MENSAJE DEL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO 2010

El Día Mundial del Teatro es una oportunidad para celebrar el Teatro en una miríada de formas. El Teatro es una fuente de entretenimiento e inspiración, y tiene la habilidad de unificar las diversas culturas y a las gentes de todo el mundo. Pero el teatro es mucho más que eso y también brinda oportunidades para educar e informar.

El teatro se representa en todo el mundo y no siempre en los escenarios tradicionales. Las representaciones pueden suceder en un pequeño pueblo de África, en una montaña en Armenia o en una pequeña isla del Pacífico. Todo lo que necesita es un lugar y un público. El Teatro tiene la habilidad de hacernos sonreír, de hacernos llorar, pero también debería hacernos pensar y reflexionar.

El Teatro surge a partir del trabajo en grupo. Los actores son las personas que se ven, pero hay un gran número de personas a las que no se ve. Son tan importantes como los actores y sus variadas y especializadas habilidades hacen que una producción sea posible. También deberían compartir los triunfos y los éxitos que puedan ocurrir.

El 27 de marzo es oficialmente el Día Mundial del Teatro. Por muchos motivos todos los días deberían ser considerados días del teatro, porque tenemos la responsabilidad de continuar la tradición de entretener, de educar y de iluminar a nuestras audiencias, sin los cuales no existiríamos.

JUDI DENCH

I CONGRÉS SOBRE LA DRAMATÚRGIA EUROPEA: Del 24 al 26 de febrer de 2010. Octubre Centre de Cultura Contemporània.

El teatre en l’espai europeu, un altre debat imprescindible

El I Congrés sobre la dramatúrgia europea té com a objectiu fonamental reunir un conjunt de dramaturgs amb altres professionals responsables de la cultura teatral per tractar de reflexionar sobre Europa com espai teatral. Com un àmbit plural de vivència i pervivència del nostre imaginari teatral, un espai de pluralitat lingüística i cultural, més enllà de les unitats estrictament econòmiques o polítiques que la configuren. Al seu si, les minories no estatals hi tenen un dinamisme teatral propi que pot aportar molts elements de riquesa i vida al conjunt de l’imaginari i la realitat europeus.

És possible pensar un teatre europeu més enllà de les actuals demarcacions territorials i polítiques? Cal renunciar a les especificitats? Cal augmentar els contactes i els fòrums d’intercanvi a més del sistema d’edicions i/o produccions actuals? Com s’insereixen les cultures minoritàries i minoritzades en aquest espai de cultures i llengües algunes de les quals actuen com a minoritzadores per raons extralingüístiques? Cal tenir en compte únicament les llengües amb representació al Parlament Europeu o abraçar la diversitat molt més rica i plural de la realitat? Com aconseguir que el diàleg siga operatiu més enllà dels mecanismes estrictament oficials sancionats per les institucions estatals?

Organitzat per l’Octubre Centre de Cultura Contemporània de València, el Congrés es nuclearitza al voltant de cinc sessions dedicades a diverses dramatúrgies d’àmbits i realitats teatrals ben vives: les de llengua alemanya (Alemanya, Àustria, Suïssa), anglesa (Anglaterra, Escòcia, Irlanda), francesa (França, Bèlgica, Suïssa), italiana (Itàlia, Suïssa) i catalana (País Valencià, Illes, Catalunya...). Aquestes sessions tenen un disseny gairebé simètric i autònom: una exposició historicocrítica seguida de la intervenció d’un dramaturg que analitza quins són, al seu criteri, els problemes bàsics de l’escriptura i la difusió teatrals al seu àmbit. Després, aquesta visió personal es complementa amb una taula rodona amb dos dramaturgs més i un responsable cultural, els quals ens en poden donar una informació molt més àmplia i plural. A la fi, es produeix un debat, obert al públic, amb els membres d’aquesta taula rodona més el dramaturg anterior.

El primer congrés naix, en definitiva, amb la convicció ferma que la construcció de l’espai europeu reclama un diàleg i una activitat permanents al més viu, directe i personalitzat possible, des dels diferents agents socials i teatrals perquè la diversitat de pobles i cultures intercanvien els seus somnis, realitats, dèficits i expectatives. Per això, per contribuir a l’intercanvi d’imaginaris i expectatives així com al coneixement entre iguals, posa en pràctica el debat i la reflexió sobre el teatre en l’espai europeu: un altre debat imprescindible. Perquè Europa és molt més que un espai econòmic o polític i es mereix de noves mirades i consideracions.

Per portar-lo a cap es contarà amb la presència de més de vint-i-cinc especialistes, estudiosos, actors i professionals, dels diferents àmbits lingüístico-teatrals. Tot ells ens mostraran un ampli ventall de realitats i pràctiques artístiques, històriques i de política cultural teatral que van des de l’estudi més rigorós i científic al debat més viu sobre les diferents tendències i propostes: un congrés que no deixarà indiferent a ningú i on, per primera vegada, València serà la capital del teatre europeu.

Idea: Manuel Molins.
Coordinació: Francesc Foguet i Manuel Molins.
Comissió Organitzadora: Olga Celda, Francesc Foguet, Manuel Molins, Ramon Rosselló i Núria Santamaria.
Comitè Científic: Jordi Auseller (UVic), Francesc Foguet (UAB), Brigitte Jirku (UV), Domingo Pujante (UV), Maria Josep Ragué – Àrias (UB), Ramon Rosselló (UV), Biel Sansano (UA), Núria Santamaria (UAB), Mercè Saumell (INST. TEATRE), Josep Ll. Sirera (UV), Jesús Tronch (UV) i Loreto Vilar (UB).

Programa

Dimecres 24 de febrer 2010

11.00h. Acreditacions.

11.30h. Benvinguda.

12.00h. Ponència inaugural: “El teatre europeu en la nova Europa o l'imaginari teatral europeu a debat. Hi ha una Europa més enllà (o més ençà) de l'espai econòmic i/o polític que tant es pregona?”, a càrrec de Lluís Pasqual, director i productor teatral, fundador del Teatre Lliure.

Sessió I: el teatre alemany

Presenta: Jordi Auseller (Universitat de Vic).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre alemany des de finals del s. XX a l'actualitat. Brigitte Jirku (UV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs escriptors alemanys. Marion Victor (Verlag der Autoren de Frankfurt/Main).

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre alemany actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l'anterior (Henning Fangauf i Sabine Wang), més un responsable cultural (Eva Brenner, directora del Fleischerei) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Loreto Vilar (UB).

Dijous 25 de febrer 2010

Presenta: Mercè Saumell (Institut del Teatre).

Sessió II: el teatre anglès

10.00h. Panorama del teatre anglès des de finals del s. XX a l'actualitat. Jen Harvie (Universitat de Londres).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs anglesos. David Edgar.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre anglès actual amb dos dramaturgs escriptors diferents de l’anterior (Stella Feehily i Max Stafford-Clark) més un responsable cultural (Phil George, President Fundador del Teatre Nacional de Gal·les), seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Olga Celda, dramaturga.

Sessió III: el teatre italià

Presenta: Pau Marqués (professor i traductor).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre italià des de finals del s. XX a l'actualitat. Paolo Puppa (Universitat de Venècia).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs italians. Gianni Clementi.

18.30 a 20.00h. Taula Rodona sobre el teatre italià actual amb dos dramaturgs diferents de l'anterior (Giampiero Rappa i Renata Ciaravino) més un responsable cultural (Monica Gattini, Teatre Litta Milano) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Ramon Rosselló (UV).

20.00 a 21.30h. Lectura dramatitzada de textos breus dels dramaturgs que intervenen en el congrés. Direcció: Albert Mestres. Interpretat per:
Vicent Grande, Nacho Diago i Pilar Martínez.

Divendres 26 de febrer 2010

Presenta: Evelio Miñano (UV).

Sessió IV: el teatre francès

10.00h. Panorama del teatre francès des de finals del s. XX a l'actualitat. Michel Corvin (Sorbonne nouvelle).

11.30 a 12.30h. Problemes dels dramaturgs francesos. Victor Haïm.

12.30 a 14.00h. Taula Rodona sobre el teatre francès actual amb dos dramaturgs diferents de l’anterior (Louise Doutreligne i Serge Kribus) més un responsable cultural (Irène Sadowska, crítica i animadora cultural) seguida d'un debat amb els tres membres de la taula i el ponent anterior. Modera: Domingo Pujante (UV).

Sessió V: el teatre català (i espanyol)

Presenta: Núria Santamaria (UB).

16.00 a 17.00h. Panorama del teatre català des de finals del s. XX a l'actualitat. Francesc Massip (URV).

17.00 a 18.00h. Problemes dels dramaturgs en llengua catalana. Joan Cavallé.

18.30 a 19.30h. Taula rodona sobre la projecció del teatre català i castellà des de finals del s. XX a l'actualitat amb Rodolf Sirera (País Valencià), Joan Casas (Principat), Patxo Telleria (Euskadi), i Ignacio del Moral (Madrid). Modera: Maria José Ragué-Àrias (UB).

19.30 a 21.00h. Debat sobre la situació del nostre teatre amb diferents responsables de la gestió teatral, professionals i polítics. Alfred Mayordomo (cap de producció de TGV), Jordi Coca (CoNCA), Josep P. Cerdà (Delegat d'Arts Escèniques del Consell Balear), Alberto García Vidal (Red de Teatros Alternativos) i Salvador Sunyer (director del Festival Temporada Alta, Girona). Modera: Francesc Foguet (UAB).

CONVALIDABLE PER 2 CRÈDITS DE LLIURE OPCIÓ (Universitat de València)

IMPORT DE LA MATRÍCULA
a) Estudiants de la Universitat de València (amb 2 crèdits): 30€
b) Públic en general: 10€
c) Socis d'ACPV: 5€

Per poder assistir al cicle s'ha de reomplir i enviar el formulari que apareix dessota a més de fer el pagament corresponent, amb data límit 22 de febrer, a l'entitat bancària Caixa Catalunya nº de compte 2013/0430/83/0200308768. Al rebut bancari heu d'escriure en l'apartat concepte "Congrés Dramatúrgia" i en nom del beneficiari Fundació Ramon Muntaner.

Important: Els rebuts els heu de fer arribar a l'OCCC, C/ Sant Ferran, 12. 46001 València a l'atenció de Sumsi Palau. O bé enviar-los a l'e-mail: spalau@octubre.cat o al fax 96 315 51 65.

Per als alumnes de la Universitat de valència la matrícula inclou els drets d'inscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània. L'assistència al curs és convalidable per dos crèdits de lliure configuració (el preu inclou les taxes de tramitació).

Per al públic en general la matrícula inclou els drets d'nscripció i un certificat d'assistència lliurat per l'Octubre Centre de Cultura Contemporània.

AGRAïMENTS
Goethe Institut de Barcelona
Consulat de Suïssa a Barcelona
Institut Français de València.

Les obres curtes han estat traduïdes per Olga Celda (Anglès), Mónica Fernández Arizmendi (Alemany), Maria Bayarri i Pau Marqués (Italià), Enric Martínez Català (Francès), Evelio Miñano (Francès), Manuel Molins (Anglès, Francès i Castellà) i Domingo Pujante (Francès).

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA. Daniel Fermani

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA

Por Daniel Fermani

En un instante es posible saber lo que sucede en las antípodas del mundo o puede enviarse un mensaje que llegará pocos segundos después a cualquier lugar del planeta, o también se puede localizar a una persona en donde se encuentre, a través del teléfono celular. El sistema consumista nos ha convencido de que vivimos en la “era de las comunicaciones”. Este axioma implicaría tácita y no tan tácitamente que nunca estaremos solos, que el silencio puede ser nada más que una elección, que podemos estar junto a todos nuestros seres queridos solamente apretando algunos botones. Y en un cierto sentido todo esto es cierto (de la superación de la soledad a la felicidad debería haber sólo un paso, por lo tanto sáquense las debidas conclusiones acerca del poder de las herramientas con que el mercado maneja nuestras convicciones). Lo que no revela el sistema deshumanizante en el cual vivimos, es que toda esta tecnología no nos está comunicando verdaderamente, sino que nos está aislando ulteriormente, convirtiendo al hombre en un ser que habla sólo por máquinas y a través de máquinas. El ser humano ya no necesita la presencia física de otro ser humano para intercambiar información, para trabajar o para expresar lo que siente. El abrazo, el beso, la cercanía física, el roce entre dos cuerpos que se comunican también a través de su proximidad, van perdiendo vigencia en nuestra sociedad a tal punto que llegará un día en que todos éstos serán gestos que provoquen desconfianza, y de allí pasarán a ser de mal gusto e incluso inmorales. Este sistema cómodo e impersonal impuesto por la tecnología producirá paulatinamente una repugnancia hacia la verdadera comunicación, la comunicación que requiere la presencia en cuerpo y alma de dos o más personas, en un tiempo y espacio determinados. Porque esta tecnología de la comunicación ha roto también el paradigma del tiempo, y un mensaje escrito la semana pasada puede llegar hoy a nuestro teléfono celular, con su contenido actualizado por este error del sistema, y por lo tanto influirá en el instante de su arribo sobre nuestra existencia con un retraso que se actualiza casi mecánicamente. Y viceversa, la velocidad de llegada de nuestros mensajes tecnológicos (pretendidamente humanos) hace que cuerpo, mente y espíritu se debatan en la vorágine de una fuerza centrípeta en la que ya no pueden mantenerse unidos sino a costa de esfuerzos enormes y de “carreras contra el tiempo”. Porque el tiempo tradicional también ha sido manipulado por la tecnología de la “era de las comunicaciones”, a tal punto que no sólo podemos resolver numerosos compromisos sociales y laborales a través de Internet y del celular, sino también que el trabajo que antes precisaba horas para ser llevado a cabo, ahora requerirá minutos, por lo tanto la explotación del hombre se ve inmensamente favorecida por esta mencionada tecnología.
¿Pero qué tiene que ver esto con el teatro?
El hombre actual se aleja cada vez más de cualquier tipo de comunicación que implique la presencia física -al menos de la verdadera comunicación, la que significa intercambio de ideas, discusión y debate generadores de reflexión y pensamiento- y por lo tanto un hecho artístico que lo obligue a una interacción con y entre personas de carne y hueso, le causará cada vez mayor repugnancia. El teatro vuelve la presencia física de espectador y actor un hecho obligatorio, y se trata de una presencia no sólo física, sino de una actitud, predisposición y desnudez espirituales que llevan a ambos protagonistas del hecho teatral antes que nada a un compromiso humano. El espectador teatral baja las defensas, deja de lado su desconfianza y sus prejuicios, para dejarse atravesar por alguien que está cabalgando sobre defensas, desconfianza y prejuicios: el actor. Y ese compromiso mutuo cuesta cada vez más. Es un esfuerzo que de tan humano empieza a resultar inhumano. Y de tan inhumano se vuelve ciclópeo para el hombre común, que habla con Japón dos veces por día, escribe a amigos de todo el país en su celular, y chatea con los europeos cada vez que puede o “tiene tiempo”. Pero ninguna de estas actividades “comunicativas” le requiere lo que una obra de teatro: poner su cuerpo en una butaca, abrir su mente y disponer su espíritu para que sean penetrados por el arte vivo, ése que encarnan otras personas de carne y hueso arriba del escenario.
Se vive un mundo en el cual la cercanía física de las personas no implica comunicación, ni mucho menos intercambio, solidaridad o tolerancia, y a su vez la comunicación prescinde cada vez más de la cercanía física. Paradójicamente pareciera que el ser humano –humano quiere decir miembro partícipe de una comunidad que construye y sostiene su andamiaje cultural- se dirige hacia el aislamiento absoluto. Un aislamiento lleno de palabras, palabras que salen de pantallas y auriculares.
¿Podría esta explicación dar razón de la ausencia de espectadores en el teatro, de la reticencia a presenciar obras de contenido, de la demolición imparable de los lugares de teatro en nuestras comunidades, de la amnesia gubernamental acerca de todo lo referido al arte teatral?(1) Tal vez no, tal vez se trata de una especulación demasiado forzada, y los problemas del teatro actual se deban sencillamente a su natural decadencia como forma artística, y a la forzosa difusión y profundización de la ignorancia en la población, que ya no entiende ni se interesa por este tipo de manifestación del arte.
Sin embargo, la fuerza que mueve al teatro es intrínseca y sigue generando material, como un agujero blanco que tuviese la forma de un escenario y dejara escapar actores, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores, tramoyistas. La cuestión es qué hacer con esta energía y con esta pequeña comunidad de exiliados en un mundo que hace arcadas frente al arte vivo.
Si como afirmaba Hamlet, el teatro es capaz de hacer confesar al criminal su crimen, deberíamos obligar a toda la población a asistir a las representaciones teatrales para individualizar en ellas a los asesinos ocultos del teatro. No es casual que políticos, demagogos, cómplices y sicarios del sistema nunca asistan al teatro.
Pero el anatema sigue incólume, y podemos observar fenómenos sorprendentes, como lo son el brote y la difusión exitosa de manifestaciones populares como el teatro comunitario, sin que este hecho influya, renueve ni impulse en absoluto la actividad teatral tradicional y su incidencia en la sociedad. Probablemente la cuestión es resultado de una intrincada red de factores que tienen en lo político y lo económico su base, en lo tecnológico su estructura, en lo cultural su motivación y en lo social su justificación. Probablemente las razones de la existencia del teatro, ésas que siguen contaminando a muchas personas para llevarlas a trabajar toda su vida en este arte, hayan quedado aplastadas para el resto de la sociedad a causa de algunos de estos factores o de una combinación letal de todos ellos. La negación de la importancia del teatro para el mantenimiento de la salud social, y la banalización permanente de este arte, considerado suntuario y de entretenimiento desde muchos ámbitos, no sólo el oficial, se explica a la luz de una sociedad incapaz de decodificar, de construir significados nuevos, de imaginar, de crear y por lo tanto de rebelarse.
Ya no podemos decir que nuestra sociedad “sufre” tal o cual mal, sino que debemos acostumbrarnos a decir que nuestra sociedad “es” de este modo, lo cual ya sería un síntoma de madurez que nos ayudaría a aceptar más sinceramente nuestro tiempo y nuestras características. Sobre esta base deberemos entonces preguntarnos si es lícito insistir en preservar valores y gustos procedentes de un pasado ya remoto, o si será necesario idear nuevos caminos, nuevos modos de expresión que condigan armoniosamente con la sociedad en que vivimos. Pero si acabamos de decir que somos incapaces de crear, construir e imaginar, entonces nos encontramos en un callejón sin salida que nos conducirá única e inevitablemente hacia los modelos, vendidos por buenos, de la televisión y los medios de comunicación masiva. La sorprendente tozudez de los artistas teatrales en su empeño por seguir remando contra una corriente que ya no es corriente sino la marea que mueve los océanos, puede ser solamente un síntoma de enfermedad, un gen recesivo que trae a la superficie una tara ya masivamente superada en el resto de la humanidad.
El teatro posiblemente sea entonces uno de estos genes recesivos, el más recesivo y el más urticante de todos, porque sigue discutiendo en carne y hueso con personas de carne y hueso, mientras que el resto de las disciplinas artísticas tienen la ventaja de soportar insultos y alabanzas en silencio, sin la disgustosa presencia del artista. Habría que intentar la supresión total de este tipo de manifestaciones teatrales y de quienes las realizan, para comprobar sus efectos en la sociedad a corto, mediano y largo plazo. Un mundo sin teatro ni teatristas no es un imposible, ya fue intentado por algunos regímenes totalitarios, y como es evidente la humanidad ha seguido en pie. Si la salud de nuestra sociedad se mide por el grado de productividad, pero sobre todo de consumismo, como demuestran diariamente los índices oficiales de gastos y consumo de la población, sería muy recomendable dar este golpe y perpetrar de una vez esta eliminación, que sin duda va a generar un saludable aumento del citado consumismo. Obligar a un normal ciudadano a presenciar la actuación de otra persona viva, de carne y hueso, en un momento y un lugar –un aquí y un ahora- puede ser una tortura inútil como aquélla a la que fue sometido el protagonista de “La naranja mecánica”, y sus resultados, como en el caso de esa célebre novela, distarán mucho de ser los esperados. Mantener los ojos abiertos con pinzas para obligar a ver lo que debiera o no debiera ser, no funciona. El orden del mundo también es una construcción derivada de un pensamiento, y es hora de reconocer que nuestro mundo actual no es la construcción que tenían los griegos del S. V a C., ni los ingleses que propulsaban el teatro en la época Isabelina.
Por lo tanto, ¿existe un modo de adecuar el teatro a este mundo y a esta época, o seguiremos insistiendo en un arte que parece perimido en esta estructura socio-político-económico-cultural? Naturalmente, la respuesta de todos los que aman el teatro (que no deben llenar una provincia argentina los verdaderamente enamorados, en este amplio y vasto mundo) sería que se debe seguir adelante contra viento y marea. Es una respuesta más estúpida que suicida, si bien algunos podrían aducir que adecuar el teatro a estos tiempos es tan sacrílego como dejar de hacer teatro.
Quién sabe si la experimentación teatral pueda ser un camino, si pueda brindar una opción de supervivencia legítima al arte teatral ante la “era de las comunicaciones”, o si muy por el contrario, esta experimentación y sus muy discutidos resultados no hacen más que complejizar el problema, colocando el arte teatral en un plano de incomprensibilidad que lo enrarece y lo vuelve aún más repugnante al hombre tecno-consumista.

(1) Hablamos naturalmente de teatro underground, independiente, el teatro de búsqueda y de contenido, incluso en el género llamado cómico. No hay tanto olvido oficial en el momento de ofrecer salas y cachet a las compañías comerciales o a las “estrellas” salidas de los escenarios televisivos.

(Tomado de LA VORÁGINE Revista Independiente de TEATRO. Nº 23. Noviembre 2009)

GUERRA Y TEATRO

VIERNES 19 DE FEBRERO DE 2010
19'30 h.
OCTUBRE CENTRE DE CULTURA CONTEMPORÁNEA.

"Quan el teatre podia ser una arma política (1936-1939)"
Conferència a càrrec de Francesc Foguet.


FRANCESC FOGUET (Linyola, Pla d'Urgell, 1971) és professor de literatura catalana de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat Autònoma de Barcelona, doctor en Filologia Catalana per aquesta universitat i diplomat en Teoria i Crítica del Teatre per l'Institut del Teatre i en El Segle XX a Debat per la Universitat de Barcelona. És coordinador també del Grup de Recerca en Arts Escèniques de la UAB. Pertany al Centre d'Estudis sobre les Èpoques Franquista i Democràtica (CEFID-UAB). Foguet és especialista en teatre català modern i contemporani, ha publicat diversos llibres sobre el període de la guerra i la revolució de 1936-1939. Ha format part del consell de redacció d'El Pou de Lletres i El Contemporani, i ha escrit diversos articles sobre història del teatre català a Serra d’Or, Revista de Catalunya, Els Marges, L'Avenç, Assaig de Teatre, Catalan Review i Pausa, entre d'altres. Actualment, exerceix de crític teatral al Quadern del diari El País.

La conferència anirà seguida de la representació de la peça teatral Un vol de coloms, a les 20.30h.


Un vol de coloms
Peça breu d'agitprop de Manuel Molins.

Intèrprets: Rosana Pastor, Pilar Martínez, Vicent Genovés, Pasqual Rodrigo i Vicent Grande.
Direcció: Manuel Molins

Sinopsi: Barcelona, abril de 1937. Un mes abans de l'esclat de la "revolució" que George Orwell va narrar en Homenatge a Catalunya. Natàlia, la Colometa, es passeja per la Plaça de Sant Jaume intentant vendre els darrers coloms que li queden per a sobreviure. Es troba amb la seua amiga Teresa Goday, vídua de Rovira i de Valldaura, que amb el seu amant, va al teatre Romea. Quan es queda sola, se li acosta un quintacolumnista contrari a la República. Colometa es defensa com pot i és ajudada per un foraster, Orwell, que ha vingut a Barcelona amb l'esperança d'assistir al triomf d'una autèntica revolució obrera.

Aquesta activitat forma part del seguit d'activitats paral·leles a l'exposició La Derrota, que es desenvolupen al llarg del mes de febrer.

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (en Sporting Club)

EDUCADOR SOCIAL EN ALASKA (historias de un educador perdido en unos servicios sociales entre Extremadura y Alaska) es un espectáculo que pone en escena el blog del mismo título:
http://eleducadorsocialenalaska.blogspot.com, de gran éxito en Internet.
El blog cuenta el día a día de Quique, un educador social, a partir de una herramienta esencial de su oficio: la entrevista.
En la elaboración del espectáculo los internautas pudieron escoger algunos de los /post/ que aparecen en la obra.
Educador social en Alaska es un espectáculo sin límites espaciales, directo, donde se toca, se saborea y se escucha.

Dirigido por Nuria Inglada y Rafa Sánchez e interpretado por Rafa Sánchez.

Sábado 30 y domingo 31 de enero
20'00 h.
Sporting Club Russafa.

Precio: 6€

LECTURA DRAMATIZADA: "Les habitacions tancades" de Samuel Sebastian

Dissabte 6 de febrer de 2010, 19'00 h.
a l'Octubre Centre de Cultura Contemporània

Interpretada per Maribel Bravo i Ángel Figols
Dirigida per Isabel Caballero

L'argumen de l'obra gira al voltant d'un pare que abusa sexualment de la seva filla de catorze anys i descriu el moment en el qual ella es rebel·la.
La història está escrita en temps real, entre el moment en el qual el pare acaba d'abusar de la seva filla i fins el moment de dinar de diumenge.

Más de 20 artistas reflexionan sobre el maltrato en una producción escénica colaborativa

Más de 20 artistas, entre actrices, fotógrafos, pintores, dibujantes y poetas coordinados por la directora y dramaturga valenciana Sefa Bernet han colaborado en una producción escénica independiente contra la violencia de género y el patriarcado que llega a Valencia este sábado y domingo en el marco del Sporting Club de Russafa (Calle Sevilla-Valencia) a las 20:00. Tras la representación, el sábado, se abrirá una charla-coloquio con el público asistente sobre Arte, poesía y patriarcado.

Bajo el título-acertijo ‘(una nada asombrosa pero) EXACTA PALABRA (que te nombra)’ – verso extraído de un poema de Matías Escalera -, el guión está formado a partir de una quincena de poemas de autores y autoras españolas y latinoamericanas, entre los que se encuentran la ganadora del Premio Nacional de Poesía de Tijuana, Claudia Berrueto, Germán Machado, Matías Escalera o la poeta gallega y croata, Déborah Vukusik.

Las poetas han cedido generosamente sus textos. El montaje representa la escala piramidal de violencia desde el maltrato invisible y asumido por la sociedad del consumo hasta la violencia contra la mujer auspiciada y tolerada por Gobiernos y leyes. Una idea que ha servido como base de reflexión para que 4 artistas visuales valencianos desarrollen una propuesta creativa en forma de pinturas, fotografías, fotopoemas y poemas visuales, cuyas obras además formarán parte de una exposición itinerante.

Se trata de Román PC (poeta y fotógrafo), Mario Borrás (pintor), Jenni Arnau (fotopoeta) y Eddie (J.Bermúdez), poeta visual. Además el vestuario ha sido diseñado, también de forma altruista por miembros del Cómic Sketch Group de El Dorado-Espacio MAE. Las actrices son la sevillana Lola Escudero (Leda) y la valenciana Alicia Martínez. La banda sonora es el tema Plegarias a la Venus del gran Poder de Miguel Ángel García Argüez.

Este montaje de Arte Colaborativo y de concienciación social es una producción independiente en colaboración con la Asociación Poética Caudal. También ha participado la asociación Cien Escritores contra el Maltrato, de Gijón, con un montaje audiovisual sobre la violencia sexista y la publicidad.

Para más información, pincha aquí.