potenciar i dinamitzar un dels barris amb major nombre de professionals relacionats amb les indústries culturals.
En esta primera edició set artistes escènics/companyies de teatre units per una generació, sense un espai propi on poder presentar els seus treballs, i amb el desig i ganes de voler experimentar i mostrar; ocupen en russafa escènica 2011 els espais privats de set artistes plàstics.
Set tallers i galeries d’art situades a russafa, set espais que són una xicoteta selecció dels quasi trenta estudis existents en el barri on, després de mesos de treball en conjunt, l’artista plàstic i l’escènic es fonen en una direcció i mostren, dins del marc del festival, el resultat de la seua convivència.
Una setmana on el barri de Russafa es transformarà en un autèntic aparador de les arts escèniques valencianes fusionades amb les arts plàstiques.
Una setmana on poder veure set propostes dins la programació oficial i una producció pròpia del festival.
Producció pròpia que compta amb la participació de prop de vint creadors amb una més que solvent i acreditada trajectòria creativa que naix amb el desig de sumar al sector teatral valencià.
Noms propis de l’escena valenciana que amb la seua participació, treball i generositat, aporten al festival solidesa, rigor i qualitat.
Un total de huit propostes d’entre quaranta-cinc minuts i una hora amb les que poder gaudir d’un festival de nous llenguatges escènics presentats en espais no convencionals.
Huit llavors, que amb el treball, il•lusió i esforç d’un gran equip de professionals, han germinat donant pas a les huit propostes que vos presentem.
Huit propostes que prenen forma i creixen des de la necessitat de mostrar el treball dels professionals valencians en una societat on no sempre les circumstàncies alienes al fet artístic juguen al seu favor.

CENIZAS ESCOGIDAS. OBRAS 1986-2009. Rodrigo García

Ayer me compré el volumen CENIZAS ESCOGIDAS. OBRAS 1986-2009 que ha editado La Uña Rota. Recoge casi todos los textos que Rodrigo García ha escrito en los últimos 25 años. Como nos dice el mismo Rodrigo García en el prólogo, estos "textos son infortunados residuos de mis montajes teatrales".


"Las palabras de este libro son despojos; cobran sentido si atendemos al universo que propuso en su día cada montaje teatral y, descontextualizadas, se presentan carentes de estructura dramática, y hasta resultan torpes para la lectura corriente"

Si tienes nueve años y vives en Lisboa, vas al McDonald’s todos los domingos.
Si tienes nueve años y vives en Cuba, vas a chuparle la polla a un turista italiano.
Si tienes nueve años y vives en Bruselas, vas al McDonald’s los domingos.
Si vives en Bolivia, vas a la mina para los gringos.
Si tienes nueve años y vives en Nueva York, vas al McDonald’s los domingos.
Si tienes nueve años y vives en Tailandia, tienes que dejar que te dé por el culo un australiano.
Después dos aviones se llevan por delante dos rascacielos y la gente se asombra.
Las causas religiosas son otra mentira más.
Os creéis la propaganda política igual que os creéis la publicidad de Danone.
Una nación cree que puede desollar Hirosima y quedar impune.
Que puede destrozar económicamente Argentina y quedar impune.
Que puede bombardear cualquier pedazo de tierra y quedar impune.
Y hace propaganda del discurso opuesto: dicen que son un pueblo herido.
Tropas de soldados, tropas de Donuts, tropas de Big Macs, tropas de Levis, tropas de Philips, tropas de Hollywood…
¡Qué cabrones!

“La Historia de Ronald, el payaso de McDonald’s”

Rodrigo García

ZERO RESPONSABLES. Un montaje sobre la responsabilidad.

Más de 40 profesionales del Teatro valenciano en una propuesta escénica sin igual para denunciar la falta de responsables con respecto al accidente de metro del 3 de julio de 2006 en Valencia.

LAS LEYES DEL MOVIMIENTO. Jacques Lecoq

Las leyes del movimiento en el juego teatral:

1. No hay acción sin reacción.
2. El movimiento es continuo, avanza sin cesar.
3. El movimiento proviene siempre de un desequilibrio a la búsqueda del equilibrio.
4. El equilibrio mismo está en movimiento.
5. No hay movimiento sin un punto fijo.
6. El movimiento pone en evidencia el punto fijo.
7. El punto fijo también está en movimiento.

Jacques Lecoq

 

(fotografía: Compagnie dernière minut)

I FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO SOCIAL. Del 15 al 23 de mayo 2010

La Fundación por la Justicia de la Comunidad Valenciana, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo (AECID) presenta el 1er Festival Internacional de Teatro Social: “ReACT´´.


El objetivo principal que persigue el Festival Internacional de Teatro Social ReACT, es convertirse en punto de encuentro para los diversos grupos teatrales invitados con la finalidad última de sensibilizar a la sociedad de la Comunidad Valenciana sobre las violaciones de Derechos Humanos y el acontecer de una convivencia social concienciada.


ReACT tendrá lugar del 15 al 23 de Mayo de 2010, con actuaciones y actividades diarias. Todas las actividades estarán abiertas al público y serán totalmente gratuitas, con el objetivo de hacer llegar la muestra de teatro al mayor número posible de ciudadanos y hacerles participes de la misma, entendiendo la aplicación del teatro como un medio de intervención, transformación de la realidad y conciencia social.


Entre las diversas actividades que se llevarán a cabo durante el Festival, encontraremos muestras de obras teatrales de 8 compañías de 5 países diferentes, dirigidas en general a toda la sociedad Valenciana y en especial a Centros de Bachillerato, colectivos de inmigrantes, educadores y a los presos del Centro Penitenciario de Picassent. Encontraremos además como actividades paralelas, teatro para niños en las instalaciones del IVAM, realizado por DAMA (Ruanda); teatro en la calle por la Escuela de Teatro y Cine OFF VALENCIA; realización de talleres de teatro con niños discapacitados y educadores a cargo del grupo aSOMBRAS (Madrid, España); charlas sobre la situación de los Derechos Humanos en los diferentes países; y una exposición fotográfica titulada “Ojo de Reconocimiento´´, imágenes de Palestina de la artista Mahdis Azarmandi (Irán/Alemania).


Durante el Festival ReACT se presentarán obras de las siguientes compañías teatrales:


RAJATABLA (Caracas, Venezuela), ASHTAR THEATRE (Ramallah, Palestina), CHAPAO (Valencia, España), Compañía ENNIO TRINELLI (Málaga, España), LOS MANANTIALES (Valencia, España), Escuela de Teatro y Cine OFF (Valencia, España), FREIE BÜHNE NEUWIED (Neuwied, Alemania), y DelMUNDO PRODUCTIONS (Nueva York, Estados Unidos).


La Pre-inauguración será el sábado 15 de mayo a las 22:00 en el IVAM, con una muestra de video arte, proyectada en la fachada del museo, de la artista Laia Cabrera.


La Gala Inaugural del 1er Festival Internacional de Teatro Social ‘ReACT’ será el domingo 16 de Mayo a las 20:00 en la Escuela de Teatro y Cine Off de Valencia, donde tendrá lugar la representación de la obra “Tu país está feliz” del grupo RAJATABLA de Venezuela.


La Gala de Clausura será el domingo 23 de mayo a las 20:00 en el Teatro de los Manantiales de Valencia, donde se realizará la obra “Ground Zero” de la misma compañía LOS MANANTIALES.


Para más información: www.fundacionporlajusticia.org, o contactando telefónicamente, al 96.381.37.33.

MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2010

El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una miríada de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar.

El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos.

JUDI DENCH

I CONGRÉS SOBRE LA DRAMATÚRGIA EUROPEA: Del 24 al 26 de febrer de 2010. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

El teatre en l’espai europeu, un altre debat imprescindible

El I Congrés sobre la dramatúrgia europea té com a objectiu fonamental reunir un conjunt de dramaturgs amb altres professionals responsables de la cultura teatral per tractar de reflexionar sobre Europa com espai teatral. Com un àmbit plural de vivència i pervivència del nostre imaginari teatral, un espai de pluralitat lingüística i cultural, més enllà de les unitats estrictament econòmiques o polítiques que la configuren. Al seu si, les minories no estatals hi tenen un dinamisme teatral propi que pot aportar molts elements de riquesa i vida al conjunt de l’imaginari i la realitat europeus.

És possible pensar un teatre europeu més enllà de les actuals demarcacions territorials i polítiques? Cal renunciar a les especificitats? Cal augmentar els contactes i els fòrums d’intercanvi a més del sistema d’edicions i/o produccions actuals? Com s’insereixen les cultures minoritàries i minoritzades en aquest espai de cultures i llengües algunes de les quals actuen com a minoritzadores per raons extralingüístiques? Cal tenir en compte únicament les llengües amb representació al Parlament Europeu o abraçar la diversitat molt més rica i plural de la realitat? Com aconseguir que el diàleg siga operatiu més enllà dels mecanismes estrictament oficials sancionats per les institucions estatals?

Organitzat per l’Octubre Centre de Cultura Contemporània de València, el Congrés es nuclearitza al voltant de cinc sessions dedicades a diverses dramatúrgies d’àmbits i realitats teatrals ben vives: les de llengua alemanya (Alemanya, Àustria, Suïssa), anglesa (Anglaterra, Escòcia, Irlanda), francesa (França, Bèlgica, Suïssa), italiana (Itàlia, Suïssa) i catalana (País Valencià, Illes, Catalunya...). Aquestes sessions tenen un disseny gairebé simètric i autònom: una exposició historicocrítica seguida de la intervenció d’un dramaturg que analitza quins són, al seu criteri, els problemes bàsics de l’escriptura i la difusió teatrals al seu àmbit. Després, aquesta visió personal es complementa amb una taula rodona amb dos dramaturgs més i un responsable cultural, els quals ens en poden donar una informació molt més àmplia i plural. A la fi, es produeix un debat, obert al públic, amb els membres d’aquesta taula rodona més el dramaturg anterior.

El primer congrés naix, en definitiva, amb la convicció ferma que la construcció de l’espai europeu reclama un diàleg i una activitat permanents al més viu, directe i personalitzat possible, des dels diferents agents socials i teatrals perquè la diversitat de pobles i cultures intercanvien els seus somnis, realitats, dèficits i expectatives. Per això, per contribuir a l’intercanvi d’imaginaris i expectatives així com al coneixement entre iguals, posa en pràctica el debat i la reflexió sobre el teatre en l’espai europeu: un altre debat imprescindible. Perquè Europa és molt més que un espai econòmic o polític i es mereix de noves mirades i consideracions.

Per portar-lo a cap es contarà amb la presència de més de vint-i-cinc especialistes, estudiosos, actors i professionals, dels diferents àmbits lingüístico-teatrals. Tot ells ens mostraran un ampli ventall de realitats i pràctiques artístiques, històriques i de política cultural teatral que van des de l’estudi més rigorós i científic al debat més viu sobre les diferents tendències i propostes: un congrés que no deixarà indiferent a ningú i on, per primera vegada, València serà la capital del teatre europeu.

Idea: Manuel Molins.
Coordinació: Francesc Foguet i Manuel Molins.
Comissió Organitzadora: Olga Celda, Francesc Foguet, Manuel Molins, Ramon Rosselló i Núria Santamaria.
Comitè Científic: Jordi Auseller (UVic), Francesc Foguet (UAB), Brigitte Jirku (UV), Domingo Pujante (UV), Maria Josep Ragué – Àrias (UB), Ramon Rosselló (UV), Biel Sansano (UA), Núria Santamaria (UAB), Mercè Saumell (INST. TEATRE), Josep Ll. Sirera (UV), Jesús Tronch (UV) i Loreto Vilar (UB).

Programa

Dimecres 24 de febrer 2010

11.00h. Acreditacions.

11.30h. Benvinguda.

12.00h. Ponència inaugural: “El teatre europeu en la nova Europa o l'imaginari teatral europeu a debat. Hi ha una Europa més enllà (o més ençà) de l'espai econòmic i/o polític que tant es pregona?”, a càrrec de Lluís Pasqual, director i productor teatral, fundador del Teatre Lliure.

Sessió I: el teatre alemany

Presenta: Jordi Auseller (Universitat de Vic).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre alemany des de finals del s. XX a l'actualitat. Brigitte Jirku (UV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs escriptors alemanys. Marion Victor (Verlag der Autoren de Frankfurt/Main).

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre alemany actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l'anterior (Henning Fangauf i Sabine Wang), més un responsable cultural (Eva Brenner, directora del Fleischerei) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Loreto Vilar (UB).

Dijous 25 de febrer 2010

Presenta: Mercè Saumell (Institut del Teatre).

Sessió II: el teatre anglès

10.00h. Panorama del teatre anglès des de finals del s. XX a l'actualitat. Jen Harvie (Universitat de Londres).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs anglesos. David Edgar.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre anglès actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l’anterior (Stella Feehily i Max Stafford-Clark) més un responsable cultural (Phil George, President Fundador del Teatre Nacional de Gal·les), seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Olga Celda, dramaturga.

Sessió III: el teatre italià

Presenta: Pau Marqués (professor i traductor).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre italià des de finals del s. XX a l'actualitat. Paolo Puppa (Universitat de Venècia).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs italians. Gianni Clementi.

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre italià actual amb dos dramaturgs diferents de l'anterior (Giampiero Rappa i Renata Ciaravino) més un responsable cultural (Monica Gattini, Teatre Litta Milano) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Ramon Rosselló (UV).

20.00 a 21.30h. Lectura dramatitzada de textos breus dels dramaturgs que intervenen en el congrés. Direcció: Albert Mestres. Interpretat per:
Vicent Grande, Nacho Diago i Pilar Martínez.

Divendres 26 de febrer 2010

Presenta: Evelio Miñano (UV).

Sessió IV: el teatre francès

10.00h. Panorama del teatre francès des de finals del s. XX a l'actualitat. Michel Corvin (Sorbonne nouvelle).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs francesos. Victor Haïm.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre francès actual amb dos dramaturgs diferents de l’anterior (Louise Doutreligne i Serge Kribus) més un responsable cultural (Irène Sadowska, crítica i animadora cultural) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Domingo Pujante (UV).

Sessió V: el teatre català (i espanyol)

Presenta: Núria Santamaria (UB).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre català des de finals del s. XX a l'actualitat. Francesc Massip (URV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs en llengua catalana. Joan Cavallé.

18.30 a 19.30h. Taula rodona sobre la projecció del teatre català i castellà des de finals del s. XX a l'actualitat amb Rodolf Sirera (País Valencià), Joan Casas (Principat), Patxo Telleria (Euskadi), i Ignacio del Moral (Madrid). Modera: Maria José Ragué-Àrias (UB).

19.30 a 21.00h. Debat sobre la situació del nostre teatre amb diferents responsables de la gestió teatral, professionals i polítics. Alfred Mayordomo (cap de producció de TGV), Jordi Coca (CoNCA), Josep P. Cerdà (Delegat d'Arts Escèniques del Consell Balear), Alberto García Vidal (Red de Teatros Alternativos) i Salvador Sunyer (director del Festival Temporada Alta, Girona). Modera: Francesc Foguet (UAB).

CONVALIDABLE PER 2 CRÈDITS DE LLIURE OPCIÓ (Universitat de València)

IMPORT DE LA MATRÍCULA
a) Estudiants de la Universitat de València (amb 2 crèdits): 30€
b) Públic en general: 10€
c) Socis d'ACPV: 5€

Per poder assistir al cicle s'ha de reomplir i enviar el formulari que apareix dessota a més de fer el pagament corresponent, amb data límit 22 de febrer, a l'entitat bancària Caixa Catalunya nº de compte 2013/0430/83/0200308768. Al rebut bancari heu d'escriure en l'apartat concepte "Congrés Dramatúrgia" i en nom del beneficiari Fundació Ramon Muntaner.

Important: Els rebuts els heu de fer arribar a l'OCCC, C/ Sant Ferran, 12. 46001 València a l'atenció de Sumsi Palau. O bé enviar-los a l'e-mail: spalau@octubre.cat o al fax 96 315 51 65.

Per als alumnes de la Universitat de valència la matrícula inclou els drets d'inscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània. L'assistència al curs és convalidable per dos crèdits de lliure configuració (el preu inclou les taxes de tramitació).

Per al públic en general la matrícula inclou els drets d'nscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània.

AGRAïMENTS
Goethe Institut de Barcelona
Consulat de Suïssa a Barcelona
Institut Français de València.

Les obres curtes han estat traduïdes per Olga Celda (Anglès), Mónica Fernández Arizmendi (Alemany), Maria Bayarri i Pau Marqués (Italià), Enric Martínez Català (Francès), Evelio Miñano (Francès), Manuel Molins (Anglès, Francès i Castellà) i Domingo Pujante (Francès).

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA. Daniel Fermani

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA

Por Daniel Fermani

En un instante es posible saber lo que sucede en las antípodas del mundo o puede enviarse un mensaje que llegará pocos segundos después a cualquier lugar del planeta, o también se puede localizar a una persona en donde se encuentre, a través del teléfono celular. El sistema consumista nos ha convencido de que vivimos en la “era de las comunicaciones”. Este axioma implicaría tácita y no tan tácitamente que nunca estaremos solos, que el silencio puede ser nada más que una elección, que podemos estar junto a todos nuestros seres queridos solamente apretando algunos botones. Y en un cierto sentido todo esto es cierto (de la superación de la soledad a la felicidad debería haber sólo un paso, por lo tanto sáquense las debidas conclusiones acerca del poder de las herramientas con que el mercado maneja nuestras convicciones). Lo que no revela el sistema deshumanizante en el cual vivimos, es que toda esta tecnología no nos está comunicando verdaderamente, sino que nos está aislando ulteriormente, convirtiendo al hombre en un ser que habla sólo por máquinas y a través de máquinas. El ser humano ya no necesita la presencia física de otro ser humano para intercambiar información, para trabajar o para expresar lo que siente. El abrazo, el beso, la cercanía física, el roce entre dos cuerpos que se comunican también a través de su proximidad, van perdiendo vigencia en nuestra sociedad a tal punto que llegará un día en que todos éstos serán gestos que provoquen desconfianza, y de allí pasarán a ser de mal gusto e incluso inmorales. Este sistema cómodo e impersonal impuesto por la tecnología producirá paulatinamente una repugnancia hacia la verdadera comunicación, la comunicación que requiere la presencia en cuerpo y alma de dos o más personas, en un tiempo y espacio determinados. Porque esta tecnología de la comunicación ha roto también el paradigma del tiempo, y un mensaje escrito la semana pasada puede llegar hoy a nuestro teléfono celular, con su contenido actualizado por este error del sistema, y por lo tanto influirá en el instante de su arribo sobre nuestra existencia con un retraso que se actualiza casi mecánicamente. Y viceversa, la velocidad de llegada de nuestros mensajes tecnológicos (pretendidamente humanos) hace que cuerpo, mente y espíritu se debatan en la vorágine de una fuerza centrípeta en la que ya no pueden mantenerse unidos sino a costa de esfuerzos enormes y de “carreras contra el tiempo”. Porque el tiempo tradicional también ha sido manipulado por la tecnología de la “era de las comunicaciones”, a tal punto que no sólo podemos resolver numerosos compromisos sociales y laborales a través de Internet y del celular, sino también que el trabajo que antes precisaba horas para ser llevado a cabo, ahora requerirá minutos, por lo tanto la explotación del hombre se ve inmensamente favorecida por esta mencionada tecnología.
¿Pero qué tiene que ver esto con el teatro?
El hombre actual se aleja cada vez más de cualquier tipo de comunicación que implique la presencia física -al menos de la verdadera comunicación, la que significa intercambio de ideas, discusión y debate generadores de reflexión y pensamiento- y por lo tanto un hecho artístico que lo obligue a una interacción con y entre personas de carne y hueso, le causará cada vez mayor repugnancia. El teatro vuelve la presencia física de espectador y actor un hecho obligatorio, y se trata de una presencia no sólo física, sino de una actitud, predisposición y desnudez espirituales que llevan a ambos protagonistas del hecho teatral antes que nada a un compromiso humano. El espectador teatral baja las defensas, deja de lado su desconfianza y sus prejuicios, para dejarse atravesar por alguien que está cabalgando sobre defensas, desconfianza y prejuicios: el actor. Y ese compromiso mutuo cuesta cada vez más. Es un esfuerzo que de tan humano empieza a resultar inhumano. Y de tan inhumano se vuelve ciclópeo para el hombre común, que habla con Japón dos veces por día, escribe a amigos de todo el país en su celular, y chatea con los europeos cada vez que puede o “tiene tiempo”. Pero ninguna de estas actividades “comunicativas” le requiere lo que una obra de teatro: poner su cuerpo en una butaca, abrir su mente y disponer su espíritu para que sean penetrados por el arte vivo, ése que encarnan otras personas de carne y hueso arriba del escenario.
Se vive un mundo en el cual la cercanía física de las personas no implica comunicación, ni mucho menos intercambio, solidaridad o tolerancia, y a su vez la comunicación prescinde cada vez más de la cercanía física. Paradójicamente pareciera que el ser humano –humano quiere decir miembro partícipe de una comunidad que construye y sostiene su andamiaje cultural- se dirige hacia el aislamiento absoluto. Un aislamiento lleno de palabras, palabras que salen de pantallas y auriculares.
¿Podría esta explicación dar razón de la ausencia de espectadores en el teatro, de la reticencia a presenciar obras de contenido, de la demolición imparable de los lugares de teatro en nuestras comunidades, de la amnesia gubernamental acerca de todo lo referido al arte teatral?(1) Tal vez no, tal vez se trata de una especulación demasiado forzada, y los problemas del teatro actual se deban sencillamente a su natural decadencia como forma artística, y a la forzosa difusión y profundización de la ignorancia en la población, que ya no entiende ni se interesa por este tipo de manifestación del arte.
Sin embargo, la fuerza que mueve al teatro es intrínseca y sigue generando material, como un agujero blanco que tuviese la forma de un escenario y dejara escapar actores, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores, tramoyistas. La cuestión es qué hacer con esta energía y con esta pequeña comunidad de exiliados en un mundo que hace arcadas frente al arte vivo.
Si como afirmaba Hamlet, el teatro es capaz de hacer confesar al criminal su crimen, deberíamos obligar a toda la población a asistir a las representaciones teatrales para individualizar en ellas a los asesinos ocultos del teatro. No es casual que políticos, demagogos, cómplices y sicarios del sistema nunca asistan al teatro.
Pero el anatema sigue incólume, y podemos observar fenómenos sorprendentes, como lo son el brote y la difusión exitosa de manifestaciones populares como el teatro comunitario, sin que este hecho influya, renueve ni impulse en absoluto la actividad teatral tradicional y su incidencia en la sociedad. Probablemente la cuestión es resultado de una intrincada red de factores que tienen en lo político y lo económico su base, en lo tecnológico su estructura, en lo cultural su motivación y en lo social su justificación. Probablemente las razones de la existencia del teatro, ésas que siguen contaminando a muchas personas para llevarlas a trabajar toda su vida en este arte, hayan quedado aplastadas para el resto de la sociedad a causa de algunos de estos factores o de una combinación letal de todos ellos. La negación de la importancia del teatro para el mantenimiento de la salud social, y la banalización permanente de este arte, considerado suntuario y de entretenimiento desde muchos ámbitos, no sólo el oficial, se explica a la luz de una sociedad incapaz de decodificar, de construir significados nuevos, de imaginar, de crear y por lo tanto de rebelarse.
Ya no podemos decir que nuestra sociedad “sufre” tal o cual mal, sino que debemos acostumbrarnos a decir que nuestra sociedad “es” de este modo, lo cual ya sería un síntoma de madurez que nos ayudaría a aceptar más sinceramente nuestro tiempo y nuestras características. Sobre esta base deberemos entonces preguntarnos si es lícito insistir en preservar valores y gustos procedentes de un pasado ya remoto, o si será necesario idear nuevos caminos, nuevos modos de expresión que condigan armoniosamente con la sociedad en que vivimos. Pero si acabamos de decir que somos incapaces de crear, construir e imaginar, entonces nos encontramos en un callejón sin salida que nos conducirá única e inevitablemente hacia los modelos, vendidos por buenos, de la televisión y los medios de comunicación masiva. La sorprendente tozudez de los artistas teatrales en su empeño por seguir remando contra una corriente que ya no es corriente sino la marea que mueve los océanos, puede ser solamente un síntoma de enfermedad, un gen recesivo que trae a la superficie una tara ya masivamente superada en el resto de la humanidad.
El teatro posiblemente sea entonces uno de estos genes recesivos, el más recesivo y el más urticante de todos, porque sigue discutiendo en carne y hueso con personas de carne y hueso, mientras que el resto de las disciplinas artísticas tienen la ventaja de soportar insultos y alabanzas en silencio, sin la disgustosa presencia del artista. Habría que intentar la supresión total de este tipo de manifestaciones teatrales y de quienes las realizan, para comprobar sus efectos en la sociedad a corto, mediano y largo plazo. Un mundo sin teatro ni teatristas no es un imposible, ya fue intentado por algunos regímenes totalitarios, y como es evidente la humanidad ha seguido en pie. Si la salud de nuestra sociedad se mide por el grado de productividad, pero sobre todo de consumismo, como demuestran diariamente los índices oficiales de gastos y consumo de la población, sería muy recomendable dar este golpe y perpetrar de una vez esta eliminación, que sin duda va a generar un saludable aumento del citado consumismo. Obligar a un normal ciudadano a presenciar la actuación de otra persona viva, de carne y hueso, en un momento y un lugar –un aquí y un ahora- puede ser una tortura inútil como aquélla a la que fue sometido el protagonista de “La naranja mecánica”, y sus resultados, como en el caso de esa célebre novela, distarán mucho de ser los esperados. Mantener los ojos abiertos con pinzas para obligar a ver lo que debiera o no debiera ser, no funciona. El orden del mundo también es una construcción derivada de un pensamiento, y es hora de reconocer que nuestro mundo actual no es la construcción que tenían los griegos del S. V a C., ni los ingleses que propulsaban el teatro en la época Isabelina.
Por lo tanto, ¿existe un modo de adecuar el teatro a este mundo y a esta época, o seguiremos insistiendo en un arte que parece perimido en esta estructura socio-político-económico-cultural? Naturalmente, la respuesta de todos los que aman el teatro (que no deben llenar una provincia argentina los verdaderamente enamorados, en este amplio y vasto mundo) sería que se debe seguir adelante contra viento y marea. Es una respuesta más estúpida que suicida, si bien algunos podrían aducir que adecuar el teatro a estos tiempos es tan sacrílego como dejar de hacer teatro.
Quién sabe si la experimentación teatral pueda ser un camino, si pueda brindar una opción de supervivencia legítima al arte teatral ante la “era de las comunicaciones”, o si muy por el contrario, esta experimentación y sus muy discutidos resultados no hacen más que complejizar el problema, colocando el arte teatral en un plano de incomprensibilidad que lo enrarece y lo vuelve aún más repugnante al hombre tecno-consumista.

(1) Hablamos naturalmente de teatro underground, independiente, el teatro de búsqueda y de contenido, incluso en el género llamado cómico. No hay tanto olvido oficial en el momento de ofrecer salas y cachet a las compañías comerciales o a las “estrellas” salidas de los escenarios televisivos.

(Tomado de LA VORÁGINE Revista Independiente de TEATRO. Nº 23. Noviembre 2009)

GUERRA Y TEATRO

VIERNES 19 DE FEBRERO DE 2010
19'30 h.
OCTUBRE CENTRE DE CULTURA CONTEMPORÁNEA.

"Quan el teatre podia ser una arma política (1936-1939)"
Conferència a càrrec de Francesc Foguet.


FRANCESC FOGUET (Linyola, Pla d'Urgell, 1971) és professor de literatura catalana de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat Autònoma de Barcelona, doctor en Filologia Catalana per aquesta universitat i diplomat en Teoria i Crítica del Teatre per l'Institut del Teatre i en El Segle XX a Debat per la Universitat de Barcelona. És coordinador també del Grup de Recerca en Arts Escèniques de la UAB. Pertany al Centre d'Estudis sobre les Èpoques Franquista i Democràtica (CEFID-UAB). Foguet és especialista en teatre català modern i contemporani, ha publicat diversos llibres sobre el període de la guerra i la revolució de 1936-1939. Ha format part del consell de redacció d'El Pou de Lletres i El Contemporani, i ha escrit diversos articles sobre història del teatre català a Serra d’Or, Revista de Catalunya, Els Marges, L'Avenç, Assaig de Teatre, Catalan Review i Pausa, entre d'altres. Actualment, exerceix de crític teatral al Quadern del diari El País.

La conferència anirà seguida de la representació de la peça teatral Un vol de coloms, a les 20.30h.


Un vol de coloms
Peça breu d'agitprop de Manuel Molins.

Intèrprets: Rosana Pastor, Pilar Martínez, Vicent Genovés, Pasqual Rodrigo i Vicent Grande.
Direcció: Manuel Molins

Sinopsi: Barcelona, abril de 1937. Un mes abans de l'esclat de la "revolució" que George Orwell va narrar en Homenatge a Catalunya. Natàlia, la Colometa, es passeja per la Plaça de Sant Jaume intentant vendre els darrers coloms que li queden per a sobreviure. Es troba amb la seua amiga Teresa Goday, vídua de Rovira i de Valldaura, que amb el seu amant, va al teatre Romea. Quan es queda sola, se li acosta un quintacolumnista contrari a la República. Colometa es defensa com pot i és ajudada per un foraster, Orwell, que ha vingut a Barcelona amb l'esperança d'assistir al triomf d'una autèntica revolució obrera.

Aquesta activitat forma part del seguit d'activitats paral·leles a l'exposició La Derrota, que es desenvolupen al llarg del mes de febrer.

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (en Sporting Club)

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (historias de un educador perdido en unos servicios sociales entre Extremadura y Alaska) es un espectáculo que pone en escena el blog del mismo título:
http://eleducadorsocialenalaska.blogspot.com, de gran éxito en Internet.
El blog cuenta el día a día de Quique, un educador social, a partir de una herramienta esencial de su oficio: la entrevista.
En la elaboración del espectáculo los internautas pudieron escoger algunos de los /post/ que aparecen en la obra.
Educador social en Alaska es un espectáculo sin límites espaciales, directo, donde se toca, se saborea y se escucha.

Dirigido por Nuria Inglada y Rafa Sánchez e interpretado por Rafa Sánchez.

Sábado 30 y domingo 31 de enero
20'00 h.
Sporting Club Russafa.

Precio: 6€

LECTURA DRAMATIZADA: "Les habitacions tancades" de Samuel Sebastian

Dissabte 6 de febrer de 2010, 19'00 h.
a l'Octubre Centre de Cultura Contemporània

Interpretada per Maribel Bravo i Ángel Figols
Dirigida per Isabel Caballero

L'argumen de l'obra gira al voltant d'un pare que abusa sexualment de la seva filla de catorze anys i descriu el moment en el qual ella es rebel·la.
La història está escrita en temps real, entre el moment en el qual el pare acaba d'abusar de la seva filla i fins el moment de dinar de diumenge.

Más de 20 artistas reflexionan sobre el maltrato en una producción escénica colaborativa

Más de 20 artistas, entre actrices, fotógrafos, pintores, dibujantes y poetas coordinados por la directora y dramaturga valenciana Sefa Bernet han colaborado en una producción escénica independiente contra la violencia de género y el patriarcado que llega a Valencia este sábado y domingo en el marco del Sporting Club de Russafa (Calle Sevilla-Valencia) a las 20:00. Tras la representación, el sábado, se abrirá una charla-coloquio con el público asistente sobre Arte, poesía y patriarcado.

Bajo el título-acertijo ‘(una nada asombrosa pero) EXACTA PALABRA (que te nombra)’ – verso extraído de un poema de Matías Escalera -, el guión está formado a partir de una quincena de poemas de autores y autoras españolas y latinoamericanas, entre los que se encuentran la ganadora del Premio Nacional de Poesía de Tijuana, Claudia Berrueto, Germán Machado, Matías Escalera o la poeta gallega y croata, Déborah Vukusik.

Las poetas han cedido generosamente sus textos. El montaje representa la escala piramidal de violencia desde el maltrato invisible y asumido por la sociedad del consumo hasta la violencia contra la mujer auspiciada y tolerada por Gobiernos y leyes. Una idea que ha servido como base de reflexión para que 4 artistas visuales valencianos desarrollen una propuesta creativa en forma de pinturas, fotografías, fotopoemas y poemas visuales, cuyas obras además formarán parte de una exposición itinerante.

Se trata de Román PC (poeta y fotógrafo), Mario Borrás (pintor), Jenni Arnau (fotopoeta) y Eddie (J.Bermúdez), poeta visual. Además el vestuario ha sido diseñado, también de forma altruista por miembros del Cómic Sketch Group de El Dorado-Espacio MAE. Las actrices son la sevillana Lola Escudero (Leda) y la valenciana Alicia Martínez. La banda sonora es el tema Plegarias a la Venus del gran Poder de Miguel Ángel García Argüez.

Este montaje de Arte Colaborativo y de concienciación social es una producción independiente en colaboración con la Asociación Poética Caudal. También ha participado la asociación Cien Escritores contra el Maltrato, de Gijón, con un montaje audiovisual sobre la violencia sexista y la publicidad.

Para más información, pincha aquí.

Sniff!! Otro teatro que cierra en Valencia.

Queridos amig@s de EL TEATRO DE CAMPANAR, por fin algunas noticias….

Para empezar, comunicaros que nuestro teatro tal y como lo conocemos, ubicado en el barrio de Campanar, cierra sus puertas definitivamente. Después de los acontecimientos del pasado mes de octubre, tras consultar con un abogado, tras reuniones con compañeros del gremio, y con políticos, etc. hemos decidido cerrar un teatro y con ello una etapa y una situación. Tal vez no nos concierna sólo a nosotros explicar al gran público la situación de la cultura valenciana y en especial del teatro independiente, que vive casi del aire y se sostiene con alambres… ¡siempre todo nos queda muy interesante y apañado a pesar de vientos y mareas! Esta ciudad todavía tiene pendiente una lucha por su cultura independiente, pero estamos andando el camino, aunque sea difícil aunar energías y opiniones al respecto entre nosotros mismos, aunque se generen tensiones y contradictorios intereses… pero estamos andando el camino… o al menos creemos, desde el teatro de Campanar que se ha comenzado a dar algún empujón un poco más efectivo… (aunque eso es sólo una esperanza).

Nosotros cerramos este espacio, pero no desaparecemos. Recibiréis noticias nuestras, nos oiréis la voz, os llegará nuestro eco, pues todo esto no ha hecho más que fortalecer nuestra pasión por el teatro, acrecentar nuestra necesidad vital de crear más y más, y consolidar nuestro lugar en la lucha por una cultura libre, y no acomodada, ni por el tiempo ni por el dinero.

De momento sólo podemos ofrecer nuestro último mes de programación en Campanar, al más puro espíritu de nuestra compañía, representativo de nosotros y de nuestra manera de entender el teatro y las artes escénicas…



ENTRADA GRATUITA
Del 8 al 24 de Enero
Viernes y Sábados a las 21h.
Domingos a las 19h
parPARIAdos

Parpariados (el encierro de la conciencia) adaptación de la obra “Pariah”

La obra propone inmiscuirse en la conciencia de un personaje cuya única misión existencial parece ser el autoconvencimiento acerca del proceder del ser humano ante sus actos. Como un vestigio arqueológico los actos cometidos en otro tiempo se presentan en forma de conciencia desdoblada; en forma de un espacio enjaulado donde los objetos testimonian la ambigüedad de lo que es realidad o ficción. Adaptación de PARIA de AUGUST STRINDBERG Cía.: La Línea Continua Dirección e interpretación: Jorge Affranchino Escenografía: Taller L’Alambre Vestuario: Sälem Jeru Iluminación: Julián Affranchino Maquillaje: Tonín


Sábado 30 y Domingo 31 a las 19h
Entrada 6€
ELMA SAMBEAT CUARTETO
Presentando su nuevo espectáculo de folclore y jazz en directo.
Concierto basado en el nuevo disco de Elma Sambeat con arreglos de Alberto Palau.
Entre el jazz y el folclore latinoamericano, brasileño, portugués y español. Este repertorio se basa fundamentalmente en el folclore en español y portugués, donde los ritmos cobran especial relevancia y los orígenes se respetan y se ensalzan. Todo ello se plantea como un ejercicio de libertad creativa donde el lenguaje más cercano al jazz ofrece las infinitas posibilidades. Los diversos folclores son una fuente ilimitada de canciones con fuerza y profundidad. Elma Sambeat, voz Alberto Palau, piano Alessandro Cesarini, contrabajo Miquel Asensio, batería

Domingo 31 después del concierto nos despedimos oficialmente de EL TEATRO DE CAMPANAR


PARA INFORMACIÓN Y RESERVAS:

ELMA SAMBEAT y JORGE AFFRANCHINO
La línea continua Compañía de Teatro

EL TEATRO DE CAMPANAR
C/ Mosen Rausell 34
46015 Valencia
Telf: 635 15 47 55

e-mail: catarastrofeatro@elteatrodecampanar.com

http://www.myspace.com/elteatrodecampanar

http://www.myspace.com/elmasambeat


…y con esto no nos queda más que decir un HASTA SIEMPRE… y agradecer vuestra presencia a lo largo de los tiempos…


MUCHAS GRACIAS
JORGE AFFRANCHINO
actor y director de la compañía de teatro LA LÍNEA CONTINUA
Codirector del Espacio Teatral Independiente EL TEATRO DE CAMPANAR
ELMA SAMBEAT
cantante y actriz
Codirectora del Espacio Teatral Independiente EL TEATRO DE CAMPANAR

TIERRA DE NADIE: Dries Verhoeven prepara un montaje teatral con refugiados políticos en Valencia

En el próximo Festival València Oberta (VEO), que se celebrará del 10 al 21 de febrero, el dramaturgo y director holandés Dries Verhoeven estrenará su espectáculo "Tierra de nadie (No man's land)". Para llevar a cabo dicho espectáculo ha iniciado un trabajo con un grupo de refugiados políticos que viven en Valencia, Amsterdan y Berlín.

La Embajada del Reino de los Países Bajos (Holanda) en España, el Centro de Acogida a Refugiados (CAR) de Mislata, Amnistía Internacional y la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR) han prestado su apoyo a la presentación de esta obra.

La programación de 'Tierra de nadie' ofrece al público de Valencia y a programadores españoles e internacionales la oportunidad de ver a uno de los más reconocidos directores holandeses jóvenes, especializado en el teatro de la experiencia in situ, quien además acaba de recibir el premio Montblanc al Mejor Director Joven del Festival de Salzburgo.

El Centro de Ayuda al Refugiado (CAR) de Mislata, Amnistía Internacional y la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR), están colaborando con el Festival VEO en diferentes aspectos de esta producción, como la selección de los refugiados de Valencia, la cesión de instalaciones para los procesos de ensayos, o el asesoramiento en aspectos jurídicos.

El teatro de la experiencia está viviendo una época muy intensa en los Países Bajos. Entre los directores holandeses de esta nueva eclosión del género, Verhoeven es el menos indulgente y el más comprometido. En 'Tierra de nadie', el autor invita al espectador a caminar por la calle en pos de un guía personal que no es un actor o actriz profesional, ni siquiera un aficionado, sino un refugiado político.

"En mi profesión disfruto de la intersección entre el teatro y el mundo exterior; del hecho de que un espectáculo no sea una copia del mundo, sino una ventana a través de la cual puedas literalmente mirar a la realidad en toda su imprevisibilidad", subraya el dramaturgo holandés.

El montaje incita al espectador a formularse cuestiones críticas que inciden en su responsabilidad individual al respecto de cuestiones como si realmente quiere llegar a conocer a sus vecinos, qué curiosidad le despierta la vida de los otros y si es tan hospitalario como piensa.

En su próximo montaje (aún sin título), Dries Verhoeven reflexiona sobre los vínculos que se establecen con las personas que dependen económicamente de nosotros, de cómo lugares tan distantes geográficamente irrumpen en nuestra conciencia.
(extractado de Europa Press)

FELICITACIONES DE MANANTIALES

En primer lugar queremos daros las gracias a todos por vuestras innumerables muestras de apoyo y solidaridad. En las últimas semanas, un centenar de personas entraban a cada función, y muchas otras se quedaban en la calle sin entrada. Esto nos reafirma en el trabajo realizado. Hoy, día 1 de Enero y con el alma un poco más serena, queremos felicitaros el nuevo año que comienza.

Por fortuna, las administraciones públicas, nos han ingresado una parte de lo adeudado del 2009, que nos permite respirar al menos durante un breve periodo de tiempo. Y poder reflexionar y trabajar de forma calmada.

Desconocemos las intenciones de Teatres de la Generalitat para el 2010, con respecto a manantiales. En nuestro caso, la idea es la de dignificar, de una vez por todas, la creación escénica contemporánea. Nos parecen tan legítimos los trabajos de los creadores escénicos que representan sus obras en manantiales, como los que programa el Teatro Principal. Cada vez, hay más gente en el mundo, que prefiere “El año de Ricardo” de Angélica Lidell, que “El baúl de Concha Piquer” que pronto programará el Principal. NO ACEPTAREMOS LA MARGINALIDAD.

El ente público valenciano tiene una responsabilidad con respecto a la creación escénica contemporánea como recoge la ley.



Ley 7/2007, de 9 de febrero, de la Generalitat , de Ordenación del Teatro y de la Danza en el siguiente párrafo:

Artículo 5. Atención a otras disciplinas

1. Sin perjuicio de lo dispuesto en el artículo anterior, el ente público Teatres de La Generalitat también prestará atención, directa o indirectamente, al fomento de las artes multidisciplinares, concebidas éstas desde una óptica contemporánea con objeto de atender a los nuevos lenguajes escénicos teatrales o coreográficos, resultado de la investigación en materias audiovisuales, nuevas tecnologías, música, artes plásticas, artes circenses, etc., y que, según su carácter pluridisciplinar, no pertenecen propiamente ni al teatro ni a la danza.



Desearíamos llegar a un acuerdo con Teatres de la Generalitat en breve. De no ser así, NO podremos reiniciar la actividad de programación en la sala. Vamos a intentarlo. Con vuestro apoyo seguro que lo conseguimos.

PROGRAMACIÓN DE ENERO (CARME TEATRE)

7 al 17 enero

jueves a domingo 20.30h

RESET y castañuela de Anna Albaladejo

CIA. LA IMPOSIBLE (Valencia)

Intérpretes Carol Linuesa, David Durán, Maribel Bravo, Luis Romaguera y Anna Albaladejo

Dirección Anna Albaladejo y David Durán

Año 2008: en un programa de la tele habla un hombre de 90 años. Estuvo en el frente de Aragón de joven, muy joven. Ganó la guerra y la ha olvidado (¡qué suerte!). Hace poco empezó a notar una molestia en un hombro: dolor, algo duro… un bulto que fue creciendo hasta quemar. En la ambulancia el hombre gritaba. Los médicos abrieron, hurgaron, extirparon: un trozo de metralla. Una bala perdida, tan perdida que ni el hombre recordaba que vivía bajo su piel. Eso es aquí, hoy: el país del reset y la castañuela.

21-22-23-24 enero 20.30h
NO SÓLO (DE NEURONAS VIVE EL CEREBRO ENAMORADO)

CIA. ERRE QUE ERRE (Barcelona)

Creación e interpretación Mª Ángeles G. Angulo y Mario G. Sáez

Música David Crespo

Dos personas con el mismo pulso, una respiración única. Un nuevo encuentro después de muchos encuentros. Buscando los lugares no comunes de la idea de amor, un análisis científico y analítico de los procesos de enamorarse y continuar junto a alguien una vez que la química ha dejado de cumplir su función. Una especie de poética científica que genera imágenes y transmite emociones a través de cuerpos en movimiento y sus relaciones.

Compañía galardonada con el Premio Max de danza 2008






CARME TEATRE
gutenberg 12. 46003 VLC
tlf. 963924271
www.carmeteatre.com

DESVARIACIONES GOLDBERG de David Fernández

Gran premiere el 6 de febrero en el Centro Párraga! (Murcia)
Desvariaciones Goldberg

Texto, dramaturgia, puesta en escena y dirección: david fernández
Figurines: Rossy de palma
Producido por Julien Alair


Conde Keyserlingk: Rossy de Palma
Goldberg: david fernández
Criado: Michael Fernández
Jefe técnico: Michael Fernández
Música: Variaciones Goldberg de J.S.Bach
Fotografía: Jerónimo Álvarez
Agradecimientos: A Carole Cervera Press, a mi madre por dejarme su garaje para ensayar y a Angélica Liddell por ayudarme a bajar el clave desde un 5º sin ascensor.


El Conde Keyserlingk ha muerto, deja a Goldberg - su clavecinista particular (y esclavo sexual) - huérfano de patrono y del único oyente que tenía. Las relaciones entre arte y poder siempre han sido escabrosas. Se cuenta que Juan Sebastián Bach compuso las conocidas “variaciones Goldberg” para animar las interminables noches de insomnio del Conde Keyserlingk y que Goldberg se las interpretaba al clave durante la noche (borrado por el autor). Muy probablemente esta historia es falsa, pero es bonita. Como todo lo que tiene lugar en un teatro.

El propio autor interpreta a Goldberg y Rossy de Palma al Conde Keyserlingk. Juntos se enfrentarán a 30 variaciones sobre un mismo tema (la relación entre el arte y el poder), en una obra en la que ficción y realidad son dos caras de la misma moneda.